8 КЛАСС
Традиции и новаторство в музыке
Музыка, как
и другие виды искусства, развивается благодаря взаимодействию традиций и
новаторства. Традиции сохраняют культурное наследие, передавая из поколения в
поколение устоявшиеся формы, жанры и техники. Новаторство же привносит свежие
идеи, расширяя границы музыкального искусства.
Роль
традиций в музыке.
Традиции обеспечивают преемственность и связь эпох.
Например:
- В классической музыке сохраняются формы симфонии, сонаты, оперы, заложенные еще в 18 веке.
- В народной музыке передаются уникальные мелодии, инструменты (гусли, волынка) и исполнительские приемы.
- В джазе и блюзе остаются важными импровизация и ритмические шаблоны сложившиеся в начале 20 века.
Проявление
новаторства
Новые
направления в музыке часто возникают как реакция на устоявшиеся формы:
Классика:
Бетховен разрушал классические формы, добавляя драматизм.
Джаз и рок:
Отклонения от стандартов породили фри-джаз,
прогрессив -рок и электронную музыку.
Современные
технологии: Синтезаторы и компьютерные программы изменили процесс создания
музыки.
Баланс
старого и нового
Великие композиторы и исполнители часто сочетали традиции с инновациями. Например: Стравинский использовал народные мотивы в авангардных сочинениях, а знаменитый Битлз соединяли рок-н-ролл с симфонической музыкой.
Традиции и
новаторство не противостоят друг другу, а дополняют, обеспечивая непрерывное
развитие музыкального искусства. Без традиций музыка потеряла бы глубину, а без
экспериментов-актуальность
Убедительными
примерами синтеза традиций могут служить оперы «Порги и Бесс»
Дж. Гершвина, «Юнона и Авось» А. Рыбникова, балет «Кармен-сюита» Р. Щедрина.
Современная
музыка при всем своем новаторском облике не отрывается от традиций, она как бы
вырастает из нее, хотя и обновляется благодаря индивидуальности автора и веянью
современной жизни.
На рубежах культур
Музыкальная жизнь на рубеже столетий бурная и интенсивная. В крупных городах России, помимо императорского музыкального общества, появляются новые концертные организации и самобытные творческие коллективы (Филармоническое общество, Хор имени М. Пятницкого, Великорусский оркестр балалаечника В. Андреева и пр.). Растет число профессиональных музыкальных учебных заведений, театров.
В отечественной музыкальной культуре появляются новые «громкие» имена: композиторы А. Лядов, А. Глазунов, С. Рахманинов, И. Стравинский, А. Скрябин, С. Танеев, В. Калинников, пианисты К. Игумнов, И. Левин, А. Есипова, А. Гольденвейзер, певцы Ф. Шаляпин, Л.Собинов, А. Нежданова, танцовщики М. Фокин, В. Нежинский, .
В России появляются крупные меценаты, собирающие коллекции произведений искусства и поддерживающие деятелей культуры: картинная галерея братьев Третьяковых, музей фарфора С. Морозова, театральный музей Б. Вахрушева, музыкальные вечера и издательство М. Беляева, мастерская русских художников, основанная С. Мамонтовым, частные русские оперы С. Мамонтова и С. Зимина. Один из самых ярких представителей – С. Дягилев, пропагандист русского музыкального искусства за рубежом, основатель журнала «Мир искусства», организатор знаменитых «Русских сезонов» в Париже.
Александр Николаевич Скрябин
1872 – 1915
| «Жизнь есть преодоление сопротивления» |
Русский композитор, пианист, выпускник, а затем преподаватель Московской консерватории. Обладал «цветным» слухом. Характерные черты: сложный музыкальный язык (выход за рамки привычной тональной системы), эксперименты с музыкальными формами, составом оркестра, привлечение дополнительных световых спецэффектов. В ранний период творчества его стихией была фортепианная музыка, с 1900 года он начинает писать и симфонические произведения. В творчестве воплощает идеи борьбы за свободу духа и самоутверждение – «Божественная поэма» (симфония №3), «Поэма экстаза»; образы света и очистительного огня – фортепианные поэмы «Мрачное пламя», «К пламени», симфоническая поэма «Прометей» для оркестра, органа, хора и света.
Сергей Васильевич Рахманинов
1873 – 1943 | «Я русский композитор, и моя родина наложила отпечаток на мой характер и мои взгляды» |
Величайший русский композитор, признанный во всем мире мелодист, пианист, дирижер. Образ Родины, её мощь, красота природы, открытость, и одновременно величавость русского характера определили содержание творчества С. Рахманинова.
Первые импровизации начал сочинять в 10 лет. С золотой медалью окончил Московскую консерваторию, дипломная работа – опера «Алеко» по поэме А.Пушкина «Цыгане». В консерватории также появляются его первые известные произведения – прелюдия до-диез минор и первый фортепианный концерт. Его основные произведения:
3 оперы;
3 симфонии, «Симфонические танцы, вокально-симфонические произведения;
4 концерта для фортепиано с оркестром, Рапсодия на тему Паганини;
камерные ансамбли;
фортепианные циклы: прелюдии, этюды-картины, сонаты и пр.;
хоровые произведения;
более 80 романсов.
После Октябрьской революции покинул Россию и эмигрировал в США.
♪ Концерт №2 для фортепиано с оркестром, 1 часть
Игорь Федорович Стравинский
1882 – 1971 | «Музыка - единственная область, в которой человек реализует настоящее» |
Игорь Федорович Стравинский – талантливый композитор-новатор XX века с репутацией дерзкого ниспровергателя традиций. Ученик Н.А. Римского-Корсакова, он был человеком высочайшего интеллекта и широкого общекультурного кругозора. Источниками вдохновения для него были русский архаический фольклор и русская духовная музыка. В то же время он использовал совершенно новые приемы композиторского письма, экспериментировал с мелодикой, ритмом, гармониями, тембрами и фактурами. Его творчество отличается богатством стилистических направлений, по сей день вызывает споры и диаметрально противоположные мнения: от восхищения до полного отрицания.
Стравинский жил в России, Швейцарии, Франции, в 1939 эмигрировал в США, но всегда считал себя русским. «У человека одно место рождения, одна родина – и место рождения является главным фактором его жизни. Россия моя, и я люблю её» - писал композитор в 80-летнем возрасте.
Основные сочинения:
4 оперы;
14 балетов, в том числе «Петрушка», «Весна священная», «Жар-птица»;
симфонические и вокально-симфонические произведения;
концерты;
духовная музыка;
произведения для фортепиано;
романсы и песни.
Тема года
«Традиции и современность в
музыке»
Итоговый урок
Добрый день ребята. На итоговом уроке вы можете пройти тест и проверить свои знания по музыке.
«Любовь никогда не перестанет»
Любовь в её высшем понимании, любовь христианская, чистая, жертвенная, снова приходит в музыку. Ведь именно любовь есть та вершина, тот свет, который вечно освещает храм человеческой души. Любовью движется всё, что есть лучшего в человеческом мире: отношения между людьми, красота природы, великая поэзия и великая музыка.
О такой любви — святой, вечной, созидающей — говорится в первом послании апостола Павла, и ныне поражающем своей бессмертной истиной:
«Если я говорю языками человеческими и ангельскими, а любви не имею, то я — медь звенящая или кимвал звучащий. Если имею дар пророчества и знаю все тайны и имею всякое познание и всю веру, так что могу и горы переставлять, а не имею любви, — то я ничто. И если я раздам всё имение моё и отдам тело моё на сожжение, а любви не имею, — нет мне в том никакой пользы. Любовь долго терпит, милосердствует, любовь не завидует, любовь не превозносится, не гордится, не бесчинствует, не ищет своего, не раздражается, не мыслит зла, не радуется неправде, а сорадуется истине; всё покрывает, всему верит, всего надеется, всё переносит. Любовь никогда не перестанет, хотя и пророчества прекратятся, и языки умолкнут, и знание упразднится. А теперь пребывают сии три: вера, надежда, любовь: но любовь из них больше».
Тихвинская Богоматерь. Икона
«Любовь никогда не перестанет»: не в этих ли великих словах есть для нас источник неугасающей, неистребимой веры? И музыка, воспевающая такую любовь, снова и снова одухотворяется ею, любовью вечно живой, святой, стирающей всякие границы, властвующей над всеми временами — и давно прошедшими, и нынешними, и теми, что придут после нас.
Г.Свиридов "Любовь святая" ссылка
Г. Свиридов. «Любовь святая». Из цикла «Три хора из музыки к трагедии А. К. Толстого «Царь Фёдор Иоаннович». Фрагмент
Новодевичий монастырь в Москве
И может быть, самая радостная, самая отрадная черта современности в том и состоит, что в нелёгкое и противоречивое время в музыке снова зазвучал чистый голос святой любви, этот отблеск божественного света, который обнимает всех нас и который пребудет вечно, ибо так заповедано нам свыше.
Вопросы и задания
1. Как ты понимаешь слова «Любовь никогда не перестанет»? Как вера в эти слова подтверждается в хоре Г. Свиридова «Любовь святая»?
2. Подумай, почему для выражения идеи «любви святой» композитор обращается к хоровому жанру.
3. Прослушай и сделай анализ произведения Г. Свиридова "Любовь святая".
Диалог времён в музыке А. Шнитке
“Музыка – это подслушанные крики времени” – такие слова Альфред Шнитке поместил в качестве эпиграфа к своему дипломному сочинению, оратории “Нагасаки”.
Альфред Гарриевич Шнитке - один из крупнейших российских композиторов ХХ века. Его творчеству присуще острое внимание к проблемам современности, к судьбам человечества и человеческой культуры. Шнитке - прирожденный создатель, крупных музыкальных полотен, концепций в музыке. Дилеммы мира и культуры, добра и зла, веры и скепсиса, жизни и смерти, наполняющие его творчество, делают произведения композитора эмоционально выраженной философией.
Танго о Шнитке ссылка
Основные жанры творчества Шнитке - симфонические и камерные. Композитором созданы 5 симфоний, концерты для скрипки с оркестром, для гобоя и арфы, для фортепиано, альта, виолончели, оркестровые пьесы, 3 concerti grossi и многие другие. По мере эволюции стиля композитора все большее значение в его творчестве приобретают вокальные и хоровые сочинения.
Альфре́д Шни́тке говорил: «Всё развитие музыки представляет собой непрерывное расширение музыкального пространства — появляются всё новые и новые плоскости мышления».
Шнитке принадлежит введение понятия полистилистика, означающего одновременное пребывание в музыке множества стилей, в том числе и тех, что принадлежат далёким эпохам.
Слушаем Шнитке Concerto grosso № 1. Preludio. Toccata ссылка
Кончерто гроссо -(итал. Concerto grosso- большой концерт) - тип инструментального концерта, распространённого в эпоху барокко.
Concerto grosso №1 для двух скрипок, клавесина, фортепиано и струнного оркестра – произведение 1976-1977 годов - оказалось в русле тенденции возрождения старинных музыкальных жанров. Для творчества Шнитке этих лет подобный прием очень характерен.
Жанр сoncerto grosso оказался наиболее жизнеспособным в творчестве композитора, к нему Шнитке будет неоднократно обращаться в дальнейшем.
Дух соревнования здесь возникает не только между солирующими инструментами и оркестром, но и между оркестровыми группами, которые вступают в своеобразный «спор» и участвуют в создании драматических коллизий в концепции сочинения.
Обращение к жанру эпохи барокко - не случайно. Благодаря этому композитор мог себе позволить ввести в музыкальный материал стилистические приемы, которые использовали Корелли, Вивальди, Бах и другие композиторы того времени.
Таким образом достигалось создание аллюзии на скрипичную музыку этих композиторов. Система стилистических противопоставлений в сoncerto grosso представляет собой основу концепции и ведущий архитектонический принцип.
Концерт, появившийся под знаком полистилистики, подытожил эту линию в творчестве Шнитке, доводя оба упоминавшиеся выше принципа до выражения высшего символического смысла через их применение.
Именно связь времен здесь становится внутренней пружиной действия.
Персонажи этой «инструментальной драмы» - темы, а также – стили. Линия драматического развития строится на взаимодействии этих элементов друг с другом.
Обрати внимание на жанр произведения, названия частей (прелюдия, токката), интонационный строй музыки, инструментальный состав.
Музыкальные интонации каких композиторов слышатся в этом произведении?
При прослушивании Прелюдии обрати внимание на тембр подготовленного (препарированного) фортепиано в начале произведения. Что, по-твоему, выражает его звучание?
Вопросы и задания:
1. Прослушай произведение Шнитке Concerto grosso №1. Сделай анализ фрагмента произведения.
2. Что означает понятие ПОЛИСТИЛИСТИКА?
План по анализу музыкальных произведений
1. Исполнительский состав произведения
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении (гомофонно-гармонический, полифонический)
3. Этническая принадлежность произведения
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора и название произведения.
При выполнении задания:
1. Записываем в тетради тему
2. Ставим номер вопроса, отвечаем
3. При анализе произведения записываем название произведения и имя композитора
На вопросы отвечаем письменно в тетради. Фотографируем, присылаем по электронной почте. Пишем фамилию и класс.
burakova@ekb55.ru
Лирические страницы советской музыки
Добрый день!
Один из самых значительных современных отечественных композиторов, Андрей Эшпай утверждал: «Мне кажется, что увлечение «новомодным» прошло… Музыка пишется для людей. И если автор не любит людей. Людям не понравится его музыка…»
Андрей Эшпай
В своих произведениях, таких многообразных по жанру и тематике, Эшпай обращается к лучшим музыкальным традициям. Во многих его произведениях присутствуют темы, характерные для музыки всех времён, — война и мир, жизнь и смерть, суровый драматизм и тонкая лирика.
Послушайте фрагмент второй части из Симфонии № 2 этого композитора. В её музыке выражены такие непреходящие человеческие мысли и чувства, как память, любовь, высокая грусть. Лирическое состояние фрагмента во многом усиливается за счёт введения в инструментальный состав партии гитары. Именно этот музыкальный инструмент исполняет главную тему, которая впоследствии передаётся инструментам других групп оркестра.
А.Эшпай Симфония №2 фрагмент ссылка
Многие художественные особенности современных произведений свидетельствуют о постоянном воздействии традиции на современное композиторское творчество. Это воздействие — и в образном «одухотворении» композиции, какая бы сложная техника в ней ни воплощалась, и в обращении к вечным сюжетам, почерпнутым из великих произведений литературы.
Наверное, глубоко оптимистичным должен казаться нам тот факт, что в современной музыке по-прежнему блистает поэзия А. С. Пушкина, М. Ю. Лермонтова, Ф. И. Тютчева, А. К. Толстого; что поэтический XX век представлен лучшими его именами, среди которых С. А. Есенин, А. А. Блок, М. И. Цветаева, А. А. Ахматова...
А. Осмёркин.
Портрет А.А.Ахматовой. Белая ночь, Ленинград.
С. Слонимский. «Я недаром печальной слыву...». Из вокального цикла «Шесть стихотворений Анны Ахматовой»
С.Слонимский. "Я недаром печальной слыву" ссылка
В этом романсе петербургский композитор С. Слони́мский обращается к прекрасным и грозным образам ахматовской поэзии, среди которых — Петербург, тревожные предчувствия грядущих потрясений, окутавшие великий город (стихотворение написано в последнюю зиму перед войной 1914 года), горькая земная любовь, слитые воедино...
Как ты можешь смотреть на Неву,
Как ты смеешь всходить на мосты?..
Я недаром печальной слыву
С той поры, как привиделся ты.
Чёрных ангелов крылья остры,
Скоро будет последний суд,
И малиновые костры,
Словно розы, в снегу цветут.
Глубокий смысл стихотворения, воплощённого в романсе С. Слонимского, особенно ярко раскрывается при его соприкосновении с музыкой. Не случайно поэзию Ахматовой называют одной из самых музыкальных, созвучных интонационному строю нашей современности. В кратком романсе мимолётно сменяются состояния задумчивой грусти и глубокой женской нежности, грозного поэтического ясновидения, образ лирической женской души XX века, лирической музыки XX века.
Вопросы и задания:
1. Какие мысли и чувства выражены в музыке II части Симфонии № 2 А. Эшпая?
2. О чём рассказывает романс С. Слонимского «Я недаром печальной слыву...»? Как ты понимаешь его содержание?
3. Сравни два прослушанных произведения — фрагмент из симфонии А. Эшпая и романс С. Слонимского. Оба произведения относятся к области музыкальной лирики, оба написаны композиторами-современниками. Похожи ли выраженные в них типы лирического чувства? Аргументируй свой ответ.
Новые области в музыке ХХ века
Джазовая музыка
Джаз — это музыка, возникшая на американском континенте, соединившая европейскую гармонию, европейско-африканськую мелодиию и африканский ритм.
Впервые джаз появился в США в начале XX века. Его отцами-основателями были представители, как сейчас принято говорить, афроамериканского населения. В этой же среде он и получил свое первоначальное распространение. По сути, джаз является слиянием двух музыкальных культур: европейской и африканской. Родившись в Штатах, данное музыкальное направление очень быстро распространилось по всему миру.
Основными характеристиками джаза являются:
· полиритмия;
· импровизация;
· свинг.
Ритмическая пульсация, которую часто называют «битом» и свинг унаследованы джазом от африканских мелодий. Свинг – это наиболее выразительное средство джаза. По сути, это волнообразные колебания, которые создают впечатление раскачки. Обязательной составляющей джаза являются и другие традиционные особенности африканской музыки:использование всех музыкальных инструментов для создания ритмичности;подражание с помощью музыкальных инструментов человеческому пению;наличие живой речи и настоящего пения.
Импровизация в джазе
Считается, что джаз основан на импровизации, наложенной на какую-либо выбранную композицию. В большинстве случаев это действительно так. При этом импровизационную партию может исполнять один инструмент, а может и несколько. Но в обязательном порядке эти партии не должны заглушать солирующий инструмент или голос. Изначально, как правило, в новоорлеанском джазе импровизационные партии исполняли три инструмента: труба, кларнет и тромбон. Фоном им служили бас и ударные. Позднее в джазе чаще стали использоваться битовая пульсация контрабаса и ударных инструментов совместно с виртуозной вокальной импровизацией. При этом вокал осуществлялся специфическим джазовым способом – скэтом. В этом случае солист подражает голосом какому-либо музыкальному инструменту, без присутствия в звуках смысловой нагрузки.
Духовные песни негров.
Негры Нью-Йорка и Нью-Орлеана никогда до сих пор не слыхавшие многоголосного пения в протестантской церкви впервые познакомились с хоровыми религиозными гимнами белых.
Они стали вводить в хоровое пение элементы импровизации. Так появились спиричуэлс – духовные песни негров.
Послушайте пример Спиричуэлс - «Вернемся с Иисусом», фрагмент.
Спиричуэлс ссылка
Одна из исполнительниц спиричуэлс
Махалия Джексон
Спиричуэлс – это, прежде всего, хоровой вид пения. Он часто сопровождался коллективными хлопками в ладоши и танцами. Другой вид музыки, который также лег в основу джаза - это блюз.
Блюз переводится как «уныние, меланхолия». Во время слушания, обратите внимание на характер музыки, исполнителей в сравнении с спиричуэлсом.
Слушание Ареты Франклин - «Сегодня я пою блюз».
Блюз ссылка
По характеру музыка блюза более спокойная, протяжная, грустная.
Если спиричуэлс исполняется хором, то блюз – это, прежде всего, сольный жанр.
И еще один вид музыки, который оказал влияние на джаз – это регтайм.
Луи Армстронг
Изумительный исполнитель, композитор, подлинный гений джаза.
Одной из самых популярных песен стала и «Привет, Долли!». Ее часто исполняют различные джазовые оркестры как инструментальную мелодию. Здесь Армстронг и поет, и играет на трубе. В этой песне обратите внимание на импровизацию, которая будет звучать в проигрыше.
Слушание фрагмента песни «Привет, Долли!».
Джазовый оркестр получили название джаз – бенд. Как правило, солирующими инструментами были корнет, труба и саксофон.
За многие годы джаз изменился и развился, но он сохранил свои основные качества. Одним из жанров музыки, внесших вклад в развитие джаза, был блюз. Джазовая музыка на треть имеет форму блюза. Блюзовыми являются более половины популярных произведений рок-н-ролла. Даже часть американской музыки стиля кантри и вестерн написана в блюзовой форме.
Джаз — это стиль музыки, который постоянно изменяется, но сохраняет свои основные качества.
Весёлый регтайм ссылка
«Горячие» мелодии и ритмы мастерски воплотились в «Рапсодии в стиле блюз» американского композитора Дж. Гершвина.
Это произведение, первоначально задуманное как «Американская рапсодия», было написано композитором буквально на одном дыхании. Музыка рапсодии, представляющая взаимодействие европейской традиции. Афроамериканской джазовой культуры и популярных мелодий и ритмов, близка и понятна как широкой публике. Так и самым взыскательным представителям академического искусства.
Дж. Гершвин Рапсодия в стиле блюз ссылка
Зайдите по ссылке. Узнаете: О джазе, Джаз в кино, Спектакли и мюзиклы, Джазовые исполнители.
О джазе ссылка
Вопросы и задания:
1. Какие характерные особенности можно считать своеобразной «визитной карточкой» джазовой музыки
2. Прослушай произведение "Рапсодия в стиле блюз" Сделай анализ произведения в тетради.
3. Подготовь краткое сообщение на одну из предложенных тем:
«История джаза»
«Выдающиеся джазовые исполнители»
«Джаз в 21 веке»
При подготовке задания используй возможности сети Интернет.
На вопросы отвечаем письменно в тетради. Фотографируем, присылаем по электронной почте. Пишем фамилию и класс.
burakova@ekb55.ru
Таинство,
Лучи света в ночи,
Отражение радости,
Птицы безмолвия...
О. Мессиан
Обращение к вечным темам искусства, идеям Божественного присутствия, космоса, Вселенной мы находим в творчестве выдающегося французского композитора ХХ века – Оливье Мессиана. Композитор-эрудит, композитор-философ, Мессиан воплощал в своих произведениях глубокие и значительные концепции.
Так, идея Бога – в религиозном, философском, этическом значениях – неизменно присутствует в большинстве его сочинений. «Я имею счастливую судьбу быть католиком, я родился верующим… и священные тексты поражали меня уже в раннем детстве. Некоторое число моих сочинений направлено к высокому свету теологических (теология – церковное учение о Боге) истин… Это наиболее благородная область моей деятельности, наиболее сильная, единственная, о которой я, возможно, не буду сожалеть даже в час своей кончины», говорил композитор.
Его называли: сын Франции и всего мира. Оливье Мессиан - один из самых ярких, универсальных и своеобразных музыкантов ХХ века. Современникам казалось, что творческий путь Мессиана был спокоен и тих, ведь всю жизнь он был верен двум занятиям - музыке и орнитологии, а историки музыки нередко сравнивают его с Бахом. Будучи примерным католиком, значительную часть своей жизни он проработал церковным органистом, написавшим немало произведений духовного содержания.
Оливье Мессиан - композитор, который придумал свою музыкальную и мировоззренческую Вселенную, свой музыкальный и ритмический порядок, при этом сам уверял, что не придумал ничего нового.
Человек огромной культуры, энциклопедических знаний, он был известен также как большой знаток культуры Древнего Востока, в частности Индии, Древней Греции, а также европейского Средневековья.
Ещё одна тема отражает увлечение Мессианом неевропейскими культурами. Мир древних цивилизаций Азии, Африки, Южной Америки с их своеобразной и глубокой философией определил искания композитора на протяжении ряда лет.
Среди вершинных произведений неевропейской направленности стала «Турангалила-симфония», написанная Мессианом после изучения древнеиндийского ритмического трактата. «В те годы я не понимал санскрита (санскрит – литературный язык Древней Индии) … Мой друг индиец перевёл эти тексты, что позволило мне узнать заключённые в каждом индийском ритме космические и религиозные символы».
Название симфонии – Турангалила – имеет древнее происхождение. Туранга – в переводе с санскрита – это бегущее время (бегущее как галоп коня); движение и ритм. Лила – есть игра творения, игра жизни и смерти. Кроме этого, лила означает любовь. В одновременности турангалила воплощает такие смыслы, как песнь любви, гимн радости, времени, движению, ритму, жизни и смерти.
Грандиозный смысл философской концепции Мессиан воплощает в десяти-частном симфоническом цикле, длящемся около полутора часов. Основу музыкального сюжета составляют экзотические мотивы, идеи вселенской («сверхчеловеческой», по определению композитора) радости, состояния нирваны (нирвана – в мистическом учении буддистов: состояние полного покоя, блаженства, состояние, понимаемое как освобождение от жизненных забот), темы любви.
Оливье "Сад сна любви"ссылка
Очевидно, что столь масштабное содержание потребовало особой организации. Так, драматургия произведения складывается вокруг двух итоговых кульминационных центров, какими являются V и Х части (их названия – «Ликование звёзд» и Финал).
«Ликование звёзд» (№ 5) – ярчайшая часть симфонии, которая вызывает в восприятии слушателя не только звуковые, но и очевидные зрительные образы. Мы наблюдаем космическую игру Вселенной, в которой вся живая и неживая природа участвует в едином грандиозном действе.
Разительный контраст привносит звучание шестой части. Стремительное время, буквально несущееся в предшествующей кульминационной части, здесь как бы останавливается. Динамика становится статикой, действие – состоянием. Происходит погружение в атмосферу полного покоя, неги, райского наслаждения, точно выраженного в названии фрагмента «Сад сна любви».
Огромная роль в создании музыкального образа отводится ритму. Композитор претворяет особенности древнеиндийской ритмики с её стремлением к свободной импровизационности. Во многом это достигается благодаря своеобразной игре длительностей. Они то увеличиваются, то уменьшаются, в результате чего ритмическое движение музыки непрерывно изменяется.
Такое нескончаемое ритмическое варьирование при повторности музыкальных тем рождает эффект длящегося состояния, прямо отражающего образный замысел композитора.
Вопросы и задания:
Какие особенности творчества О. Мессиана свидетельствуют о его философской направленности?
Какие идеи и смыслы претворяются в «Турангалиле-симфонии» О. Мессиана?
Послушайте фрагменты из «Турангалилы-симфонии». Как распределяется содержание, воплощённое в слове Турангалила, между V и VI частями? Аргументируйте свой ответ.
При прослушивании произведения обратите внимание на оркестровку, выразительность отдельных тембров. Группа каких музыкальных инструментов является приоритетной во фрагменте «Ликование звёзд»? Подумайте почему.
За счёт какого ритмического приёма, использованного в VI части симфонии, достигается эффект длящегося состояния?
В чём вы видите черты образного сходства и отличия между двумя произведениями искусства – музыкальным фрагментом «Сад сна любви» О. Мессиана и картиной «Жёлтая нирвана. Кувшинки» К. Моне?
Вечные сюжеты» в искусстве
Сегодня мы поговорим о совершенстве воплощения вечных сюжетов в искусстве XX в. на примере мифа об античном герое Спартаке. На примере фрагментов балета «Спартак» армянского советского композитора А. Хачатуряна вы познакомитесь с творчеством этого композитора XX в., определите особенности его музыки, соединяющей армянские и европейские традиции. Мы поговорим о личности и подвиге Спартака, рассмотрим, проанализируем картины и сравним их с музыкой из балета А. Хачатуряна.
Известный композитор Арам Хачатурян одно из лучших своих произведений – балет «Спартак» - написал на сюжет об античном герое Спартаке, вожде, возглавившего восстание рабов в Древнем Риме. Композитор писал, что чувствовал близость образа Спартака современной эпохе: «Мне кажется, что тема Спартака созвучна и близка нашему времени», тем самым подчёркивая единство прошлого и настоящего, глубокую поучительность исторического опыта.
А. Хачатурян. 1903-1978 гг.
Арам Хачатурян — армянский композитор XX в. Родился в Тифлисе, с детства импровизировал на фортепиано, но профессионально начал заниматься музыкой только с 19 лет, после переезда в Москву. Окончил музыкальное училище Гнесиных и Московскую консерваторию. В своём творчестве объединял мелодику армянских народных песен и танцев с европейскими композиторскими приёмами.
Среди его произведений - музыка к драме М. Лермонтова «Маскарад», балеты «Гаянэ» и «Спартак», симфонии, концерты, музыка для театра и кино.
Балет «Спартак» А. Хачатуряна
Балет «Спартак» был закончен в 1954 г. В балете четыре действия. Главной темой является столкновение противоборствующих сил — Спартака, гладиаторов и враждебного им мира римских патрициев во главе с Марком Лицинием Крассом.
Древний Рим предстаёт в балете как пышный многоликий город, отмеченный и величественной архитектурой (действие разворачивается на площади у Триумфальной арки), и богатством человеческих персонажей. Гладиаторы, патриции, рабы, легионеры, пираты, торговцы и простые горожане – такова пёстрая картина жизни рабовладельческого Рима, этого города контрастов, сочетающего и подлинное величие, и глубокую нищету.
Гладиатор – в древнем Риме – боец из рабов или военнопленных, сражавшийся на арене цирка или с другим бойцом или с диким зверем.
Патриций – аристократ в Древнем Риме.
Легионер – солдат легиона. Легион в Древнем Риме – крупная войсковая единица.
Колизей - амфитеатр, памятник архитектуры Древнего Рима, наиболее известное и одно из самых грандиозных сооружений Древнего мира, сохранившихся до нашего времени.
Б
. Беллотто. Вид на Колизей
Ж.-Л. Жером. Смерть гладиатора
Сюжет, положенный в основу либретто, повествует о восстании рабов против римских поработителей и его жестоком подавлении. Олицетворение представителей роскошного и могущественного Рима мы видим в образах жестокого и коварного полководца Красса и его наложницы-куртизанки Эгины. Другая сюжетная линия воплощается в образах пленённых рабов в лице их вождя – исполина Спартака и его преданной возлюбленной Фригии.
В основе наиболее значительных номеров балета – подлинные исторические факты. Именно с ними связана та неповторимая атмосфера исторической эпохи, которая пронизывает всю музыку балета, несмотря на современность её языка. Причём дух времени, красочно и выразительно показанный в балете, отмечен яркой эмоциональностью, живыми и многообразными чувствами.
Примечательно, что композитора волнует совсем не зрелищность, столь ценимая древними римлянами во время боёв гладиаторов. Он обращает внимание на другое – ценою потехи патрициев в развращённом городе становится жизнь человека.
Наиболее трагические сцены переданы композитором при помощи близких и родных ему народно-национальных интонаций. Такова, например, «Смерть гладиатора», вызывающая у слушателей ассоциации с народной лирической музыкой, то возвышенно-декламационной, то печально-драматичной.
А. Хачатурян Смерть гладиатора ссылка
Иным настроением отмечена сцена, получившая название «Адажио Спартака и Фригии». Один их самых ярких фрагментов балета, этот эпизод звучит как гимн яркой и возвышенной любви двух главных героев, любви истинной и потому бессмертной.
А. Хачатурян Адажио ссылка
Сцена из балета «Спартак»
Вопросы и задания
Что, по-твоему, даёт основание считать сюжет о восстании Спартака вечным сюжетом?
Прослушай фрагменты «Смерть гладиатора» и «Адажио Спартака и Фригии» из балета А. Хачатуряна «Спартак». Подумай, чем они отличаются и в чём проявляются черты сходства – в интонационных или гармонических особенностях, эмоциональной насыщенности кульминаций? Аргументируй свой ответ. Сделай анализ произведения.
3 четверть
Как мы понимаем современность в музыке
Что же такое «современность» в музыке?
Прежде чем ответить на этот вопрос, задумаемся: а в чём вообще состоит понятие современности? Ведь лицо любой эпохи определяют люди, а это значит, что мы, ныне живущее поколение, и являемся представителями нашей современности. Это мы являемся свидетелями новых открытий, подаривших миру видеотехнику и компьютеры, информационные технологии, средства связи и передвижения.
Все произошедшие изменения конечно же очень важны, но как ни удивительным может показаться такое утверждение, каждая эпоха, каждый век точно так же по-своему совершенствовали технические средства и среду обитания. Когда-то этот процесс происходил очень интенсивно, когда-то – замедлялся. Тем не менее прогресс, который теперь мы называем научно-техническим, происходил в жизни всегда. Ведь если бы это было не так, то следовало бы признать, что все современные достижения прогресса взялись ниоткуда, из пустоты.
Таким образом, следует признать, что современность – это звено в цепи никогда не прекращающейся традиции; современность вытекает из прошлого и предопределяет будущее, и в этом её вечный смысл.
Однако, признавая всё это, можно задать вопрос: разве современность только следование старым традициям, разве нет у неё своего собственного лица, своего неповторимого характера?
Отчасти, конечно, этот характер заключается в культе техники, какого не знал ни один предшествующий век. Не случайно технические достижения, притом взятые в самом своём прямом смысле, вошли и в искусство, может быть впервые в истории став одной из его тем.
Так, французский композитор А. Онеггер создал в 1923 году одно из известных своих сочинений – «Пасифик 231».
Артур Онеггер - выдающийся прогрессивный французский композитор ХХ века, художник высокой принципиальности и честности, крупный общественный деятель, талантливый публицист и критик, отстаивавший передовые тенденции современного искусства. Убеждённый антифашист, он был одним из руководителей Народной музыкальной федерации в 30-е годы, участвовал в деятельности музыкантов-патриотов в годы Сопротивления. Онеггер - художник-мыслитель, которого· волновали проблемы войны и мира, будущее цивилизации, перспективы развития современного искусства, трагическое положение музыканта в капиталистическом обществе.
Творческий путь Онеггера был полон непрестанных поисков, свойственных большому мастеру. Художник импульсивный, противоречивый, эмоционально открытый, он запечатлел сложный мир современности с его конфликтами и проблемами, создал свой неповторимо оригинальный стиль, живо соприкасающийся с открытиями ХХ века в области средств выразительности и в то же время доступный массовой аудитории.
«Пасифик 231» - марка паровозов, которые с огромной скоростью возили за собой тяжеловесные составы. Именно шум паровоза и воссоздаётся в этой музыке, в которой можно уловить и скрежет деталей, и лязг тормозов, и ускоряющееся движение.
«Я не стремился подражать шумам локомотива, - говорил Онеггер, - но хотел передать зрительное впечатление и физическое наслаждение движением в чисто музыкальном построении... Оно исходит из объективного восприятия: неторопливое дыхание машины в состоянии покоя, толчок начала движения и прогрессивное его ускорение». Композитор писал также: «...я преследовал в «Пасифике» чисто абстрактную, в чём-то идеальную цель - создать впечатление математически точного равномерного ускорения ритма, в то время как темп, по сути, замедляется... С музыкальной точки зрения я сочинил нечто вроде протяжённых хоральных вариаций, пронизанных контрапунктами в духе И. С. Баха».
Несмотря на то что сам Онеггер писал об отсутствии чёткого программного замысла в своём сочинении, но всё же данное им самим название, а также характер музыкального звучания позволяют говорить о своеобразном преломлении в музыке идей промышленного пейзажа.
Примечательно, что музыкальные критики, оценивая это сочинение, старались привнести в его трактовку какие-нибудь поэтические детали, отсутствующие в партитуре. Некоторые описывали движение поезда по безграничным просторам степей (вероятно, желая дополнить промышленный пейзаж дыханием живой природы), некоторые даже пытались вызвать у читателей ассоциации с особыми запахами, которыми веет от широких просторов...
Может быть, эти домыслы были и не вполне серьёзными, но они указывали на «присущее человеку стремление одухотворить мёртвую техническую идею, вдохнуть в неё обаяние природы, запах полей, ощущение простора».
Такое стремление порой обнаруживает себя и в произведениях, авторы которых сознательно ставили задачу воспевания каких-либо сугубо технических достижений прогресса. В первой трети ХХ века подобные темы были исключительно популярны; создавались многочисленные поэмы, оды и даже крупные музыкальные композиции, посвящённые производственной теме (даже великий Шостакович посвятил им свой балет «Болт», созданный в 1931 году).
Однако нередко в подобных произведениях, казалось бы, отрицающих всякую свою связь с сентиментальными чувствами прошлого, возникали странные уподобления именно этим чувствам, как будто новые объекты воспевания нуждались именно в такой, возвышенно-романтической трактовке
Примером может послужить стихотворение пролетарского поэта Михаила Герасимова «Песнь о железе», написанное в 1917 году. Вот несколько фрагментов из этого стихотворения:
В железе есть нежность,
Игривая снежность,
В шлифованном - светит любовь;
Закатная алость,
Порыв и усталость,
В изломе, заржавленном - кровь.
В железе есть осень,
Холодная просинь
В заржавленных ветках сосны,
Есть знойное лето,
Миражем одето,
Горячим цветеньем весны.
Читая стихотворение «Песнь о железе», мы видим, как этот сугубо «технический» автор (в другом своём стихотворении он пренебрежительно противопоставлял «разнеженной» живой природе мужественное дымное небо на заводе и «железные цветы» производства) строка за строкой воспевает нежность, любовь, алые закаты и другие «несовременные» чувства и картины. Разве они не милы его сердцу, если именно эти образы становятся для него высшим аргументом в пользу высокой красоты железа?..
Вопросы и задания:
Как вы сами считаете, чем отличается наша современность от предшествующих времён? В чём её объективные преимущества и недостатки? (При ответе на вопрос привлекайте знания из области истории, литературы, искусства).
Что по-вашему, в большей степени определяет характер пьесы А. Онеггера «Пасифик 231» - индустриальная идея или идея художественная? Аргументируйте свой ответ.
Как вы воспринимаете метафоры и сравнения, представленные в стихотворении М. Герасимова «Песнь о железе», - органично и естественно; как дань времени; как надуманное преувеличение? Почему?
Долгожданным, светлым и радостным праздником была на Руси Пасха - Светлое Христово Воскресение. Долгожданным праздник был ещё и потому, что ему предшествовал долгий - семинедельный - Великий Пост.В это время изменялся домашний уклад, готовилась только особая, постная пища; изменялся и порядок церковных служб, и характер песнопений - по большей части скорбных, покаянных. По-иному звонили и колокола: постный благовест был, по определению И. Шмелева, зовущим, жалостным, словно плачущим по грешной душе. Так люди готовились к Пасхе: очищали тело и душу, молились и каялись в грехах...
Пасха - весенний праздник, солнечный, по-особенному радостный. Светла и торжественна Пасхальная служба в церкви. Вот как описывает её о. Сергий Булгаков в своей книге «Православие»: «Воскресение Христово есть праздник всего христианского мира, но нигде оно не является таким светлым и таким небесным, как в Православии, и нигде оно... не празднуется так, как в России, на русской земле, вместе с нежной и прозрачной, светлой и торжествующей весной. Пасхальная ночь с ее ликующей радостью уносит нас в жизнь будущего века, в новую радость, радостей радость навеки. Перед полуночью собираются в храм верующие, чтобы проститься с плащаницей, которая уносится из середины храма перед пасхальной заутреней.
В полночь, по удару колокола, отверзаются главные врата алтаря, и священнослужители со всеми свечами движутся среди моря огней - и в руках у верующих и перед всеми иконами - с пением: «Воскресение Твое, Христе Спасе, ангели поют на небеси, и нас на земли сподоби чистым сердцем Тебе славити». Все выходят крестным ходом из храма под звон колоколов; по обхождении храма, процессия останавливается перед запертыми дверями храма, который уподобляется запечатанному гробу, от которого камень отвалит св. Ангел. Наконец, храм отверзается, и в него входят священнослужители с ликующим пением: «Христос воскресе из мёртвых». Камень отваливается от душ, они увидели воскресение Христово
И начинается пасхальная заутреня, вся состоящая из пения пасхального канона, ликующая, скачущая, исполненная божественного веселия, и когда она пролетает, священнослужители выходят приветствовать народ, чтобы дать и принять пасхальное целование, христосоваться. Все целуют друг друга с приветственными словами: «Христос воскресе-воистину воскресе» ..
Праздник Пасхи составляет сердце Православия, а вместе и живое свидетельство его полноты и истинности».
К сочинению церковной музыки Чайковский впервые обратился в 1878 году. Взяться за эту работу его побудила неудовлетворённость состоянием русского богослужебного пения в то время. «...Хочу попытаться сделать что-нибудь для церковной музыки, - писал он. – В этом отношении у композитора огромное и ещё едва тронутое поле деятельности…»
Основными чертами церковной музыки, по мнению Чайковского, должны быть простота, ясность, сдержанность выражения и в то же время душевная теплота, благоговение, искренность чувства.
Чайковский написал полные, музыкально завершённые циклы к двум важнейшим богослужениям православной Церкви: «Литургии св. Иоанна Златоуста» (1878) и «Всенощному бдению» (1882). Кроме того, им написаны девять отдельных духовных хоров и положен на музыку пасхальный текст «Ангел вопияше».
Вдруг сделалось великое землетрясение; с небес сошёл Ангел Господень. Он, приступив, отвалил камень от двери гроба Господня и сел на нём. Вид его был как молния, и одежда его бела, как снег…
Послушайте одно из пасхальных песнопений – великолепное «Ангел вопияше», написанное П. Чайковским. Музыка песнопения пронизана особой духовной энергией, отличавшей церковные песнопения пасхального цикла.
В ряду музыкальных сочинений, посвящённых празднику Пасхи, особое место занимает увертюра Н. Римского-Корсакова «Светлый праздник». Сам замысел этого произведения уникален в истории русской музыки.
Увертюра начинается с древнерусского распева стихиры «Да воскреснет Бог», также используются пасхальные песнопения «Ангел вопияше» и «Христос воскрес из мёртвых». В музыке слышны «трубный торжественный архангельский глас», «пение хора», «быстрое дьячковское чтение» (выражения самого Римского-Корсакова). В центре композиции увертюры - медленный литургический речитатив тромбона sоlо, соответствующий высшему моменту службы - торжественному чтению евангельского благовестия от Иоанна.
Н. Римский-Корсаков Увертюра "Светлый праздник"
На пятидесятый день после Пасхи отмечали Троицу (Пятидесятницу). Праздник Пятидесятницы на Руси связан с «русальной неделей», которая по-другому называлась «зелёными святками».
«Святая Троица» с момента своего создания была любимейшей иконой древнерусских художников, служила образцом для бесчисленных копий и воспроизведений. Но судьба самого Андрея Рублёва и многих его творений драматична и поначалу даже необъяснима.
Смиренный инок, он всю жизнь свою посвятил созданию фресок и икон на религиозные сюжеты. Уважаемый и широко известный, ещё при жизни названный «преподобным», через какое-то время он был забыт потомками, а многие творения его оказались утраченными. Даже в начале XX века некоторые специалисты не могли достоверно назвать ни одного его произведения. Осталось лишь имя, да и то знали его только любители древнерусского искусства.
Андрей Рублёв жил в нелёгкий, но знаменательный период русской истории. Обескровленная и униженная чужеземным игом, Русь вставала с колен, расправляла плечи и начала готовиться к освобождению от гнёта Золотой Орды. То было время радостное и одновременно горькое, пора блистательных побед и жестоких поражений. К числу последних относятся грустные события 1408 года, когда на землю русскую вторгся хан Едигей. Разорительное нашествие монголо-татар ещё раз показало, что русским князьям надо прекратить междоусобную вражду, жить в мире и согласии, только объединившись, они смогут окончательно избавиться от «злой татарщины». Одни учёные считают, что именно в это время (около 1411 года) Андрей Рублёв и создал своё лучшее произведение - «Троицу», которая в те времена имела значение особое. Правда, другие утверждают, что «Троица» была написана в 1420-е годы, когда в монастыре был воздвигнут белокаменный Троицкий собор.
Ветхозаветная Троица была символом единения. Ещё в середине XIV века, основывая свою обитель, Сергий Радонежский (как сказано в одном из его житий) «поставил храм Троицы... дабы взиранием на святую Троицу побеждался страх перед ненавистной раздельностью мира». На довольно значительной по размерам доске Андрей Рублёв изобразил ветхозаветную Троицу - явление Аврааму Бога в виде трёх ангелов.
На Троицу срубленными молодыми берёзками, ветками клёна, липы, дуба, рябины украшали дома, ворота, колодцы, из зелени плели венки. Согласно народным поверьям, в это время на земле появляются русалки - души умерших детей и девушек.
Образы русалок популярны в русских сказках, в произведениях А. Пушкина, Н. Гоголя. По поэме Пушкина «Русалка» написана одноименная опера А. Даргомыжского, по повести Н. Гоголя «Майская ночь» - опера Н. Римского-Корсакова.
Обращаясь к великому русскому искусству, мы видим, что всё оно насквозь пронизано мыслями и образами православия, в которых нашло отражение всё, что связано с идеями русской святости. В особенности это относится к музыке, по природе своей тяготеющей к возвышенному, далёкому от суеты: ведь не случайно в древние времена «пение» и «богослужение» воспринимались как синонимы.
С течением веков в музыке возникла традиция, значительно ответвившаяся от своего праистока; данная традиция образовала обширную и многообразную область светской музыки.
Музыка светская - в отличие от церковной - это оперы и симфонии, сонаты и инструментальные концерты, романсы и песни с их разнообразием тем, образов, средств музыкальной выразительности. Однако вплоть до ХХ века практически ни один композитор не оставил без внимания драгоценную и святую для каждого музыканта сокровищницу музыки духовной.
Что побуждало композиторов снова и снова, как к вечному источнику, обращаться к старым молитвенным напевам? Может быть, то, что они были для каждого музыканта, как и для любого другого человека, частью их жизни? А может быть, в них они искали источник созвучий для своих «светских» произведений, лучшие образцы которых также несли отблеск небесной гармонии?
Ведь совсем не случайно шедевры искусства почти никогда не являлись отражением злободневных, текущих событий современности, а обращались к вечным темам, к главным вопросам, во все времена волнующим людей.
Духовная музыка в послереволюционной России надолго ушла из композиторского творчества. Однако отзвуки её можно найти во многих произведениях советских композиторов - С. Прокофьева, Г. Свиридова, Н. Сидельникова...
В последние десятилетия произошёл перелом: композиторы всё чаще обращаются к духовной музыке – древнейшему пласту отечественной культуры, словно спеша соединить разорванную связь времён, сохранить то ценное, что содержали в себе творения наших великих предков. Диалог с прошлым начинает звучать во множестве произведений, поднимающих темы любви к отеческим святыням, к людям, к древнему творчеству, к народному мастерству. Эти темы переплетаются и получают новое звучание в современной музыке, как будто пробудившейся, открывшейся навстречу духовно-возвышенным традициям, прошедшим сквозь толщу веков.
Среди сочинений, воплощающих идею нетленной красоты таких традиций,- хоровая композиция Р. Щедрина «Запечатленный ангел». Созданная по повести замечательного русского писателя Н. Лескова, она музыкальными средствами воссоздаёт поэтическую идею произведения Лескова, выраженную в словах самого писателя: «Принесите нам сюда запечатленного ангела, мы ему молебствовать хотим, и он один нас исцелит».
На рубеже 80-90х годов ХХ века, в канун 1000-летия принятия христианства на Руси, Щедрин создал сочинения, показавшие все глубинное значение этой темы для него: «Стихира на тысячелетие крещения Руси» (1987) и «Запечатленный ангел» (1988).
Р. Щедрин "Запечатленный ангел"
Хоровая музыка «Запечатленный Ангел» была написана, как заметил Родион Щедрин, по «зову сердца», «как если бы кто-то при этом управлял его рукой». За это произведение, написанное и впервые исполненное в 1988 году, Щедрин был удостоен в 1992 году Российской Государственной премии.
Монументальный цикл из девяти частей написан для смешанного состава, мальчишеского голоса и свирели и выдержан в духе литургических традиций А. Гречанинова и С. Рахманинова. Сочинение нередко называют энциклопедией русского хорового письма, включающую мелодику знаменного типа, народную подголосочность, звучный аккордовый склад, краску басов-октавистов, соло мальчика-дисканта, эффект «храмового эха» и имитацию колокольного звона.
Послушайте фрагмент из этого произведения, созданного в наши дни, но так внимательно и вдумчиво сохраняющего традиции музыкальной сдержанности и возвышенности, простоты и одновременно глубины. Не являясь строго канонической музыкой, «Запечатленный ангел» тем не менее стоит в ряду тех произведений, которые несут душе покой и мир. Такова огромная просветляющая сила духовной музыки, соприкосновение с которой преобразует стиль даже самой «светской» музыки.
Возрождение традиций духовной музыки в творчестве современных композиторов есть свидетельство той неодолимой силы, какую всегда имела и продолжает иметь над душами людей светлая и высокая православная вера. Никакие запреты, никакие гонения не смогли загасить этот животворящий свет. И, наверное, не случайно, что в наши дни возвращение к самым дорогим отечественным традициям происходит именно в музыке, которая всегда умела выразить полноту и истинность православной веры. Музыка чистая, высокая, пробуждающая к свету, несущая мир и покой, приходя к людям в тяжёлые и смутные времена, она уже одним своим появлением как будто подтверждает слова апостола Павла, сказанные две тысячи лет назад: «Нас почитают умершими, но вот, мы живы».
Вопросы и задания:
1. Почему Пасху на Руси называют светлым праздником?
2. Охарактеризуй настроение музыки увертюры Н. Римского-Корсакова "Светлый праздник". Что она выражает?
3. Как ты думаете, хранит ли облик современных городов память о том, что православная вера была частью жизни всех людей? Что ещё вы могли бы привести как свидетельство огромной роли православия в жизни и искусстве России?
От Рождества до Крещения
В древности и Рождество, и Крещение Господне праздновались в один день - день Богоявления, поскольку и в Рождестве, и в Своём Крещении Сам Бог являет Себя миру. Впоследствии Святая Церковь разделила эти великие празднуемые события на два праздника, и сейчас Рождество Христово и Крещение Господне соединяются особыми днями, которые именуются святками или святыми днями.
Как чудесны рождественские праздники!
От Рождества до Крещения повсюду на Руси не прекращались гадания и праздничные гуляния.
В деревне дети, подростки и девушки собирались небольшими группами, делали из золотистой бумаги Вифлеемскую звезду, зажигали свечи и с пением ходили славить Христа и поздравлять соседей.
Вечерами устраивали гадания, желая узнать, что ожидает их в новом году.
Святки... Самые короткие дни - и самые длинные ночи. Самые весёлые и шумные праздники - и самые волшебные гадания. Стоит только произнести: «ночь перед Рождеством», «крещенский вечер» - и даже у нас, забывших все или почти все традиции, что-то отзывается в душе, как будто открываются двери в неведомое. В старину верили, что в такие ночи на землю спускаются боги, которых можно спросить о самом важном.
Из этих загадочных существ мы сегодня помним лишь Санта Клауса,
Деда Мороза - старика с белой бородой, приносящего подарки.
А вопросы о важном приняли вид гаданий.
Пусть мы забыли многое, однако не всё. Ещё и сегодня школьницы в рождественскую ночь кладут под подушку записочки с именами знакомых мальчиков. А в позапрошлом веке не только крестьянские девушки, но и барышни-дворянки с замиранием сердца ждали Святок, чтобы узнать свою судьбу. И совсем не обязательно искать в библиотеках описания святочных обрядов и гаданий.
Давайте возьмём с полки томик Пушкина, поудобнее устроимся в кресле, зажжём свечу, откроем пятую главу «Евгения Онегина» - ту самую, где «зимы ждала, ждала природа» ...
Помните, Татьяна, всем сердцем полюбившая Онегина, пишет ему бесхитростное письмо с объяснением в любви и получает отповедь, может быть и справедливую, но горькую. Однако любить и надеяться она не перестаёт...
Пришла зима, выпал снег...
Настали Святки. То-то радость!
Гадает ветреная младость,
Которой ничего не жаль,
Перед которой жизни даль
Лежит светла, необозрима...
Святки - период с Рождества 7 января (25 декабря по ст. ст.) по Крещение-Богоявление 18 января (6 января). «Никогда русская жизнь не является в таком раздолье, как на Святках: в эти дни все русские веселятся», - писал один из исследователей народных обычаев. Стар и млад, девушки и парни, крестьяне и помещики - все участвовали и в ряжении, и в застольях. Вечерами собирались по домам, вспоминали старину, пели, гадали.
Заметим, что в Святки языческое как никогда тесно переплетается с христианским: младенец Иисус, волхвы, Вифлеемская звезда, а рядом - «пришла Коляда накануне Рождества», Огненный змей, летающий за красными девицами... Да и само гадание - «волхвование» - напоминание о неких действах языческих жрецов-волхвов.
Святочные гадания описывает В. Жуковский в поэме «Светлана»:
Раз в крещенский вечерок
Девушки гадали:
За ворота башмачок,
Сняв с ноги, бросали;
Снег пололи; под окном
Слушали; кормили
Счётным курицу зерном;
Ярый воск топили.
В чашу с чистою водой
Клали перстень золотой,
Серьги изумрудны;
Расстилали белый плат
И над чашей пели в лад
Песенки подблюдны.
Зима в русской жизни издавна связывалась с рождественскими праздниками. Примечательно, что в цикле П. Чайковского «Времена года», в котором отражаются самые главные события года, пьеса «Декабрь» имеет подзаголовок «Святки» и эпиграф из приведённого фрагмента поэмы Жуковского.
Послушайте, как в своей музыке композитор передаёт праздничную, чуть взволнованную атмосферу волшебного праздника, так любимого самим Чайковским (вспомните его «рождественский» балет «Щелкунчик»).
П.Чайковский "Декабрь. Святки". слушать
Сцены народных рождественских праздников присутствуют и во многих оперных произведениях русских композиторов. Невозможно представить, например, оперу Н. Римского-Корсакова «Ночь перед Рождеством» без сцены колядок, великолепно описанных в одноименной повести Н. Гоголя:
«Шумнее и шумнее раздавались по улицам песни и крики. Толпы толкавшегося народа были увеличены ещё пришедшими из соседних деревень. Парубки шалили и бесились вволю. Часто между колядками слышалась какая-нибудь весёлая песня, которую тут же успел сложить кто-нибудь из молодых козаков. То вдруг один из толпы вместо колядки отпускал щедровку и ревел во всё горло:
Щедрик, ведрик!
Дайте вареник,
Грудочку кашки,
Кiльце ковбаски!
Хохот награждал затейника. Маленькие окна подымались, и сухощавая рука старухи, которые одни только вместе со степенными отцами оставались в избах, высовывалась из окошка с колбасою в руках или куском пирога. Парубки и девушки наперерыв подставляли мешки и ловили свою добычу. В одном месте парубки, зашедши со всех сторон, окружали толпу девушек: шум, крик, один бросал комом снега, другой вырывал мешок со всякой всячиной. В другом месте девушки ловили парубка, подставляли ему ногу, и он летел вместе с мешком стремглав на землю. Казалось, всю ночь напролёт готовы были повеселиться. И ночь, как нарочно, так роскошно теплилась! И ещё белее казался свет месяца от блеска снега».
Чудо Рождества - истинное, оно всегда было, есть и будет.
Вопросы и задания
1. Как исстари отмечали на Руси рождественские праздники?
2. Послушай произведение П. Чайковского "Декабрь. Святки". Сделай анализ произведения.
Рождественская звезда
Православная служба проходит в храме ежедневно, и каждый верующий посещает её с особой радостью. Выдающийся философ А. Ф. Лосев писал об этом так: «Человек живёт радостью... Сегодня я переживал редкое настроение на заутрене. Чувство всего, что только свято для меня, наполняло мою душу ... Для того чтобы все ваши чувства хорошего, светлого и святого для вас слились в один гимн красоте, в одно настроение, окрыляющее ваш дух бессмертной силой, нужна вера в красоту, вера в возможность этого настроения, то есть нужна религия. Сомневайтесь сколько хотите, но вы веруйте».
И если радость приносило каждое богослужение, то ещё более радостными были православные праздники - Рождество, Святки, Масленица и особенно Пасха, Светлое Христово Воскресение.
Каждый из этих праздников был частью жизни любого человека, он был любимым, радостным и долгожданным.
Один из таких праздников - Рождество - праздновался повсюду: в монастырях и храмах, в городах и деревнях, в крестьянских избах и царских дворцах. Христос родился! - в эти дни как будто вся земля радуется, и радуются вышние силы, и прославляют его сошедшие на землю ангелы. Это они когда-то принесли ставшее потом традиционным рождественское ангельское славословие: «Слава в вышних Богу, и на земли мир, в человецех благоволение».
Слушание: «Слава в вышних Богу...» (в исполнении хора Ф.Паторжинского).
Рождение младенца Христа, согласно евангельскому повествованию, было неоднократно предсказано ветхозаветными пророками. Это таинственное и величественное событие произошло в убогой обстановке, в пещере («вертепе»), где вынуждены были остановиться плотник Иосиф и его жена Мария, бежавшие в Вифлеем из Палестины.
Первой колыбелью Иисуса становятся ясли - кормушка для скота, куда, спеленав вначале, укладывает новорождённого Мария.
Слушание Грубер "Тихая ночь"
Стояла зима.
Дул ветер из степи.
И холодно было младенцу в вертепе
На склоне холма.
Его согревало дыханье вола.
Домашние звери
Стояли в пещере,
Над яслями тёплая дымка плыла...
Вдали было поле в снегу и погост,
Ограды, надгробья,
Оглобля в сугробе,
И небо над кладбищем, полное звёзд.
А рядом, неведомая перед тем,
Застенчивей плошки
В оконце сторожки
Мерцала звезда по пути в Вифлеем...
Она возвышалась горящей скирдой
Соломы и сена
Средь целой вселенной
Встревоженной этою новой звездой...
И странным виденьем грядущей поры
Вставало вдали все пришедшее после.
Все мысли веков, все мечты, все миры,
Всё будущее галерей и музеев,
Все шалости фей, все дела чародеев,
Все ёлки на свете, все сны детворы.
Весь трепет затепленных свечек, все цепи,
Всё великолепье цветной мишуры...
... Всё злей и свирепей дул ветер из степи...
...Все яблоки, все золотые шары...
Светало. Рассвет, как пылинки золы,
Последние звезды сметал с небосвода.
И только волхвов из несметного сброда
Впустила Мария в отверстье скалы.
Он спал, весь сияющий, в яслях из дуба,
Как месяца луч в углубленье дупла.
Ему заменяли овчинную шубу
Ослиные губы и ноздри вола.
Стояли в тени, словно в сумраке хлева,
Шептались, едва подбирая слова.
Вдруг кто-то в потёмках, немного налево
От яслей рукой отодвинул волхва,
И тот оглянулся: с порога на деву,
Как гостья, смотрела звезда Рождества.
В ту ночь над пещерой зажглась необыкновенно яркая звезда, вслед за звездой пришли жрецы - волхвы и принесли младенцу драгоценные дары: золото, ладан, миро (благовонные травы и масла).
Всё живое радовалось чудесному рождению Иисуса, и эта радость, это вселенское поклонение изображено и на иконописном образе Рождества, и в словах стихиры, что поётся на рождественской вечерне:
Что ти принесём владыко Христе,
Яко явися еси земли, яко человек нас ради?
Каяждо бо от Тебе бывших тварей
Благодарение приносит:
Ангели - пение,
Небеса - звезду,
Волхвы - дары,
Пастырие - чудо,
Земля - вертеп,
Мы же - Матерь-Деву.
Иже прежде век, Боже, помилуй нас.
Приведённые фрагменты из стихотворения Б. Пастернака «Рождественская звезда» - одно из многочисленных произведений, посвящённых чудесной истории рождения Иисуса. Написанное в середине ХХ века, стихотворение свидетельствует о нетленном значении этого события, дорогого и святого для каждого христианина.
Лишь самая малость житейских «благ» окружает новорождённого Христа, кровом которому служит пещера, а источником тепла - дыхание домашних зверей. Да и что Ему наши дары? Это Он, придя в мир людей, подарил ему будущее.
Слушание: А. Лядов. «Рождество Твое, Христе Боже наш» (хор Крестовоздвиженского собора).
Лядов "Рождество, Твое, Христе Боже наш"
Пастернак как будто раздвигает границы времени и пространства, вводя идею грядущей всеобщности христианства: «Все мысли веков, все мечты, все миры». И всё, что отныне есть у нас, составляет самую лучшую, самую великую человеческую надежду - надежду на спасение, на грядущий вечный свет.
Путь к спасению неизмеримо далёк, как далеко от нас сияние рождественской звезды, но разве не этот свет видится нам в «трепете затепленных свечек», в новогодних золотых шарах, в светлых праздниках, в пламени истинной человеческой любви?
Свет веры неугасим в душе человека. Идут годы, проходит короткая человеческая жизнь. Но и сквозь даль прожитых лет сияет и сияет чудесной сказкой детства свет далёкого Рождества.
Вопросы и задания
1. Послушайте произведение Лядова «Рождество Твое, Христе Боже наш». Сделайте анализ произведения.
Колокольный звон на Руси
В православной Руси с особой любовью и почитанием относились к колоколам и колокольному звону. Вспомните песню «Вечерний звон», вспомните «Вечерний звон» И. Левитана...
Может быть, эти старинные образы помогут вам почувствовать, что колокольный звон на Руси был чем-то большим, чем простое явление колокольного звона: в нём словно отразилась русская душа, русская жизнь. Не случайно нигде колокола не были так тесно связаны со всем укладом жизни, как на Руси.
Люди хорошо понимали язык колоколов, ведь их звон сопровождал человека от рождения до смерти.
Колокола были неотъемлемой частью и сельского пейзажа, и городской жизни, под звон колоколов чередовались времена года, рассветы и сумерки, колокола звонили и в радостные, и в горестные дни, сопровождали великие праздники и семейные события.
Чувства русского человека, чью душу наполняет благостный колокольный звон, хорошо выразил А. К. Толстой в стихотворении «Благовест».
Среди дубравы блестит крестами
Храм пятиглавый с колоколами.
Их звон призывный через могилы
Гудит так дивно и так уныло!
К себе он тянет неодолимо,
Зовёт и манит он в край родимый,
В край благодатный, забытый мною,
И, непонятной томим тоскою,
Молюсь и каюсь я, и плачу снова,
И отрекаюсь я от дела злого;
Далёко странствуя мечтой чудесною,
Через пространства я лечу небесные,
И сердце радостно дрожит и тает,
Пока звон благостный не замирает.
Мусоргский Пролог из оперы Борис Годунов
Колокольный звон поистине являлся «отрадой души», неотъемлемой частью всей звуковой атмосферы русской жизни. Колокола и сами были словно живые: им, как и людям, давали собственные имена - Гаврила, Георгий, Лебедь, Медведь...
На самой знаменитой в Москве колокольне - Ивана Великого - некогда располагалось 52 колокола, замечательных по своему звуку. Московские старожилы хорошо знали их «голоса» и с удовольствием узнавали как старых знакомых.
Колокольную симфонию Москвы однажды описал юный М. Лермонтов в своём учебном сочинении:
«Москва не есть обыкновенный город, каких тысячи. У неё есть своя душа, своя жизнь ... Каждый её камень хранит надпись, начертанную временем и роком, надпись для толпы непонятную, но богатую, обильную мыслями, чувством и вдохновением для учёного, поэта и патриота! Как у океана, у неё есть свой язык, язык сильный, звучный, святой и молитвенный!..
Едва проснётся день, как уже со всех её златоглавых церквей раздаётся согласный гимн колоколов, подобно чудной, фантастической увертюре Бетховена... и мнится, что бестелесные звуки принимают видимую форму...
О, какое блаженство внимать этой неземной музыке!»
Музыка утренних колоколов старинной Москвы – как чудесно передаётся она во вступлении к опере М. Мусоргского «Хованщина»! Облик великого города было невозможно представить без этого удивительного звона, наполнявшего воздух по мере приближения утра. Красноречивы и ремарки самого композитора, предваряющие каждый новый музыкальный эпизод:
«Занавес поднимается медленно. На сцене утренний полусвет»; «Главы церквей освещаются восходящим солнцем. Доносится благовест к заутрене»; «Вся сцена постепенно освещается восходящим солнцем».
В этом праздничном звуковом многоголосье наступало каждое утро, и, наверное, каждому казалось, что так будет вечно: и колокольни, и купола, и чудесный перезвон...
Многие композиторы вводили звучание колоколов в свои произведения. Колокола Кремля звучат у М. Мусоргского не только в «Хованщине», но и в Прологе оперы «Борис Годунов», в сцене венчания Бориса на царство.
Праздничный, красный звон слышится с колоколен невидимого Китеж-града (финал оперы Н. Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии»).
Китеж (Китеж-град, Кидиш) - мифический чудесный город, который согласно русским легендам, спасся от войск Батыя во время татаро-монгольского нашествия в XIII веке благодаря чудесному свойству быть невидимым.
С. Рахманинов одно из лучших своих произведений поэму для солистов, хора и симфонического оркестра «Колокола» на слова Эдгара По в переводе Константина Бальмонта - посвятил теме «Колокола в жизни человека». Разнообразный колокольный звон и составляет основу звучания этого замечательного сочинения.
«Колокола» принадлежат к выдающимся русским музыкальным произведениям кануна Первой мировой войны. В этой поэме, как в «Прометее» Скрябина, отразились тревожные, напряжённые настроения начала века. Как писал академик Асафьев, музыка «Колоколов» определяется «слиянием тревожных стадий в чувствованиях Рахманинова... с интуитивным постижением им глубоких тревог в недрах русского общества». Четыре части поэмы объединены общим ночным колоритом, красочностью, а главное - лейтмотивом, интонационно близким древнерусским причетам и средневековой секвенции Dies Irae.
1-я часть (Allegro ma non tanto) рисует образ безмятежной юности, картину зимнего санного пути с серебристым звоном колокольчиков. Всё подчиняет себе стремительный ритм бега. Тонкая оркестровка с флажолетами арф, нежным звучанием челесты, которые сменяют призывные фанфары труб и тромбонов, создают фантастический колорит. Возглас тенора «Слышишь!» подхватывается хором. В среднем разделе колорит мрачнеет, сгущаются оркестровые краски, хор закрытым ртом исполняет архаичную мелодию - словно всё погружается в забытьё, и возникает волшебный сон, оцепенение мечты. Но снова восстанавливается стремительный бег.
2-я часть (Lento) пронизана свадебным звоном. Её настроение определяют строки, звучащие у хора: «Слышишь к свадьбе зов святой, золотой». Они являются своеобразным рефреном, неоднократно всплывающим на протяжении части, в которой нежная лирика сочетается с торжественностью и трепетным ожиданием. Солирующее сопрано интонирует широкую, плавную, по-рахманиновски щедрую мелодию. Это - лирический центр произведения.
3-я часть (Presto) аналогична симфоническому скерцо, насыщенному трагизмом. Если в 1-й части слышался звон серебристый, а во 2-й - золотой, то здесь господствует «медный» звон тревожного набата, зловещий гул, возникает образ разбушевавшегося, всё поглощающего пламени («А меж тем огонь безумный»). Это торжество злых сил, апокалиптическая картина всеобщей катастрофы.
4-я часть (Lento lugubre) - финал - скорбный эпилог жизненного пути. Монотонно гудит погребальный колокол. «Надгробному слову» солиста-баритона краткими псалмодическими фразами вторит хор. Солирует английский рожок, звучит хорал из «Пиковой дамы» Чайковского. Постепенно всё более драматизируется монолог баритона, прерывающийся рыданиями. Средний раздел насыщен ужасом. Кажется, кто-то чёрный всё сильнее раскачивает погребальный колокол. Слышится насмешка надо всем, что было дорого - искажённо, изломанно звучит архаичная мелодия первой части, образ волшебного сна подвергается надругательству. Кода поэмы умиротворена. Выразительная мелодия струнных словно возносится ввысь.
Сам композитор считал эту симфонию самым сильным из своих произведений. По своей достоверности в оркестровке колокольного звона «Колокола» стали уникальным явлением в симфонической музыке.
Вопросы и задания:
1. Почему колокольный звон на Руси имел важное значение? Поясни свой ответ.
2. какие чувства выражены в стихотворении А. Толстого "Благовест"?
3. Можно ли говорить об образном соответствии двух произведений - картины Б. Кустодиева "Деревенская ярмарка" и музыкальной поэмы С. Рахманинова "Колокола"?
Мир духовной музыки
Среди вечных тем музыкального искусства есть одна, которую даже трудно назвать «темой», так велико и так всеобъемлюще её значение в музыке различных эпох. Она связана с той частью человеческого существа, которая во все века стремилась к свету и истине, к высшему, нетленному, одухотворяющему всё лучшее, что есть в мире: красоту природы, великое искусство, добрые дела.
«Каждый человек, - писал священник Александр Мень, - даже если он не знает о Боге или отрицает Его – в глубине души тянется к чему-то прекрасному, совершенному, что даёт смысл жизни, перед чем можно преклоняться. Как свойственно людям дышать, мыслить, чувствовать, так свойственно им и верить в идеал. Убеждение в том, что есть нечто высшее, даёт нам силы существовать».
Слушание. Д. Бортнянский. Тебе поём (из Трёхголосной литургии) в исп. Детского хора «Весна»
Около двух лет писал Васнецов образ Богоматери. Когда леса были убраны и для приёмки работы собралась комиссия, открылся такой вид росписей, что всем стало ясно: в соборе явился образец совершенной живописи.
Особенно потрясала икона Богоматери. Вот она легко и неторопливо идёт навстречу зрителям. Царица Небесная несёт грешному миру своего Сына... Её большие, полные печали и любви карие глаза ласково смотрят на зрителя. Необыкновенно прекрасно её бледное, озарённое внутренним светом лицо. Традиционный образ Богоматери получил под кистью Васнецова оригинальную и своеобразную трактовку. Этот образ с тех пор называют «Васнецовской Богоматерью».
Вопросы и задания:
В чём заключаются главные качества духовной музыки?
Послушайте хоровое произведение М. Глинки «Херувимская песнь». Каков его характер? Благодаря каким средствам музыкальной выразительности создаётся особое ощущение гармонии?
За счёт чего в музыке хора достигается постоянная устремлённость ввысь, к свету?
Стихия свои хлопья разбросала
И захватила всё пространство в плен,
Лишь в окнах светом жизнь ещё мерцала
И ожидала лучших перемен…
П. Новицкий
В русском искусстве трактовка темы судьбы, так же, как и многих других тем, восходит к творчеству Пушкина. Не случайно широко известен афоризм: «Пушкин - это наше всё». Судьба как предопределённость, данная свыше, перед которой должно проявить не гордыню, но смирение – мотив многих и многих пушкинских произведений. Сила судьбы настолько велика, что человеку не удаётся её обмануть, даже если он решается на такой шаг. Вспомните повесть А. Пушкина «Метель», в которой стихия, ворвавшаяся в жизнь героев, навсегда разлучает их. Но эта стихия, в конце концов, оказывается и спасительной: избавив Машу от почти наверняка несчастливого брака, она вознаграждает её счастливой взаимной любовью.
Метель, застигающая героев, путающая их планы, уводящая в сторону от первоначальных замыслов, становится метафорой того пути, по которому человек век от века блуждает в неизвестности. Вчитайтесь в знакомые с детства пушкинские стихотворения «Зимняя дорога» и «Бесы», повести «Метель» и «Капитанская дочка»... Как узнаваем в них зимний русский пейзаж со снежной равниной, с непередаваемым завыванием ночной вьюги!
«…едва Владимир выехал за околицу в поле, как поднялся ветер и сделалась такая метель, что он ничего не взвидел. В одну минуту дорогу занесло; окрестность исчезла во мгле мутной и желтоватой, сквозь которую летели белые хлопья снегу; небо слилося с землёю. Владимир очутился в поле и напрасно хотел снова попасть на дорогу; лошадь ступала наудачу и поминутно то взъезжала на сугроб, то проваливалась в яму; сани поминутно опрокидывались… Метель не утихала, небо не прояснялось…»
Возможно, образы метели, бескрайней равнины потому так часты в русском искусстве, что именно в них выражена непостижимая тайна русской земли, души России. Ведь не случайно поэты разных поколений снова и снова обращались к этим образам, к их древней страшной стихии.
Ты стоишь пред метелицей дикой
Роковая, родная страна.
Так писал А. Блок о России уже в ХХ веке. И эта «метелица дикая», снежная вьюга кружит и кружит над бесконечными русскими просторами, увлекая за собой в вечное странствие и людские судьбы.
Наверное, поэтому непременным спутником образов метели, вьюги является дорога: во многих произведениях именно в пургу герои оказываются в чистом поле, посреди бушующей снежной стихии. (Как редки в русской литературе описания снежной бури, наблюдаемые из уютного дома, за плотно закрытым окном!)
Удивительно узнаваем и образ тройки лошадей (гоголевской птицы-тройки), казалось бы, навсегда ушедший из нашей жизни вместе со всем укладом прошлого. Однако мотив зимней дороги и бегущей тройки с бубенцами снова и снова возрождается в русском искусстве, как будто и в этом беге, в звенящих бубенцах заключена непостижимая загадка судьбы, неудержимо влекущей нас по ведомому только ей пути.
В 1964 году на экраны страны вышел фильм Владимира Басова «Метель» по мотивам одноименной повести А. С. Пушкина из цикла «Повести Белкина». Музыку к этому фильму, ставшую поистине народной, написал русский композитор Георгий Васильевич Свиридов, чьё творчество неразрывно связано с поэзией Пушкина, Лермонтова, Блока, Есенина.
Впервые к стихам А. С. Пушкина молодой композитор обратился в 1935 году, создав цикл из шести романсов. Этими произведениями он на многие годы открыл главную тему своего творчества – тему поэта, его высокого предназначения и его судьбы, тесно связанной с судьбой народа.
Произведения, написанные Г. В. Свиридовым к фильму и названные композитором «Музыкальная иллюстрация», очень точно передают дух эпохи, стиль пушкинской повести, её простоту, романтизм и таинственность. Основные темы музыкальной иллюстрации, - «Вальс», «Романс», «Тройка», удивительно мелодичны, они легки, воздушны, акварельны. Эти прекрасные мелодии, услышанные однажды, запоминаются на всю жизнь!
Георгий Васильевич Свиридов родился в 1915 году, в городе Фатеж, Курской губернии. После окончания в 1929 году Курской музыкальной школы, по совету своего учителя, он поступил сначала в Ленинградский музыкальный техникум, а затем в консерваторию, где учился у Дмитрия Шостаковича. За годы творчества композитор написал много прекрасных произведений – симфонии, концерты, оратории, кантаты, песни, романсы.
Композитор писал свою музыку о самом важном, что происходит в природе, жизни, душе человека. В его искусстве есть что-то космически крупное. Отсюда медленные темпы его произведений, торжественные звучности. Каждая нота в его творениях подчёркнута и весома. Суетность, торопливость ему совершенно чужды. Его герои духовно красивы - он воспевает труд, любовь, верность. Его музыка как бы устремлена ввысь - композитор хочет помочь человеку стать лучше.
Главный образ творчества композитора - вдохновенный образ Отечества, родной земли, народа, человека с его богатым, сложным поэтическим духовным миром, нравственной чистотой, любовью к Родине.
Послушайте фрагмент из оркестровой сюиты Г. Свиридова «Метель» (по повести А. Пушкина), первая часть которого – «Тройка» - воссоздаёт именно образ снежной дороги.
Что слышится вам в музыке сюиты? И какова она по своему характеру - музыкальная ли иллюстрация, как определял её сам композитор, или высокое обобщение тех чувств, какие пробуждает в каждом человеке этот старинный, неизбывный звон?
Конечно, никакие, даже самые глубокие, трактовки тем и образов не остаются в искусстве неизменными. Приходят новые времена, принося с собой иные обычаи и иной язык. Приходит и новое понимание многих художественных приёмов: ведь современный автор уже не может, подобно Пушкину, напрямую обращаться к силам стихии как к символам человеческой жизни и судьбы. Усложняется образный строй искусства, иными становятся его композиционная техника и язык.
Однако, несмотря на все усложнения, в лучших своих образцах искусство снова возвращается к вечным темам, таким возвышенным и таким ясным одновременно. И снова звучат в нём мотивы пути и дороги, эти бессмертные знаки непрекращающегося нашего движения.
Всё облака над ней, всё облака...
В пыли веков мгновенны и незримы,
Идут по ней, как прежде, пилигримы,
И машет им прощальная рука...
Навстречу им июльские деньки
Идут в нетленной синенькой рубашке,
По сторонам - качаются ромашки,
И зной звенит во все свои звонки,
И в тень зовут росистые леса...
Как царь любил богатые чертоги,
Так полюбил я древние дороги
И голубые вечности глаза!
То полусгнивший встретится овин,
То хуторок с позеленевшей крышей,
Где дремлет пыль, и обитают мыши
Да нелюдимый филин-властелин.
То по холмам, как три богатыря,
Ещё порой проскачут верховые,
И снова - глушь, забывчивость, заря,
Всё пыль, всё пыль да знаки верстовые...
Здесь каждый славен - мёртвый и живой!
И оттого, в любви своей не каясь,
Душа, как лист, звенит, перекликаясь
Со всей звенящей солнечной листвой,
Перекликаясь с теми, кто прошёл,
Перекликаясь с теми, кто проходит...
Здесь русский дух в веках произошёл,
И ничего на ней не происходит.
Но этот дух пройдёт через века!
И пусть травой покроется дорога,
И пусть над ней, печальные немного,
Плывут, плывут, как мысли, облака...
Наверное, такие переклички (с листвой, с солнечным светом, со всем сияющим океаном жизни) составляют высший смысл искусства, чьё изначальное предназначение – воспевать красоту мира и хранить память об ушедшем.
И в самых глубоких, самых философских музыкальных произведениях этот смысл является снова и снова, подтверждая вечность всего, чем всегда жил и будет жить человек: его любви, его пути, его судьбы.
Вопросы и задания:
Почему в русском искусстве так часто переплетаются мотивы вьюги, метели, дороги? Назовите известные вам произведения литературы, живописи, музыки, которые связаны с этими образами. При подготовке ответа на вопрос можно использовать ресурсы сети Интернет.
Как вы считаете, образ тройки из оркестровой сюиты «Метель» Г. Свиридова имеет исключительно иллюстративный смысл или в нём угадывается нечто большее? Объясните ваш ответ.
Можно ли сравнить стихотворение Н. Рубцова «Старая дорога» со стихотворением А. К, Толстого «Благословляю вас, леса…»? Попробуйте объяснить то общее, что есть между ними.
Подвиг во имя свободы. Л.Бетховен Увертюра "Эгмонт"
«Лишь тот достоин счастья и свободы,
Кто каждый день за них идёт на бой…»
И. В. Гёте
Судьба, подобно другим вечным темам искусства, по-разному воплощалась в выдающихся произведениях. Невозможность принять её жестокие условия породила глубоко трагические сюжеты, где соседствуют любовь как стремление к свободе и смерть как расплата за это стремление.
Но в искусстве представлены и другие способы противостояния судьбе. Вспомним, например, Людвига ван Бетховена, чья музыка явилась выражением могучей силы его личности. Много жизненных испытаний выпало на долю этого великого музыканта, всё творчество которого – потрясающая по мужеству летопись борьбы и противостояния злой воле обстоятельств. Да и каждое отдельное произведение этого великого композитора является свидетельством стойкости духа перед невзгодами жизни.
С именем немецкого композитора Людвига ван Бетховена связано рождение нового симфонического жанра – программной увертюры. Увертюра – это музыка, которая открывает оперу, драматический спектакль, кинофильм. Созданные как музыкальные вступления к театральным спектаклям, увертюры Бетховена обрели жизнь самостоятельных симфонических произведений.
Именно Бетховен доказал возможность существования одночастного оркестрового сочинения, способного по глубине идеи, по насыщенности содержания соперничать с многочастной симфонией. Бетховенские увертюры представляют собой лаконичные инструментальные драмы, «маленькие трагедии».
Во всём мире хорошо известна увертюра Бетховена к трагедии Гёте «Эгмонт».
Иоганн Вольфганг фон Гёте
Темой трагедии послужила борьба народа Нидерландов (современной Голландии) за независимость против испанского владычества в XVI веке.
Граф Эгмонт возглавил восстание, которое было жестоко подавлено испанским правителем герцогом Альбой, а Эгмонт был брошен в тюрьму и приговорён к смерти.
Его возлюбленная Клерхен, девушка из народа, призывает горожан к восстанию. Отчаявшись спасти Эгмонта, она погибает.
Увертюра усиливает драматическое состояние, переданное в произведении Гёте. Пожалуй, наиболее точно музыка отражает последние слова Эгмонта перед казнью:
«О храбрый мой народ! Богиня победы летит впереди! Как море, что твои плотины сокрушает, круши и ты тиранов злобных крепость! Топите их, гоните вон с несправедливо захваченной земли!
Чу! Слышишь? Как часто эти звуки призывали меня на поле битвы и побед. Как бодро ступали мои соратники по стезе опасной доблести! Теперь и я выхожу из темницы навстречу почётной смерти. Я умираю за свободу. Для неё я жил, за неё боролся, и ей в страданьях я приношу себя в жертву».
Увертюра «Эгмонт» Бетховена сочинена в сонатной форме, развитие музыки в которой близко развитию действия в драматическом спектакле.
Монолитность формы в увертюре «Эгмонт» сочетается с ясным ощущением отдельных разделов, которые можно уподобить отдельным актам драмы.
I - Медленное вступление - завязка драмы.
II - Быстрая часть - активное драматическое действие, завершающееся трагической кульминацией.
III - Кода - триумф, торжество победы.
Открывается увертюра зловеще-торжественным вступлением. В основе первой темы – ритм старинного испанского танца сарабанды. Мощная, суровая, гнетущая «поступь» аккордов струнных инструментов воплощает идею власти. Создаёт образ жестоких завоевателей.
Контрастом к первой теме вступления звучит одинокая мелодия деревянных духовых инструментов, которая напоминает плач, стенания.
Из второй темы вступления постепенно рождается страстная тема борьбы, героического порыва. С это темы начинается экспозиция увертюры.
Во второй теме экспозиции чередуются интонации обеих тем: ритм сарабанды, сохраняющий своё зловещее звучание, и интонации вздоха, горя, народного страдания. Этот острый конфликт лежит в основе симфонического развития увертюры.
Две темы экспозиции рисуют главные образы трагедии. К чему приведёт их взаимодействие, можно узнать из следующего раздела увертюры – разработки.
Борьба обостряется: многократное повторение начала главной партии каждый раз завершается двумя отрывистыми и резкими аккордами - как будто на робкие просьбы следует неумолимый и жестокий ответ. В конце репризы тема сарабанды (испанских поработителей) звучит особенно непреклонно, а тема народа - особенно умоляюще (повторяющаяся интонация из двух ниспадающих звуков). И неожиданный обрыв (контраст динамики, остановка движения, медленно тянущиеся, застывшие аккорды) как бы возвещает о гибели героя.
Развитие музыки приводит к трагическому перелому – гибели героя и вслед за этим – к напряжённому бурному нарастанию, завершающемуся мощным взрывом радостного ликования.
Яркая, мажорная, огненная, торжественная музыка коды звучит как «победная симфония», прославляющая героизм и самопожертвование во имя свободы. Так Бетховен прочёл сюжет трагедии: через смерть героя – к вольности, к свободе народа.
Послушайте симфоническую увертюру Бетховена «Эгмонт» и попробуйте определить многогранное образное содержание этого выдающегося произведения.
Интересные факты:
- Во время первых недель нападения Наполеона на Австрию было решено поставить драму Гёте «Эгмонт» на театральных сценах. В качестве композитора выбор пал на Бетховена. Чтобы выразить собственное уважение к творчеству Гёте, композитор отказался от обещанного гонорара, в итоге дирекция театра очень быстро согласилась на великодушие Людвига и не заплатила ему ни цента. Впоследствии Бетховен жаловался своему другу, что дирекция, как всегда, пренебрегла его музыкой, ни разу даже не появившись на спектакле.
- Главный герой произведения Гёте существовал на самом деле. В отличие от литературного персонажа реальное лицо было не способно на совершение подвигов касающихся защиты Родины, поэтому настоящий Эгмонт с легкостью встал на сторону испанского короля. Он уехал на сторону противника, бросив жену с одиннадцатью детьми. Наказание настигло его в самый неподходящий момент, он был казнен на испанской площади.
- Момент написания сочинения приходился на войну Австрии с Францией. Тогда армия Наполеона вела активные боевые действия. Все близкие и родные Людвига имели счастье покинуть страну, сменив ее на более безопасные. Бетховен же, имевший небольшие материальные средства, был вынужден остаться в воинствующей Вене. Стоит при этом отметить, что ранее восхищенный личностью Наполеона (до этого композитор посвятил ему «Героическую» симфонию»), Людвиг не очень был обрадован происходящими действиями. Предложение его друга из Франции переехать в Париж, где его примут должным образом и представят императору как мастера музыкального ремесла, не впечатлило Бетховена, и он остался в своем небольшом домике в Вене.
- Гёте уважал Бетховена и они были знакомы лично. Когда писателя спрашивали об отношении к композитору, то Гёте отвечал, что никогда не встречал более экспрессивного и погруженного в музыку творца, но к превеликому сожалению этот человек обладает слишком тяжелым характером.
- Бетховен был высокообразованным человеком, увлекался современной литературой, и поэтому отлично знал творчество Гёте. Так, еще задолго до написания музыки к данному спектаклю, он сочинил знаменитые песни «Сурок», «Песню о блохе» и «Песню Миньоны» на слова великого писателя.
- Популярность увертюры была настолько огромна, что произведение публиковалось в печатных изданиях, в переложениях для самых разнообразных составов оркестра или инструментов: от фортепианных клавиров до партитур масштабных оркестровых военных коллективов.
- Увертюра сочинялась в последнюю очередь. К премьере Бетховен не успел дописать произведение, поэтому она прошла без музыкального сопровождения. Лишь на четвертом показе театрального представления музыка зазвучала в полную силу.
- Сегодня увертюра «Эгмонт» является отдельно исполняемым симфоническим произведением, но во времена Бетховена она открывала одноименную театральную постановку. Примечательно, что автор сочинил также несколько других менее известных произведений к представлению, а именно четыре антракта для оркестра, песни Клерхен, эпизоды, связанные с трагической смертью главных героев, а также «Победную симфонию». Всего было написано десять номеров, включая увертюру.
- Работа над произведением осложнялась многими факторами связанными с военными действиями, проводившимися в Австрии. Так, например, из-за постоянных взрывов композитору приходилось постоянно закрывать уши подушками. В те времена он уже начал терять слух и боли от разорвавшихся боеприпасов были невыносимыми.
- Первая постановка прошла в 1810 году. Это время было знаковым с точки зрения истории Австрии. Захват армией Наполеона Вены, тяжелое положение австрийского народа, унизительный мир – все эти факторы не могли не отразиться в искусстве. Так, все зрители рассматривали театральное представление уже не с художественной точки зрения, а с политической стороны.
Вопросы и задания:
1. Какие важные свойства личности Л. Бетховена воплощены в музыке увертюры «Эгмонт»?
2. Почему замысел увертюры композитор воплотил в сонатной форме?
3. Какова роль музыкального вступления? Что выражает заключительный раздел – кода?
4. Образу какого раздела увертюры в большей степени соответствует образ картины Л. Галле «Последние минуты графа Эгмонта»?
2 четверть.
Урок 7
В крови горит огонь желанья
«Великолепное воплощение единства двух величайших гениев русской культуры
представляют собой романсы Глинки на слова пушкинских стихов…»
М. Поляновский
Стихи Пушкина. Кто не восхищался ими? Совершенно особое ощущение вызывает их красота, их певучесть, присущая им поэтичность, одухотворённость. Соприкосновение с ними оставляет ощущение чего-то прекрасного, гармоничного.
Сколько раз поэзия Пушкина привлекала и продолжает привлекать композиторов! Сколько сочинений возникло в вязи с ней! Известно около 70 романсов и песен, написанных на тексты поэта при его жизни. А сколько из них сочинено потом? К этому надо добавить произведения других жанров.
Многие крупные композиторы, вдохновлённые бессмертными стихами Пушкина, сами создали бессмертные произведения. Среди этих композиторов почётное место принадлежит Глинке.
Поэт и композитор были знакомы и встречались лично, но близость их творчества была рождена не биографическими моментами, а внутренним родством художественных натур. Дети сложного, насыщенного тревогами времени, они оба умели и в гуле исторических потрясений, и в шуме повседневной суеты расслышать гармонию и передать её в своём творчестве.
К жанру романса Глинка обращался на протяжении всей своей жизни. Этот жанр стал своеобразным лирическим дневником, в который композитор записывал не только свои многообразные чувства, но и очень широкий круг жизненных явлений. В его романсах мы находим и сцены из жизни, тонкие музыкальные пейзажи, портреты окружавших его людей, картины далёких времён и стран.
Один из его романсов, «В крови горит огонь желанья», родился буквально на ходу. Глинка проводил вечер у своих друзей - семьи Панаевых. Отец семейства по доброй традиции декламировал стихи, среди которых было и это произведение Пушкина. Глинка задумчиво расхаживал по комнате, слушая друга. Окружающие даже не заметили, как он уселся за рояль и стал что-то напевать. Неожиданно композитор крикнул: «Панаев, замолчи!» - и зазвучала музыка.
Глинка увлекался и вокалом, у него был хороший голос, и он часто исполнял свои романсы к великому удовольствию друзей. Будучи в Италии, он изучал итальянскую школу пения - бельканто.
«Глинка обожал распевать свои романсы (среди которых немало подлинных шедевров), садясь за фортепиано где-то после двух ночи на сборищах в доме Кукольника, где композитор проводил дни и ночи в компании художника Брюллова и прочей богемной братии. Это все были люди талантливые, иногда в высшей степени, но до глинкинского гения им было далеко. Они это понимали и окружали композитора искренним обожанием. Здесь Глинка спасался от невыносимых проблем своего распадавшегося брака с женщиной, которая попрекала композитора тем, что он тратит слишком много денег на нотную бумагу». Цитата из С. Волкова.
В произведениях искусства любовь далеко не всегда является в своём страдающем обличье, знает она и минуты воодушевления, страстного порыва.
В крови горит огонь желанья,
Душа тобой уязвлена,
Лобзай меня: твои лобзанья
Мне слаще мирра и вина.
Склонись ко мне главою нежной,
И да почию безмятежный,
Пока дохнёт весёлый день
И двинется ночная тень.
М.Глинка романс "В крови горит огонь желанья..."
И это - тоже Пушкин, но Пушкин совсем другой, предстающий как певец страстной влюблённости, романтического восторга. Стихотворение «В крови горит огонь желанья...», положенное на музыку М. Глинкой, обнаружило в музыкальной трактовке именно эту, приподнято-романтическую свою грань. В музыке особенно подчеркнут момент воодушевления, радостного волнения, каким охвачен влюблённый на заре своего расцветающего чувства.
Два образа любви, данных Пушкиным и так по-разному воплощённых в музыкальных звуках. Оба эти образа по-своему прекрасны, и, наверное, не случайно, что к стихотворению «В крови горит огонь желанья...» обратился именно Глинка, чья музыка, особенно вокальная, так часто отмечена светлым обаянием и теплотой, а к «Евгению Онегину» - Чайковский с его непревзойдённым талантом музыкально-психологических портретов, порой глубоких и остродраматических.
И ещё один момент обращает на себя внимание при сравнении этих двух превосходных музыкальных произведений. Образ, воплощённый в романсе Глинки, как будто раскрыт целиком, прояснён, не нуждается в дальнейшем «достраивании».
Образ же, предстающий в Сцене письма Татьяны, сложен и многогранен; в нём сталкиваются и светлые надежды, и скорбные предчувствия, вся радость и боль истинной любви.
П.Чайковский Сцена письма из оперы "Евгений Онегин"
Чувство счастливой любви бесконечно прекрасно, и в высшие свои минуты оно даёт ощущение чистой и полной радости, так редко освещающей нашу жизнь. Но это именно «минуты», мгновения, которые обычно и бывают запечатлены в небольших музыкальных высказываниях, которые как будто торопятся завершиться, пока им не пришлось сообщить нам о чем-то другом. Ибо это «другое» неизбежно: ведь даже счастливая любовь знает испытания, горести, сомнения и тяжёлые потери.
Не потому ли нам и сейчас так близка судьба Татьяны, что она не исчерпана, не досказана до конца, не осмыслена во всём своём значении? Великий женский образ, перевернувший традиционные представления о женском предназначении и одновременно утверждающий святость традиций, святость верности этим традициям. Деревенская барышня первой половины XIX века, предопределившая судьбу великой поэтессы века двадцатого, Марины Цветаевой, признающейся в этом смело, открыто и почтительно ...
Вы, идущие мимо меня
К не моим и сомнительным чарам, -
Если б знали вы, сколько огня,
Сколько жизни, растраченной даром,
И какой героический пыл
На случайную тень и на шорох ...
И как сердце мне испепелил
Этот даром растраченный порох.
О, летящие в ночь поезда,
Уносящие сон на вокзале ...
Впрочем, знаю я, что и тогда
Не узнали бы вы - если б знали -
Почему мои речи резки…
…Сколько тёмной и грозной тоски
В голове моей светловолосой.
(М. Цветаева. Вы, идущие мимо меня...)
Вопросы и задания:
Сравните содержание двух рассмотренных произведений – романса М. Глинки и фрагмента оперы П. Чайковского. Объясните, что их объединяет. Какие особенности образа делают их непохожими друг на друга?
Созвучен ли образ стихотворения М. Цветаевой, приведённого выше, характеру пушкинской Татьяны? А Татьяны Чайковского? Поясните свой ответ.
У кого есть долги, выполняем и присылаем предыдущие задания.
урок 6
Тема любви в музыке П.Чайковского "Евгений Онегин"
Пушкин и музыка… Эти слова кажутся неразделимыми. Сам поэт не был музыкально одарен, но очень любил музыку. Ему нравились и народные песни, и цыганские романсы. Музыка часто звучит в его произведениях. А многие стихи настолько благозвучны, задушевны, что были положены на музыку и исполнялись и аристократических салонах, и в провинциальных гостиных. И это не случайно. С. В. Рахманинов говорил: «Поэзия вдохновляет музыку, ибо в самой поэзии много музыки. Они как сестры-близнецы». Ему созвучны слова П.И.Чайковского: «Пушкин силою гениального таланта очень часто вырывается из тесных сфер стихотворчества в бесконечную область музыки».
Впервые на сцене оперного театра пушкинское произведение появилось в 1842 г. Это была опера М.И. Глинки «Руслан и Людмила».
Начиная с середины XIX века, к Пушкину обращаются лучшие композиторы России. Тогда для этого требовалась смелость. В эти годы пушкинские произведения легли в основу новой русской оперы, где стали важны и музыка, и поэтическое слово. Пять выдающихся русских композиторов XIX в., классиков музыкального театра, соединили поэзию Пушкина и музыку. Среди них был и П.И. Чайковский.
Знаменитого композитора привлекала и волновала поэзия Пушкина. На пушкинские стихи Чайковский написал ряд романсов, по мотивам произведения поэта создал лучшие свои оперы: «Евгений Онегин» и «Пиковая Дама», которые знают и любят во всем мире.
Роман «Евгений Онегин» был назван критикой энциклопедией русской жизни. Чайковский не ставил перед собой столь грандиозной задачи. Его «Онегин» написан в жанре «лирических сцен».
С «Евгением Онегиным» в русскую музыку входит новый тип оперы. Чайковский назвал её «лирическими сценами». Уже сам подзаголовок определяет особую настроенность произведения, в котором преобладает лирическое чувство. В основу либретто легли отдельные главы пушкинского романа в стихах. И потому в опере прослеживаются лишь основные сюжетные линии, посвящённые главным героям – Татьяне, Онегину, Ленскому и их ближайшему окружению.
В увертюре к опере звучит музыкальная характеристика Татьяны. Это центральный в опере образ. Чайковский любил Татьяну больше других пушкинских героев. «Я с самых ранних лет моих всегда бывал потрясён до глубины души глубокою поэтичностью Татьяны. Если моя музыка заключает в себе хоть десятую долю той красоты, которая в самом сюжете, то я очень горжусь и доволен этим», – признавался композитор.
П.Чайковский Сцена письма из оперы "Евгений Онегин" ссылка
Учитель музыки: Какой вы представили Татьяну, слушая музыку Чайковского? Что в её характере подчёркивает автор? (Музыка грустная, неторопливая, есть остановки. Чайковский рисует робкую, задумчивую, печальную Татьяну).
Задание
1. Послушайте Сцену письма из оперы П.Чайковского из оперы "Евгений Онегин"
Задание присылать не нужно.
У кого есть долги, выполняем и присылаем предыдущие задания.
Урок 5
«Музыка в себе – это страсть и тайна.
Слова говорят о человеческом;
в музыке выражается то, что никто не знает, никто не может разъяснить,
но что в большей или меньшей степени есть в каждом…»
Ф. Гарсиа Лорка (испанский поэт, драматург, известный также как музыкант и художник-график)
Совсем не жалкими предстают в искусстве такие вечные источники страданий, как одиночество или неразделённая любовь, напротив: они исполнены своеобразного величия, ведь именно они раскрывают подлинное достоинство души.
Бетховен, отвергнутый Джульеттой Гвиччарди, пишет «Лунную» сонату, даже сумраком своим озаряющую вершины мирового музыкального искусства. Что такого в этой музыке, что притягивает к ней новые и новые поколения? Какая бессмертная песнь звучит в «Лунной» сонате, торжествуя над всеми сословиями мира, над суетой и заблуждениями, над самой судьбой?
Богатство вместе с властью вольно бродят,
Вступая в океан добра и зла,
Когда они из наших рук уходят;
Любовь же, пусть неправильной была,
Бессмертная, в бессмертии пребудет,
Всё превзойдёт, что было - или будет.
(П. Б. Шелли. Любовь бессмертная)
«Лунная» соната принадлежит к числу наиболее популярных произведений великого композитора и является одним из замечательнейших произведений мировой фортепианной музыки. Своей вполне заслуженной славой «Лунная» обязана не только глубине чувств и редкой красоте музыки, но и её поразительной цельности, благодаря которой все три части сонаты воспринимаются как нечто единое, неразрывное. Вся соната - нарастание страстного чувства, доходящего до настоящей душевной бури.
Соната № 14 до-диез минор стала знаменитой ещё при жизни Бетховена. Название «Лунная» она получила с лёгкой руки поэта Людвига Рельштаба. В новелле «Теодор» Рельштаб описывал ночь на Фирвальдштетском озере в Швейцарии: «Гладь озера освещена мерцающим сиянием луны; волна глухо ударяет о тёмный берег; покрытые лесом мрачные горы отделяют от мира это священное место; лебеди, подобно духам, проплывают с шелестящим плеском, и со стороны руин раздаются таинственные звуки эоловой арфы, жалобно поющей о страстной и неразделённой любви».
Читатели легко связали этот романтический пейзаж с давно уже завоевавшей популярность I частью бетховенской сонаты, тем более что на слух музыкантов и публики 1820–30-х годов все эти ассоциации выглядели совершенно естественными.
Рельштаб уловил лишь внешнюю сторону этого гениального творения Бетховена. На самом деле за картинами природы раскрывается личный мир человека - от сосредоточенного, спокойного созерцания до крайнего отчаяния.
Как раз в это время Бетховен почувствовал, что впервые в жизни к нему пришла настоящая любовь. О своей очаровательной ученице, юной графине Джульетте Гвиччарди он стал думать, как о своей будущей жене. «...Она меня любит, и я её люблю. Это - первые светлые минуты за последние два года», - писал Бетховен.
А она? Она, воспитанная в аристократической семье, свысока смотрела на своего учителя - пусть знаменитого, но незнатного происхождения.
«К несчастью, она принадлежит к другому сословию», - признавался Бетховен, понимая, какая пропасть лежит между ним и его возлюбленной. Но Джульетта и не могла понять своего гениального учителя, она была для этого слишком легкомысленна и поверхностна. Она нанесла Бетховену двойной удар: отвернулась от него и вышла замуж за Роберта Галленберга - бездарного сочинителя музыки, зато графа...
Бетховен был великим музыкантом и великим человеком. Человеком титанической воли, могучего духа, человеком высоких помыслов и глубочайших чувств. Как велики должны были быть и его любовь, и его страдания, и его стремление одолеть эти страдания!
«Лунная соната» и была создана в эту трудную пору его жизни. Под настоящим её названием «Sonata quasi una Fantasia», то есть «Соната вроде фантазии», Бетховен написал: «Посвящается графине Джульетте Гвиччарди» ...
Л. Бетховен "Лунная соната" ссылка
«Вслушайтесь теперь в эту музыку! Вслушайтесь в неё не только своим слухом, но и всем своим сердцем! И, может быть, теперь вы услышите в первой части такую безмерную скорбь, какой никогда раньше и не слышали; во второй части - такую светлую и в то же время такую печальную улыбку, какой раньше и не замечали; и, наконец, в финале - такое бурное кипение страстей, такое неимоверное стремление вырваться из оков печали и страданий, какое под силу только подлинному титану. Бетховен, поражённый несчастьем, но не согнувшийся под его тяжестью, и был таким титаном». Д. Кабалевский.
Любовь бессмертная: пусть она редкая гостья в мире, но всё же она есть, пока звучат произведения, подобные «Лунной» сонате. Не в этом ли заключено высокое этическое (этический – нравственный, благородный) значение искусства, способного воспитывать человеческие чувства, призывать людей к добру и милосердию друг с другом?
Подумайте, как тонок и нежен внутренний мир человека, как легко его ранить, уязвить, иногда на долгие годы. Мы всё больше осознаем необходимость защиты окружающей среды, экологии природы, но по-прежнему слепы в отношении «экологии» человеческой души. А ведь это самый динамичный и подвижный мир, который порой заявляет о себе тогда, когда ничего уже нельзя поправить.
Вопросы и задания:
1. Какая «бессмертная песнь» звучит в «Лунной» сонате Л. Бетховена? Поясните ответ.
2. Послушайте "Лунную сонату" Л. Бетховена. Сделайте анализ произведения.
Урок 4
Слёзы людские, о слёзы людские
Что музыка? Она одна
Нас утешает бесконечно,
Так сладостна, так гармонична…
В ней наша видится судьба.
И, муки наши отражая,
Она нам всё же обещает
Слияние с законом вечным
И с поколений чередой,
И укрощает нашу боль…
О. Поленц
Как бы ни были разнообразны оттенки радости, передаваемые музыкой, всё же подлинное своё величие она обретает в воплощении образов объёмных, сложных, глубоких.
Почему это так?
Настроения незамутнённой радости редко посещают наш мир: наверное, по-настоящему они знакомы только детям. Любая другая радость достаётся нам чаще всего в награду за усилия, за преодоление невзгод...
Так происходит в жизни, так происходит и в музыке. Радость в музыке «солнечного» Моцарта, открывшего нам трагические глубины «Дон Жуана», Реквиема, сегодня является нам как отблеск души великого человека, - души, и поныне несущей свой лучезарный свет. Радость в финале последней, Девятой симфонии Бетховена звучит как выстраданная награда за нелёгкий, полный мучительной борьбы путь его музыки...
И всякий раз, когда великая музыка пронзает нас своей ослепительной радостью, мы знаем, что долог путь восхождения к этим сияющим высотам - независимо от того, кто был её создателем. Ибо в настоящей музыке выражена вся глубина мира с его неизбывными печалями, вечными, как сам мир, и такими же вечными его радостями.
Образы скорби и печали в музыке присутствовали всегда. Есть бесконечно грустные народные песни, свидетельствующие, что даже в далёкие и кажущиеся нам благословенными времена «детства человечества» люди уже знали и горечь разлук, и тоску одиночества. И даже в самой настоящей детской музыке, то есть музыке, созданной специально для детей, немало грустных и даже трагических страниц.
Вспомните «Первую утрату» Р. Шумана из его фортепианного цикла «Альбом для юношества».
Если бы мы слушали эту пьесу саму по себе, мы сказали бы о грустной мелодии, об интонации, в которой можно различить и жалобу, и упрёк, и безутешность. Но если вспомнить содержание нашей беседы, то, наверное, смысл «Первой утраты» станет более глубоким и значительным.
Теперь это не просто жалоба ребёнка, - теперь это становится чем-то большим, каким-то новым знанием о мире. Это знание угадывается уже в самом названии – «Первая утрата», говорящем о неизбежности всех последующих утрат.
Так маленькая детская пьеса становится для нас открытием закона жизни, которому подчиняется всё грустное в мире: и облетающие осенние листья, и горькие человеческие потери.
И хоть это грустный закон, в нём есть и светлая сторона. Ведь когда-то снова наступит весна, на деревьях появятся молодые листья… Так и человеческая жизнь – потери в ней сменяются радостями, новыми надеждами и ожиданиями.
Цикл Роберта Шумана «Альбом для юношества» написан в 1838 г. Этот цикл - одно из лучших фортепианных произведений композитора. Миниатюры, входящие в цикл, - музыкальные рассказы с незамысловатым сюжетом, здесь важнее настроение, эмоции. По словам самого автора, этот цикл - «отражение прошлого глазами старшего и для старших».
Мы видим, что грустные настроения совсем не редкость в музыкальном искусстве, что они звучали в музыке всех времён, выражая одно из коренных свойств человеческой природы.
Слёзы людские, о слёзы людские,
Льётесь вы ранней и поздней порой...
Льётесь безвестные, льётесь незримые,
Неистощимые, неисчислимые,
Льётесь, как льются струи дождевые
В осень глухую, порою ночной.
Ф. Тютчев.
«Слёзы людские, о слёзы людские…»: в этом стихотворении Ф. Тютчева говорится о вечности и неизбывности человеческой печали, не различающей возрастов, безмерной, знакомой и привычной каждому. Но вот обратите внимание на два определения: «льётесь безвестные, льётесь незримые». Безвестные, незримые - значит, тщательно скрываемые, тайные, сокровенные, не ведомые никому. Как может жить человек наедине с этой тяжёлой ношей горестей, утрат, сожалений? Не всегда жизнь дарит нам возможность открыться, возможность быть понятым...
Вопросы и задания:
1. Прослушайте произведение Шумана "Первая утрата". Сделайте анализ произведеня.
2. Выучите песню "Под Новый год"
Песня "Под Новый год" минус ссылка
"Под Новый год" ссылка
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
Урок 3
Мелодией одной звучат печаль и радость
И тогда приходит музыка с её ласковым и деликатным прикосновением, музыка утешающая, примиряющая. Конечно, музыка не в силах избавить нас от наших печалей, но она открывает перед нами бесконечный мир других печалей, таких же безвестных и незримых, как и наши собственные.
Вспомним известное произведение Р. Шумана «Грёзы». Эта музыка часто звучит в концертах; её исполняют и юные, и прославленные музыканты. Для отечественных слушателей «Грёзы» Р. Шумана имеют особое значение. Именно это произведение звучит по телевидению 9 мая - в память о погибших в Великой Отечественной войне (1941 – 1945). Приобщение миллионов слушателей к бескрайнему морю страданий, которые для многих людей остаются ещё не отболевшими, не повергает нас в отчаяние, а совсем наоборот – ободряет именно приобщением к этому вечно неиссякаемому потоку. И мы не только начинаем чувствовать, что в своих горестях мы не одиноки, но совсем по-иному оцениваем их: ведь есть что-то высокое и значительное в человеческом страдании, если оно удостоено такого прекрасного выражения.
Р.Шуман Грёзы ссылка
Мечту пронесите через года и жизнью наполните!..
Но о тех, кто уже не придёт никогда, - заклинаю, - помните!
(Р. Рождественский. Реквием)
Стасис Альгирдо Красаускас (1929 - 1977) был одним из самых популярных советских художников.
Темы жизни и смерти, любви и человеческой жертвенности во имя любви, начиная от любви матери к ребёнку и кончая любовью человека к своему Отечеству, к Земле, дающей жизнь и принимающей в своё лоно тех, кто уже исполнил свой жизненный долг, - таков круг сюжетов графики художника.
Вот что написал Стасис Красаускас: «Никогда не позабудет мир подвига Советского Воина. Он сражался, пал и остался с нами, как напоминание о великом нашем долге перед Родиной, Прогрессом, Человеком. Ему, вечно живому, и посвящаю этот свой цикл».
В годы Второй мировой войны он был ещё ребёнком, но величайшая трагедия XX века осталась незаживающей раной, шрамом на его сердце. Всю жизнь он пытался понять причины страшных заблуждений человека, причины жестокости.
В 1975 году Стасис Красаускас создал, пожалуй, самую знаменитую свою серию - цикл эстампов «Вечно живые».
Здесь образы предельно обобщены, приподняты над конкретно-земным их значением, чувствуется безграничная вера в торжество жизни над смертью. Лежащий в земле погибший солдат будто не умер, а уснул. И над ним - тревожные и прекрасные видения - его сны, его земная жизнь, его неосуществлённые мечты... Прекрасные женщины с глубокой печалью и скорбью в глазах, его товарищи-солдаты, с которыми шёл он в бой, чудный конь, оседлать которого он, лежащий, бессилен...
Вопросы и задания:
1. Способна ли грустная музыка приносить утешение? Объясните свой ответ на примере произведения «Грёзы» Р. Шумана.
2. Прослушайте произведение Р.Шумана "Грёзы". Сделайте анализ произведения.
Задание фотографируем и присылаем по электронной почте через эл. дневник или
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
Урок 2
Мелодией одной звучат печаль и радость
Стихия музыки – могучая стихия,
Она чем непонятней, тем сильней.
Глаза мои, бездонные, сухие,
Слезами наполняются при ней.
Она и не видна, и невесома,
И мы её в крови своей несём.
Мелодия всемирная истома,
Как соль в воде, растворена во всём…
Евгений Винокуров
Немало на свете и весёлых мелодий, рождённых в минуты радости или в дни праздников. Даже среди серенад - большей частью грустных и задумчивых – можно найти жизнерадостные и подвижные мелодии, полные очарования и оптимизма (оптимизм – бодрость, жизнерадостность).
Кому не знакома прелестная и грациозная (грациозный – изящный, стройный) «Маленькая ночная серенада» В. А. Моцарта, мелодия которой полна света и обаяния праздничной ночи!
В Вене XVIII века было принято устраивать небольшие ночные концерты под окнами того человека, которого хотели отметить вниманием. Разумеется, смысл музыки, исполнявшейся в его честь, был вовсе не лирическим и не сокровенным, как в любовной серенаде, а скорее забавным и чуть озорным. В таком ночном концерте участвовало несколько человек - ведь радость объединяет людей!
Для исполнения серенады Моцарта требовался струнный оркестр - собрание виртуозных и выразительных инструментов, так волшебно певших в тишине венской ночи.
Мелодия «Маленькой ночной серенады» пленяет тонкостью и изяществом. В её звуках оживает облик старой Вены, необычайно музыкального города, где днём и ночью можно было услышать чудесную музыку. Лёгкость и ловкость изложения подчёркивает, что это не драматическая история, а не более чем беззаботная прелестная музыкальная шутка.
Очарованный светлыми моцартовскими мелодиями, русский певец Ф. Шаляпин так выразил своё отношение к великому венскому классику: «Идёшь в дом, простой, без лишних украшений, уютный, большие окна, море света, кругом зелень, всё приветливо, и тебя встречает радушный хозяин, усаживает тебя, и так хорошо себя чувствуешь, что не хочешь уходить. Это Моцарт».
В этих искренних словах отражена лишь одна сторона музыки Моцарта - та, что связана с самыми светлыми образами и настроениями. Но, пожалуй, во всей многовековой истории музыки не найдёшь композитора, чьи мелодии были бы только радостными и гармоничными.
Обращение к народно-песенной традиции, наиболее полно передающей радостные настроения в музыке, глубоко закономерно. Но не только народная музыка знает эти состояния чистой радости, ничем не замутнённого веселья, когда мир кажется вечно юным, беспечным и лучезарным. Вспомним светлые страницы произведений Баха и Моцарта, Шуберта и Грига... Однако атмосфера радости, присутствующая во многих великих произведениях, редко бывает только безоблачной; скорее, радость присутствует в них как сила, одержавшая верх над тревожным или тёмным началом, над грустью или сомнениями.
Сравните, например, характер частей одного из самых радостных произведений мировой музыкальной культуры, созданного Моцартом (вспомним, что именно этого композитора называли «сыном солнца» за тот необыкновенный свет, что излучает его музыка).
Как и все концерты, Двадцать третий ля мажор для фортепиано с оркестром состоит из трёх частей.
Моцарт Концерт №23, 1 часть фрагмент ссылка
Первые же такты погружают нас в стихию грациозной весёлости, такой своеобразно-неповторимой у Моцарта. Что слышится нам в этой музыке?
Спокойная и светлая радость, выражаемая то в певучей линии мелодии, то в лёгком ощущении танцевальности, такой милой, непринуждённой, такой по-детски чистой...
Жанр инструментального концерта был необычайно востребованным культурой XVIII века. Публика того времени ценила всё театрально-зрелищное, броское, блестящее, а именно эти качества заложены в самой природе концертного жанра: термин «концерт» происходит от латинского concerto - «состязаться». В творчестве Моцарта концерт занимал особое место.
Моцарту было лишь одиннадцать лет, когда он сочинил свой первый концерт для фортепиано с оркестром. Всего его перу принадлежит двадцать семь сочинений в этом жанре.
Моцарт синтезировал искания своих непосредственных предшественников и в своём творчестве довёл жанр концерта до классического совершенства: установил классическую последовательность и значение частей концерта:
I ч. - сонатное allegro с двойной экспозицией. Первая экспозиция - чисто оркестровая, вторая - с участием солиста. В тональном отношении первая, оркестровая экспозиция напоминает, скорее, сонатную репризу, поскольку все темы, в том числе побочная, обычно проходят в ней в главной тональности. Кроме двойной экспозиции в концертной сонатной форме имеется виртуозное соло - каденция. В каденции, когда оркестр замолкал, солист давал полную волю своей фантазии и демонстрировал всё, на что был способен. Каденции обычно импровизировались или, по крайней мере, сочинялись самим исполнителем. Однако, существующие авторские каденции Моцарта (сохранились 36 каденций к 14 концертам) были записаны им для исполнителей.
II ч. - лирический центр всей композиции, где наиболее полно представлена инструментальная кантилена, воспринятая концертным жанром у итальянской оперы;
III ч. - быстрый жанровый финал, написанный, как правило, в форме рондо-сонаты.
Концерт № 23 был написан в 1786 году в дни Великого поста, когда спектакли и подобные им развлечения запрещались, но публика всё равно желала слушать музыку, поэтому концертная жизнь в этот период резко активизировалась. Моцарт, целенаправленно добившийся репутации лучшего в Вене пианиста, не мог упустить такой момент.
При жизни Моцарта этот концерт не издавался, его впервые напечатали в Лейпциге уже в XIX столетии.
Вопросы и задания:
1. Одно из значительных мест в творчестве Моцарта, а также в истории жанра занимают концерты для различных инструментов в сопровождении оркестра. Для какого солирующего инструмента написан Концерт № 23?
2. Назовите классическую последовательность частей концерта, установленную Моцартом.
3. Послушайте Концерт №23, часть 1 фрагмент В.Моцарта. Сделайте анализ произведения в тетради.
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
burakova@ekb55.ru
Образы радости в музыке
В аттическую форму заключён
Безмолвный, многоликий мир страстей,
Мужей отвага, прелесть юных жён
И свежесть благодатная ветвей.
Века переживёшь ты не спроста.
Когда мы сгинем в будущем, как дым,
И снова скорбь людскую ранит грудь,
Ты скажешь поколениям иным:
«В прекрасном - правда, в правде - красота.
Вот знания земного смысл и суть…»
Дж. Китс (английский поэт)
Человек с его мечтами, стремлениями, с тёмными и светлыми сторонами, человек любящий и страдающий, способный и на величие, и на малодушие - все эти проблемы из века в век по-своему претворялись в музыкальном искусстве. Ведь музыка изначально возникла как выражение эмоционального мира человека, мира вечно изменчивого, подвижного, незримо живущего в каждом из нас от рождения до конца жизни.
Словно невидимыми токами пронизано бытие нашими чувствами, сокровенными, скрытыми от постороннего наблюдения, порой тщательно оберегаемыми. Но как же бывает иногда необходимо выбраться из самого себя, ощутить свою сопричастность с миром других людей, почувствовать себя частью этого мира!
Ты одна разрыть умеешь
То, что так погребено,-
писала Анна Ахматова в стихотворении «Музыка».
И действительно, музыка, пробуждающая и понимающая нас, помогает хотя бы ненадолго преодолеть эти оковы одиночества, в которых мы пребываем наедине со своими восприятиями, волнениями и надеждами. В ней узнаём мы свои затаённые мысли, сны, фантазии, печали и радости, узнаём, что и другие люди во все времена думали и волновались о тех же вещах, что и мы.
Музыке доступна передача не просто отвлечённых чувств, не абстрактной «радости» или абстрактной «печали», она говорит живым языком о малейших оттенках радости и печали, какие и в нашей жизни бывают такими многообразными!
Если обратиться к светлым и радостным образам в музыке, то мы найдём здесь разнообразную палитру всевозможных состояний, какую, пожалуй, не встретишь ни в одном другом искусстве. Уже в народном творчестве – самой древней форме музыки - есть такие песни и танцы, шутливый и озорной характер которых способен рассмешить самого серьёзного человека. «Ноги сами в пляс пустились» - это выражение точно передаёт состояние человека, охваченного стихией зажигательной музыки, воздействующей помимо его желания. Не случайно композиторы всех времён так охотно включали в свои произведения весёлые народные песни и пляски, не только оживляющие звучание их собственной музыки, но и создающие эффект подлинного, живого, достоверного веселья.
Самым известным симфоническим произведением Михаила Ивановича Глинки является его гениальная «Камаринская» - фантазия на две русские темы. Это сочинение стало новым словом в русской музыке. В ней композитор использовал песню для создания произведения, рисующего разные стороны народной жизни и народного характера. Но это не просто картинка русского деревенского быта. Здесь раскрыто богатство творческой фантазии народа.
«Камаринская» - это вариации на темы двух русских народных песен (эта форма называется двойными вариациями). Первая песня - напевная, задумчивая свадебная песня «Из-за гор, гор высоких», вторая - весёлая оживлённая плясовая «Камаринская».
Интересно использует здесь Глинка инструменты симфонического оркестра. Особенно струнные, которые звучат то как голоса невидимого хора, то лёгким пиццикато подражают балалайке. А духовые деревянные звучат как наигрыши свирели.
Послушайте фрагмент произведения М.Глинки "Камаринская"
М.Глинка "Камаринская" ссылка
Родион Щедрин в «Озорных частушках» использовал подлинные мелодии частушек, записанных в разных уголках России - на Урале, в Рязани, Пинеже, Сибири.
Препарированное фортепиано подражает сопровождению на гармонике или балалайке, тембры инструментов передают задиристую разноголосицу участников веселья, которые стараются друг друга перекричать. В общем, инструментальный концерт превращается в театрализованное действие с живыми персонажами, народным говором, полным лукавства и юмора.
Подготовленное фортепиано (или препарированное фортепиано) - фортепиано, звук которого создаётся с помощью различных предметов, которые помещаются на или между струнами, или же на молоточки; в результате фортепианное звучание совмещается с перкуссионным, создавая особый неповторимый звук.т
Послушайте фрагмент произведения
Р.Щедрин "Озорные частушки" ссылка
В опере Н. Римского-Корсакова «Садко», одной из важных идей которой является всепокоряющая власть искусства, песни Садко становятся не просто характеристикой главного героя, но той могучей силой, которая покоряет даже холодное и чуждое земным радостям царство Морского царя. За эти песни полюбила Садко прекрасная сказочная Морская царевна; под его весёлый гусельный наигрыш пускается в пляс всё подводное царство.
Искусство Садко-гусляра неотразимо воздействует даже на силы природы, которые он укрощает, подчиняет своей воле. Причём сам он поёт и играет на гуслях так, как искони века поёт и играет народ, об этом говорит сама музыка - яркая, красочная, очень близкая к народной. А иногда и подлинно народная…
Послушайте фрагмент произведения
Римский-Корсаков "Хороводная песня Садко" ссылка
Вопросы и задания:
1. С какой целью композиторы включают в свои произведения весёлые песни и пляски?
2. Можно ли считать, что Хороводная песня Садко воплощает состояние всепоглощающей, безраздельной радости?
3. Послушайте "Хороводную песню Садко", сделайте анализ произведения.
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
burakova@ekb55.ru
1 четверть. Урок 1
Музыка «старая» и «новая»
«Музыка своей
мелодией доводит нас до самого
края вечности и дает нам
возможность в течение нескольких
минут постичь ее величие».
Томас Карлейль, британский писатель,
публицист, историк.
Музыка – самое древнее из искусств.
Нет смысла спорить с тем, что явно, очевидно: изменяется человек, изменяется и жизнь вокруг него.
Впрочем, бесспорно и другое: не всё в жизни подвластно изменениям. В ней много есть такого, что неизменно повторяется из века в век. Рассветы и закаты, радости и страдания, добрые и злые дела, поиски истины, стремление к свету... Никакой прогресс не властен над такими вечными, как мир, явлениями: не в силах он их ни изменить, ни отменить.
Андрей Алексеевич Шишкин. «Заря – Заряница».
Именно из этих — вечных — начал берет свои истоки искусство. Оно зарождалось тогда, когда человека пленяло обаяние весеннего дня или очарование лунной ночи; когда душа, согретая пробуждающейся любовью, раскрывалась навстречу теплому миру; оно бывало подчас единственной поддержкой и утешением в дни глубокого горя.
Архип Иванович Куинджи «Дарьяльское ущелье.
Лунная ночь».
Поэтому история искусства так мало похожа на историю других человеческих дел: в ней нет своего «музея старых вещей», ставших ненужными только потому, что на смену им пришли новые, более совершенные вещи. Даже, наоборот: в искусстве разных веков есть произведения, подобные вершинам, — их не удалось превзойти никому.
Французский композитор К. Дебюсси
Послушайте фрагмент произведения К. Дебюсси «Мелодия слёз».
К.Дебюсси "Мелодия слёз" ссылка
Да и само понятие «история» в искусстве носит скорее условный характер: ведь нельзя достоверно судить о том, что тянется к нам из глубины далеких веков, что пришло в мир вместе с самим человеком.
Есть у Бориса Пастернака такие строки:
«Так начинают. Года в два
От мамки рвутся в тьму мелодий,
Щебечут, свищут, — а слова
Являются о третьем годе».
Эти строки — о музыке, о том, что она является человеку прежде других искусств; смысл их очень глубок.
Они как бы обозначают «возраст» различных видов искусства, исходя из природы самого человека. И если верна теория, что периоды становления всего человечества подобны периодам взросления отдельного человека, то можно предположить, что из всех искусств музыка — самая древняя, что только она была способна выразить человеческие чувства до того, как он научился выражать их в слове или рисунке.
Как звучала она, эта первая музыка?
Была ли похожа на наши младенческие песни, такие одинаковые, в каком бы уголке мира они ни звучали? Или в ней было что-то от мерного и тихого звучания колыбельных, которые матери всех времен пели в ритме собственного дыхания, собственного сердца? А может быть, ее отзвуки слышны в веселых плясках крестьян, празднующих богатый урожай или удачную охоту?
Во всем этом — неразгаданная тайна, которая, подобно многим другим тайнам музыки, едва ли когда-нибудь откроется нам во всем своем богатстве.
Послушайте фрагмент произведения И. С. Бах. Кантата (Колыбельная).
И.С.Бах Кантата. Колыбельная ссылка
Однако на некоторые ее загадки мы постараемся найти ответы в нашем учебнике. Его главная тема — «Традиция и современность в музыке» — как раз и задумана с целью ответить на некоторые важные вопросы музыкального искусства.
Почему нам может быть так близка «старая» музыка? Почему порой она даже кажется нам более понятной, чем многое из того, что создается в наши дни?
Почему музыканты снова и снова обращаются к традиции?
И чему может научиться у музыки современный человек?
Олег Зеликов «Дуэт».
Отвечая на эти вопросы, мы еще раз увидим: музыка не замыкается сама в себе, она открывает нам путь в иные области понимания — человеческой жизни, ее смысла, места человека в мире. Мы увидим, что музыка не только выражает чувства, но и воздействует на душу, она порождает такие силы, какие без ее помощи, возможно, никогда бы не возникли. Мы увидим также и то, что настоящая музыка не бывает «старой», она по-прежнему, как и в былые времена, созвучна душе человека, будто бы в ней, как в каждой душе, заключена великая и непостижимая для нас тайна бессмертия.
Послушайте произведение Ф. Шопен. Ноктюрн № 2 ми-бемоль (опус 9).
Сделайте анализ произведения в тетради
burakova@ekb55.ru
Послеполуденный отдых Фавна. Прелюдия Дебюсси
«Прелюдия к «Послеполуденному отдыху фавна», создана в 1894 году. «Прелюдия» была написана под «впечатлением» стихотворения Стефана Малларме. Прелюдия обобщенно передавала образ стихотворения, главными героями которого стали Фавн, римский бог плодородия, покровитель скотоводства, полей и лесов.
«Прелюдия к «Послеполуденному отдыху фавна» стала одним из первых импрессионистических опусов Дебюсси. Дебюсси не любил, когда его называли импрессионистом, но тонкими нитями его творчество связано с этим направлением в живописи.
Послушайте фрагмент произведения
Вопросы и задания
1. Какие средства музыкальной выразительности играют первостепенную роль в создании художественного образа Прелюдии Дебюсси?
2. Сделай анализ произведения в тетради.
burakova@ekb55.ru
Комментарии