6 КЛАСС
Молодежная музыкальная культура
Эгоцентричность рэперов демонстративно проявляется в обособлении речевой интонации и ритмической выразительности, в независимых дискотечных hip-hop party и эпатажном поведении.
Отталкиваясь от западной модели, они хотят создать собственный российский оригинальный молодежный стиль, поэтому их субкультура не лишена поиска. Тем не менее, будучи замкнута в узком кругу преданных рэпу сверстников, она ревностно оберегает независимость своей художественной позиции.
ТЕХНО. Эта субкультура опирается на авангардные искания в области современной музыки, направленные на экспериментирование с техно-звуком. Отсюда происходит разделение ее членов на «творцов» и «фанатов».
Первые - это ее лидеры, которые увлечены творческими задачами и желанием повелевать музыкальным сознанием и вкусами диско-массы. Вторые - преданные поклонники «творцов» и техно-музыки, готовые подчиняться их музыкальному шаманству, чтобы получить психоделический эффект. Демаркацию по принципу «создание - потребление» усиливает тендер: юноши заняты составлением техно-композиций, активно осваивая западные музыкальные стили, а девушки, плохо разбирающиеся в хитросплетениях техно-жанров, испытывают лишь физическое наслаждение от подбора музыки ди-джеями.
Одни не могут существовать без других, активно взаимодействуя, но одновременно сохраняя жесткую иерархичность. Естественно, что техно-материал предрасполагает к форме обмена музыкальной информации через Internet и месту консолидации своих участников на дискотеках. Однако субкультура техно не становится массовой, поскольку компьютерное звучание и поиск виртуальной образности обрекают ее на исключительность.
ШАНСОН. Сугубо российская музыкальная традиция городских низов, нашедшая отклик в душах молодых людей стремящихся понять «настоящую» мужскую жизнь. Их объединяет желание быть ближе к старшим, чем к сверстникам, и потому они разделяют музыкальные увлечения своих отцов (дедов).
Следуя за бардами, любители русского шансона высоко ценят «живой» звук. Это делает их активными слушателями концертов любимых исполнителей, но и обмен дисками циркулирует достаточно успешно, способствуя интеграции поклонников криминального музыкального фольклора. Одновременно, «лагерный» сюжет песен и подчеркнутая маскулинность отдаляют субкультуру любителей русского шансона от остальных представителей молодежного музыкального братства.
ДЖАЗ В начале XX века афроамериканцы стали переселяться из деревень в крупные города (Чикаго, Новый Орлеан) в поиске работы. В первых негритянских ансамблях этих городов сложилась наиболее ранняя форма джазовой музыки (Диксиленд). В начале 30-х годов появился новый тип джазового оркестра Биг-бэнд в состав, которого входили три инструментальные секции: группа саксофонов, медная группа и ритм секция. Практикуемый ими стиль был более спокойный и простой, чем ранний джаз, получивший название свинг. Основные черты джаза -- основополагающая роль ритма, мелодические акценты, порождающие ощущение волнообразного движения, импровизационное начало и т. д. Джазом также называют оркестр, состоящий преимущественно из духовых, ударных и шумовых инструментов, предназначенных для исполнения такой музыки. Но некоторым музыкантам этот стиль показался слишком монотонным и скучным. Они стали экспериментировать в области джазовой гармонии и ритма. Что привело к появлению в 40-50 х.х. годах новых стилей, который коренным образом повлиял на образование поп-музыки
КАНТРИ (от англ. country -- сельский, деревенский), развившаяся из фольклорных истоков традиционная песенно-инструментальная музыкальная культура белого населения юго-восточных и западных районов США. Сложилась в начале 20 века. Вместе с ковбойскими песнями Запада -- «вестернами » -- приобрела популярность в городской среде под названием «кантри-энд-вестерн» (country and western, сокращенно С & W). В некоторых своих разновидностях -- например, в музыке «блюграсс» (bluegrass) -- обнаруживает негритянские влияния. В настоящее время почти целиком относится к сфере коммерческой популярной музыки.
ПАНК-РОК (англ. punk, букв. -- гниль), зародившееся во второй половине 1970-х гг. в Великобритании направление в рок-музыке, для которого характерны грязное звучание плохих инструментов, выразительный минимализм, не связываемый цензурой текстовой эпатаж и вызывающий имидж (рваная, грязная одежда; неряшливая прическа; ярко выраженное антиобщественное поведение). В 1976-78 панк-рок стал наиболее популярным, хотя и абсолютно некоммерческим течением, однако к началу 1980-х гг., проложив дорогу «новой волне», вернулся в клубы, откуда и началось его восхождение. Революция Панков имела целью возвращение к подлинно молодёжной музыке не предполагающее уход от грустной действительности, а выражающее реальное мироощущение молодых людей. Протест против современных форм рока.
Реакцией на панк музыку стало появление в начале 1980-х годов нового спокойного сдержанного музыкального стиля. Практиковавшие его группы стали называть себя «Новыми романтиками». Некоторые из них, для создания имиджа и рекламы, стали использовать видео клипы. Эта яркая и дивная молодежная субкультура, представители которой ходят с индейскими ирокезами на головах, к сожалению, медленно, но уверено исчезают с улиц. А ведь не так давно, в восьмидесятых, они являлись грозной силой, которой своих внуков стращали бабушки. Истинные панки не могут работать. Они просто не могут позволить себе работать на «гнилое», с их точки зрения, общество. Мелкое воровство и попрошайничество - вот источники их дохода. А про посвящения в панки можно написать целую книгу .Например, могут сказать просидеть пару дней в помойке, вбить гвоздь себе в пятку. за каждое задание дается булавка. всего их 5.получив последнюю ты становишься равноправным панком
ДИСКО-МУЗЫКА (англ. disco), музыкальный стиль, основу которого составляют упрощенный фанк и соул; также тип студийного саунда, получивший широкое распространение в поп-музыке второй половины 1970-х годов. Получил широкое распространение после выхода в свет кинофильма Р. Стигвуда Saturday Night Fever («Лихорадка в субботний вечер», 1977), в котором прозвучала музыка группы Bee Gees. Связан с творчеством ряда артистов (Bee Gees, Глория Гейнор, Донна Саммер, Village People и др.). Для ритма диско-музыки характерна определенная частота ударов (приблизительно 120 в минуту), в аранжировке особое значение приобретают синтезаторные эффекты при одновременной «инструментализации» вокала. С середины 1990-х годов диско-музыка стала переживать стилистическое возрождение в связи с общей модой на танцевальную музыку.
РОК-МУЗЫКА (англ. rock music, от rock -- качаться, трястись). Важными характеристиками рок-музыки являются ее социальные функции, формы бытования (от любительских групп до профессиональных коллективов), техническое оснащение (применение электрического и электронного усиления и преобразования звука), экспрессия вокального и инструментального интонирования. С музыкальной стороны наиболее характерными ее признаками можно считать наличие в ней трансформированных элементов блюза в сочетании со специфической ритмикой. Особую роль, жанровый диапазон которой охватывал как сровнитьельно простые баллады, так и разнообразные песенные композиции приобрела бас гитара. Благодаря электроусилителю её партия превратилась в самостоятельной подвижный басовый голос и значительно усложнилась. Бас-гитара стала солирующим инструментом. Развитие рока вылилось в появление множества стилевых разновидностей этого музыкального течения, таких как хеви-метал и панк. Рок-музыка сформировалась в Великобритании и США на рубеже 1950-60-х годов. С момента своего появления рок-музыка часто становилась компонентом молодежной культуры, выражая свойственный ей нонконформистский пафос. Вместе с тем значительная часть рок-музыки находится в рамках «массовой культуры». Рок-музыка представляет собой сложный конгломерат течений, выделившихся по музыкальным и внемузыкальным признакам: принадлежности к определенным социально-культурным движениям (например, психоделический рок, панк-рок), возрастной ориентированности (рок для подростков, для взрослых), динамической интенсивности (тяжелый рок), технической оснащенности (электронный рок), взаимодействию с теми или иными музыкальными традициями и стилями (арт-рок, джаз-рок, фолк-рок и др.), месту в системе художественной культуры (рок-авангард, поп-рок, альтернативный рок). Важное значение для рок-музыки имеет визуальный фактор: манера поведения музыкантов, их стиль жизни, сценическое оформление рок-шоу, новые жанры визуальной подачи рок-музыки.
РОКОПОПСОВИКИ. Музыкальная эклектика - основа этой субкультуры. Нестабильность подросткового возраста и эмоциональная подвижность приводят к частой смене музыкальных увлечений. Но рок остается в центре внимания в качестве символа молодежного протеста и источника музыкально-стилевых новаций. В тоже время, поп привлекает своей сентиментальностью и мелодичностью. Пожалуй, это единственная музыкальная субкультура, где ценится мелодическая выразительность.
От остальных фанатов поп-музыки ее отличает критическое отношение к коммерческому шлягеру, особенно его поэтическим «шедеврам».
Черты новаторства, озабоченность поиском новых звуковых решений не тяготят любителей поп-рока. Зачем? Если музыкальный мир так разнообразен. Нужно только интернализировать себя в нем. Конформность - основа стиля поведения, что делает их очень общительными. Для коммуникации используются любые источники (теле. и радиозаписи, интернет-сайты, собственные музыкальные коллекции) и разнообразные места (дискотеки, концерты, клубы, сэйшены). Таким образом, субкультура поп-рока грозит стать массовой.
Человек, попавший в субкультуру, становится с ней единым целым. Он принимает все порядки, законы нового общества, у него меняется система ценностей и взгляд на мир. Кто-то меняет субкультуры, как перчатки, только ради их внешних проявлений, эпатажа окружающих, не вникает в суть и философию, которая в большей или меньшей степени есть в каждом неформальном движении. Даже те, кто верен одной своей неформальной организации, зачастую не понимают ее. Чаще всего таким поверхностным бывает именно молодое поколение. Подростки металлисты могут устраивать массовые драки и беспорядки, хулиганить, хамить старшим и считать, что поступают как истинные металлисты. Им отнюдь не понять, что это движение основано в первую очередь из-за самой музыки и особого мироощущения, а не из-за стремления разрушать все вокруг.
Вышепредставленная типология молодежных музыкальных субкультур наглядно репрезентирует тезис о значимости массовой музыки в качестве фактора внутригрупповой консолидации, ее способности влиять на становление индивидуальных стилей жизни. Одновременно, она обособляет молодежные сообщества и возникает достаточно сложная картина их взаимодействия.
В интервью участники вполне определенно высказывались «за» или «против» конкретной музыкальной субкультуры, функционирующей в молодежной среде. Посредством социометрической процедуры, удалось установить, что не рокеры, а рэперы являются источником девиаций. При том, общение рэперов с любителями рокопопса и металлистами вызывает взаимное отторжение и становится наиболее конфликтным. Причиной является разность, можно сказать полярность музыкальных интересов этих подростковых команд. Однако жестоких столкновений все-таки не происходит, поскольку на родной почве рэперы осваивают совершенно иную тематику, тяготеющую к отечественной бардовской традиции, что объясняет внимание рэперов к русскому року и шансону.
Субкультура русского рока оказывается весьма притягательной для всех молодежных музыкальных объединений, которые считают текст экзистенциональным толчком возникновения музыки: рэперы, скины, панки, любители русского шансона.
Однако намечается и другой лидер - металлическое братство, к нему тяготеют фанаты техно, панки, скины, даже поклонники русского рока. Здесь нет противоречия, поскольку музыкальный язык «тяжелого» рока пронизывает композиции групп, почитаемых данными субкультурами. «Буфером» между двумя лидерами: субкультурой русского рока и субкультурой металлистов, выступает новое сообщество - рокопопсовики. Они тяготеют одновременно и к западному музыкальному материалу, и смысловой энергетике русского рока. В результате, реальное взаимоотношение молодежных субкультур, как и их подвидов, можно представить в виде функционирования двух пар «звезд», объединенных усилиями фанатов поп-рока.
Итак, субкультурные феномены легко поддаются описанию, но их классификация и типологизация затруднены многообразием несводимых в систему признаков.
Музыкальный образ - это живое, обобщённое представление о действительности, выраженное в музыкальных интонациях.
Жанры вокальной и инструментальной музыки
история народа в творчестве р. композиторов
Итоговый урок
Добрый день, ребята.
В течении этого года мы знакомились с разной музыкой. Сегодня у нас заключительный урок, который обобщает весь материал. Давайте вспомним ценность музыки. Музыка – один из видов искусства, который с первых минут жизни человека проникает в его дом с колыбельной песней матери, сопровождает его в течение всей жизни. Мы познакомились с разными областями музыки (от симфонии, оперы до балета), которые были подкреплены многочисленными примерами: с музыкой вы просыпаетесь, идёте в походы, гуляете, поэтому, музыка – это язык, на котором люди хорошо понимают друг друга без всякого перевода.
Открывая для себя мир музыки, мы одновременно узнаём и то, что она полна тайн, что непросто обнаруживает она свои богатства. Это верно, что музыка — общечеловеческий язык, но как порой трудно его понимать! Вот почему понимание музыки требует труда, ведь почти ничто в мире не даётся человеку просто, без усилий. Может быть, только самая простая музыка воспринимается непосредственно, но ведь с годами возникает потребность в чём-то большем, чем нехитрые мелодии и ритмы. Поэтому необходимо больше узнавать об истории музыкальных сочинений, их содержании и жанровом разнообразии, наконец, о средствах музыкальной выразительности.
Не случайно ритм и мелодия, гармония и фактура, тембры и динамика получили такое название — средства выразительности. Они выразительны, потому что способны многое выразить, ведь у музыки нет слов и нет красок, она воздействует только своим звучанием. И звучание это не сплошное: в нём различимы биение ритмов и движение фактуры, красочность тембров и парение мелодии. Выделение этих средств из потока музыкального звучания не искусственное разделение музыки на «элементы», не та «алгебра», о которой писал Пушкин в маленькой трагедии «Моцарт и Сальери», а необходимый шаг приобщения к музыке, приобщения осознанного и уважительного.
Пусть вас не смущает, что «язык человеческих чувств» может быть рассмотрен сквозь призму его составляющих: ведь музыка, чтобы воздействовать эмоционально, должна быть безупречно организована — не случайно в разделе о ритме говорилось об уподоблении музыки математике. Такая организация отличает любое без исключения настоящее произведение музыки — даже если оно является совсем несложным. Это знают все исполнители и относятся к авторскому замыслу выдающихся произведений необыкновенно бережно. Может быть, они имеют своё собственное, глубоко личное прочтение, но никогда не разрушающее гармоничного единства авторского сочинения.
Сама музыка учит гармонии. Каждый, кто причастен к ней, независимо от того, чем ему приходится заниматься в жизни, уже не способен ни к каким бездушным делам. И когда мы видим безобразные улицы, дома или предметы, то, наверное, правы, если связываем их ущербный облик с какой-то недостаточностью в восприятии мира у тех, кто их создавал. И наоборот, когда что-то радует наш глаз, мы с благодарностью храним в памяти имена создателей этой красоты. Мы и сами становимся лучше, когда мир вокруг нас прекрасен и гармоничен.
Ибо подобное воздействует на подобное: зло умножает зло, а красота создаёт красоту. В этом — извечная мудрость мира, в котором было создано всё: солнце — для света, огонь — для тепла, музыка — для утверждения светлых, высоких начал в человеке. И она делает это — делает по мере сил с тех давних пор, как впервые явилась в нашем мире.
Тайна музыки в том, что она находит
неиссякаемый источник выражения там,
где речь умолкает.
Э. Т. А. Гофман
По законам красоты
Адажио Альбинони
В искусстве, то есть в разных формах творчества, в которых человек самореализует свою духовность, будь то живопись, музыка, поэзия или нечто-то иное, создано великое множество различных произведений. Однако существуют такие удивительные творения, которые сразу привлекают к себе пристальное внимание, так как заставляют сердце биться быстрее, а душу трепетать. Они, обладая какой-то особой харизмой, не только сразу очаровывают, но и завораживают слушателей и зрителей. К таким восхитительным плодам вдохновения автора смело можно причислить «Адажио соль минор для струнных инструментов и органа» Томазо Альбинони - выдающегося итальянского композитора эпохи барокко.
Он автор опер, многочисленных сонат, концертов и других самых разнообразных произведений, которые в то время выигрышно отличались от произведений его современников – Арканджело Корелли и Антонио Вивальди
После смерти композитора его личные архивы, большей частью которых были неопубликованные сочинения Альбинони, попали в Саксонскую государственную библиотеку в Дрездене. К большому сожалению, зимой 1945 года во время налёта самолётов союзников и бомбардировок города хранилище библиотеки было разрушено и большая часть фондов уничтожена.
В том же году итальянский музыковед, профессор истории музыки Флорентийского университета Ремо Джадзотто решил написать биографию Альбинони и систематизировать его сохранившиеся неопубликованные работы.
· Адажио является одним из самых популярных произведений «классической музыки» и входит в большинство сборников барочных «хитов».
· Произведение использовалось в качестве саундтрека в более чем 30 кинолентах, предпоследним из которых является фильм «Манчестер у моря» (2016 год) - победитель премии «Оскар» сразу в двух номинациях.
· В 1998 году Сара Брайтман исполнила композицию «Anytime, Anywhere», основанную на музыке Адажио, а через год Лара Фабиан представила свою версию знаменитого произведения на итальянском и английском языках, которая приобрела большую популярность и вошла в репертуар многих вокальных исполнителей.
Обратите внимание, как необходима музыка везде, где требуется выразить глубинную суть содержания, — в кинофильмах, театральных спектаклях, телевизионных передачах. Наивно думать, что это всего лишь фон, который вводится просто для красоты. Присмотревшись внимательно, можно обнаружить, что это важнейший участник единого целого, а иногда и самый главный, без которого всё распадается. Не случайно к участию в создании киномузыки часто приглашались крупнейшие, талантливейшие композиторы: С. Прокофьев, Д. Шостакович, Г. Свиридов, Р. Щедрин, А. Шнитке.
Невозможно представить, например, кинофильм «Александр Невский» без участия музыки С. Прокофьева или фильм «Маленькие трагедии» (по А. Пушкину) без тонких музыкальных иллюстраций, созданных А. Шнитке.
Таких примеров много в киноискусстве.
Музыка сопровождает и телевизионные показы картинных галерей, внося своим звучанием неповторимое ощущение духа времени, проникновенную интонацию повествования о великом и вечном.
Вопросы и задания
1.Как ты думаешь, почему присутствие музыки необходимо в таких видах искусства, как, например, театр или кино? Приведи примеры, подчёркивающие роль музыки в этих видах искусства.
2.Чем созвучны образы музыки Т. Альбинони и произведений живописи, представленные выше?
По законам красоты
«Я верю в существование «чудесного» в сфере музыки» — этими словами начал французский композитор А. Онегге́р последнюю свою статью. Умудрённый опытом музыкант, он и на закате своей жизни не утратил способности восхищаться той бездной чудес, которые открывает нам музыка.
Что же это за чудесное искусство?
Почему оно воздействует на человека, делает его более бескорыстным и благородным, способным преобразовывать мир по законам красоты? Ведь не секрет, что человек, любящий и понимающий прекрасную музыку, не уродует окружающую жизнь, а, наоборот, по мере сил украшает её. Кем бы он ни был — плотником или строителем, поэтом или архитектором, — он не создаёт ни безобразных вещей, ни плохих стихов, ни безликих зданий. Музыка вносит порядок в его душу, и этот порядок властвует затем в создаваемых им повседневных предметах, искусстве, одухотворённом облике городов.
Если задаться вопросом, какие эпохи оставили лучшие памятники, высшие образцы человеческой мысли, то очевидно, что это были времена р а с ц в е т а д у х о в н о с т и.
Вот почему и поныне так притягательна для нас старинная музыка. С одной стороны, мы находим в ней ту чистоту помыслов и то величие духа, которые, к сожалению, не всегда сохраняются в современной жизни. С другой — освобождённое от суеты и житейских забот, искусство прежних времён предстаёт перед нами в своём истинном, чистом виде, как средоточие духовных поисков человека.
Почему же в нелёгком деле воспитания души учёные и педагоги всех времён отдавали первенство музыке, как самой могучей и действенной из всех искусств?
Может быть, потому, что музыка выражает не предметы и явления — для этого у неё нет слов, не их облик и внешние очертания, а именно внутреннюю суть всех вещей, их душу.
Когда мы слушаем музыку, то ищем в ней не простое соответствие образу, но выражение его музыкальной сущности.
Вот пьеса К. Сен-Санса «Лебедь». Её музыка передаёт плавность движений, красоту линий этой красивейшей птицы. Выразил композитор и её характер — величественный и благородный, сумел передать и мягкое скольжение по гладкой поверхности воды.
И это всё?
Нет, здесь только внешнее выражение образа. Именно оно легче всего поддаётся словесным определениям. Однако внутреннюю сущность музыки невозможно передать никакими словами. Об этом ещё Чайковский сказал, что, если бы музыку можно было пересказать словами, она была бы попросту н е н у ж н а. И действительно, содержание музыки шире и выше того, что определяется её программным замыслом.
К. Сен-Санс
Так, искусство не просто изображает лебедя, но выражает возвышенно-загадочную сущность этой птицы, в поэтических представлениях людей издавна занимавшей особое место.
Именно лебеди присутствовали при рождении бога всех искусств Аполлона, семь раз облетев остров, на котором он появился на свет. Именно в благодарность лебедям юный Аполлон натянул впоследствии столько струн на свою лиру, сколько раз лебеди воспел
Майя Плисецкая "Лебедь" ссылка
Так искусство приближается к загадке жизни, воплощённой в душе всего существующего. Оно приобретает самоценность и независимость не потому, что «обслуживает» действительность, а потому, что выявляет её глубокий и скрытый смысл.
1. Посмотри видео М.Плисецкая "Лебедь"
2. Как ты понимаешь слова П. Чайковского о том, что музыку трудно передать словами? Попытайся объяснить на примере пьесы «Лебедь» К. Сен-Санса.
Тонкая палитра оттенков
Добрый день, ребята.
Мы продолжаем знакомиться с одним из самых выразительных средств музыки Динамикой. В переводе с греческого Динамика означает «сила». Это сила, подразумевающая громкость звучания, может быть понята и шире – как сила, воздействующая на человека наряду с другими музыкальными средствами выразительности.
Ярким примером изменения динамики может служить Антракт к III действию из оперы Бизе «Кармен», который называется «Утро в горах».
Уже само название определяет характер музыки, рисующей яркую и выразительную картину утреннего горного пейзажа.
На редкость выразительна сцена летней грозы из IV части Симфонии № 6 Л.Бетховена! Послушайте, как проявляет себя в этом сочинении динамика.
Начинается гроза постепенно. Музыка предельно ясно и наглядно изображает её наступление: хмурится небо, усиливается ветер (литавры), появляются первые капли дождя (пиццикато струнных).
«Гроза. Буря» Из Симфонии № 6 Л.Бетховена. Фрагмент.
(слушание)
Постепенный спад бури сопровождается постепенным успокоением в оркестре; гроза удаляется – и лишь отдалённые раскаты грома ещё слышатся в музыке.
Однако и они скоро исчезают: тучи рассеиваются.
- С помощью каких средств музыкальной выразительности композитор смог показать просветление? (минор уступает место мажору)
- Что происходит с динамикой? (ослабевает)
- Каким знаком можно обозначить такое изменение динамики?
Вопросы и задания:
1. Запиши тему урока в тетрадь.
2. Запомни и запиши обозначения динамических оттенков в тетрадь
3. Сделай анализ произведений "Утро в горах" Бизе и "Гроза. Буря" Бетховена
План по анализу музыкальных произведений
1. Исполнительский состав произведения
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении (гомофонно-гармонический, полифонический)
3. Этническая принадлежность произведения
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора и название произведения.
При выполнении задания:
1. Записываем в тетради тему
2. Ставим номер вопроса, отвечаем
3. При анализе произведения записываем название произведения и имя композитора
На вопросы отвечаем письменно в тетради. Фотографируем, присылаем по электронной почте. Пишем фамилию и класс.
burakova@ekb55.ru
Громкость и тишина в музыке
Добрый день, ребята!
Сегодня мы познакомимся с одним из самых ярких выразительных средств Динамикой.
Не только в музыке, но в поэзии, в прозе, и в интонациях человеческой речи мы можем наблюдать её присутствие. Ведь в любом стихотворении есть свои показатели динамики, позволяющие нам услышать, «тихо» или «громко» оно звучит.
видео урок Громкость и тишина в музыке
Обратимся к пьесе «Лунный свет» К.Дебюсси.
- Можем ли мы по названию пьесы определить основные динамические оттенки произведения? (пиано)
Эпиграфом к прослушиванию станут строки из стихотворения С.Маллармэ «Явление»:
Луна печалилась.
Смычками в забытьи
Водили ангелы.
Из трепетной груди
Виол в тиши цветов
рождался плач горючий
То белых, как туман,
то голубых созвучий.
Дебюсси Лунный свет ссылка
Задание: проследите за изменением силы звучания в пьесе.
Пьеса «Лунный свет» К.Дебюсси (слушание)
Краски, звуки, ароматы, звучащий свет – это мерцание передаётся в музыке Дебюсси как будто на грани мыслимых возможностей.
- Какая картина предстала перед вами при прослушивании?
Пленительная лунная ночь, полная волшебного очарования, таинственная и загадочная, - таков образ этой музыки.
Слушая «Лунный свет», испытываешь впечатление полной зримости лунного света, каждой веточки, каждого сучка на его фоне, каждого еле уловимого шороха.
Всё, что звучит в музыке, напоминает утончённую ажурную ткань, сотканную из нежных динамических оттенков.
- Каких, по-вашему?
- Только ли пиано присутствует в пьесе?
На протяжении всей пьесы господствует «p», но оно постоянно то уходит, то возвращается к «pp» и даже «ppp».
Это едва уловимое колебание передаёт всю красоту очаровательной лунной ночи, наполненной тишиной.
Вопросы и задания:
1. Запиши тему урока в тетрадь
2. Где помимо музыки проявляет себя динамика?
3. Прослушай и проанализируй произведение К.Дебюсси "Лунный свет"
Повторить песню "Я хочу чтобы не было войны"
На вопросы отвечаем письменно в тетради. Фотографируем, присылаем по электронной почте. Пишем фамилию и класс.
burakova@ekb55.ru
Соло и тутти
Добрый день, ребята! На предыдущем уроке мы узнали лишь о нескольких музыкальных инструментах. Солирующие инструменты ярко обнаруживают свои выразительные возможности, то просто пленяя красотой тембра, то создавая контраст различным оркестровым группам.
Но чаще всего они участвуют в общем составе симфонического оркестра, где сопоставления и переплетения тембров образуют картину поразительного звукового богатства.
Зайдите по ссылке. Просмотрите видео урок. Выполните упражнения и задачи.
История симфонического оркестра насчитывает более трех столетия. За это время был постепенно сформирован тот состав инструментов, которым пользуются и современные композиторы.
Современный симфонический оркестр включает четыре группы инструментов:
1. Струнные смычковые (скрипки, альты, виолончели, контрабасы);
2. Деревянные духовые (флейты, гобои, кларнеты, фаготы);
3. Медные духовые (трубы, валторны, тромбоны, туба);
4. Ударные и клавишные (литавры, колокольчики, челеста, барабаны, тарелки и т. д).
Вопросы и задания:
1. Что такое соло и тутти?
2. Какие четыре группы музыкальных инструментов включает симфонический оркестр?
3. В чем заключена разница звучания между оркестром и отдельными музыкальными инструментами?
На вопросы отвечаем письменно в тетради. Фотографируем, присылаем по электронной почте. Пишем фамилию и класс.
Тембры – музыкальные краски
Музыкальные тембры нередко сравнивают с красками в живописи. Подобно краскам, выражающим цветовое богатство окружающего мира, и многообразие его настроений, музыкальные тембры также передают многоликость мира, его образы и эмоциональные состояния. Поёт ли человеческий голос или пастушья свирель, слышится напев скрипки или переливы арфы - любое из этих звучаний входит в многоцветную палитру тембровых воплощений музыки.
Композиторы никогда не создают такую музыку, которая может быть предназначена для любого тембра. Каждое, даже самое маленькое, произведение непременно содержит указание на инструмент, который должен её исполнять.
Каждому музыканту известно, что скрипке присуща особая певучесть, поэтому ей нередко поручаются мелодии плавного, песенного характера.
Вот, например, тема Шехеразады из одноимённой симфонической сюиты Н. Римского-Корсакова. В ней слышится и прелесть волшебной арабской ночи, и нежный голос Шехеразады.
Николай Андреевич Римский-Корсаков
Римский - Корсаков Тема Шехеразады
Не менее известна и виртуозность скрипки, её способность исполнять самые стремительные мелодии с необычайной лёгкостью и блеском. Среди примеров подобной роли скрипки - «Полёт Шмеля» из оперы Н. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане».
Рассерженный Шмель, готовясь ужалить Бабариху, совершает свой знаменитый полёт. Звук этого полёта, который музыка воспроизводит с изобразительной точностью и огромным остроумием, создаётся мелодией скрипки. Эта мелодия столь стремительна, что у слушателя действительно остаётся впечатление грозного шмелиного жужжания.
Римский - Корсаков "Полет шмеля"
Необыкновенная теплота и выразительность виолончели сближает её интонацию с живым человеческим голосом - глубоким, волнующе-эмоциональным. Поэтому в музыке нередки случаи, когда вокальные произведения звучат в переложении для виолончели, поражая естественностью тембра и дыхания. Яркий пример такого рода – «Вокализ» С. Рахманинова.
Сергей Васильевич Рахманинов
Слово «вокализ» означает вокальную пьесу без слов.
Гениальный «Вокализ» занимает особое место в вокальной лирике Рахманинова. Рахманинов написал «Вокализ» в 1912 году и посвятил его знаменитой певице А. В. Неждановой. «Вокализ» примыкает к романсам композитора, в истоках своих связанным с русской песенностью. Элементы народного песенного стиля органично вливаются здесь в мелодику, отмеченную яркой индивидуальностью.
О связи «Вокализа» с русской протяжной песней говорит широта мелодии, неторопливый и, как кажется, «бесконечный» характер её развития. Музыка столь выразительна, столь содержательна, что композитор счёл возможным отказаться от поэтического текста. «Вокализ» хочется назвать русской «песней без слов».
Там, где требуются лёгкость, изящество и грация, царит флейта. Изысканность и прозрачность тембра в сочетании с присущим ей высоким регистром придают флейте и трогательную выразительность.
Иоганн Себастьян Бах
Прелестное Скерцо («Шутка») И. С. Баха из Сюиты № 2 для оркестра - пример такого изящно-юмористического звучания флейты. Щебетание флейты в виртуозной манере такое грациозное и жизнерадостное, что кажется, будто музыка может продолжаться ещё и ещё…
Скерцо - «Шутка» - так переводится это слово. Но это не всегда «смешная» музыка. Название это закрепилось за инструментальными произведениями острого характера, с живыми интонациями и неожиданными музыкальными оборотами.
Вопросы и задания:
1. Почему музыкальные тембры можно сравнить с красками в живописи?
2. Какие особенности отличают звучание скрипки? Расскажите на примере темы «Шехеразады» и «Полёта шмеля» Н. Римского-Корсакова.
3. С каким тембром можно сравнить звучание виолончели?
4. Как вы считаете, можно ли мелодию, написанную для одного инструмента, поручить другому? Если да, то назовите варианты таких замен.
На вопросы отвечаем письменно в тетради. Фотографируем, присылаем по электронной почте. Пишем фамилию и класс.
burakova@ekb55.ru
Какой бывает музыкальная фактура
Из главных средств музыкальной выразительности складывается «лицо» любого музыкального произведения. Но у каждого лица может быть множество выражений. И «выражением лица» «ведают» дополнительные средства. Фактура - одно из них.
Дословно «фактура» означает «обработка». Мы знаем, что фактура есть, например, у ткани. На ощупь, по фактуре, можно отличить одну ткань от другой. У каждого музыкального произведения тоже есть своя «звуковая ткань». Когда мы слышим красивую мелодию или необычную гармонию, то нам кажется, что эти средства выразительны сами по себе. Однако, чтобы мелодия или гармония зазвучала выразительно, композиторы используют различные приёмы и способы обработки музыкального материала, разные виды музыкальной фактуры.
Прежде чем понять, что означает выражение «музыкальная фактура», давайте рассмотрим нотные примеры.
Мы видим, что все примеры отличаются своим графическим изложением.
Первый пример представляет собой вертикальные «аккордовые столбы», второй – волнообразную линию, третий – своеобразное трёхэтажное построение, четвёртый – похожий на кардиограмму (кардиограмма – графическое изображение работы сердца) музыкальный рисунок.
Именно способ изложения музыки называется фактурой.
Может быть, оттого, что фактура наиболее ярко выражает область музыкального художества - линии, рисунки, нотную графику, - она получила множество различных определений.
«Музыкальная ткань», «узор», «орнамент», «контур», «фактурные пласты», «фактурные этажи» - эти образные определения указывают на зрительность, живописность, пространственность фактуры.
Выбор определённой фактуры зависит от многих причин – от музыкального содержания, от того, где исполняется данная музыка, от тембрового состава. Например, полифоническая музыка, предназначенная для звучания в храме, требует значительного фактурного пространства. Лирическая музыка, связанная с передачей чувств человека, как правило, одноголосна. Её звучание представляет сжатие фактуры до одного-единственного голоса, поющего свою одинокую песнь.
Иногда одноголосное изложение мелодии используется композиторами для выражения красоты того или иного тембра. Так, пастуший рожок солирует во вступлении к Первой песне Леля из оперы Н. Римского-Корсакова «Снегурочка», вводя слушателя в атмосферу чудесной языческой сказки.
Юный пастушок Лель является олицетворением искусства музыки и солнечной, неотразимо влекущей любовной силы. Любовь и искусство - дары Ярилы и одновременно выражение неиссякаемых творческих сил человека.
В том, что Лель - простой пастух, в том, что его песни народны, заключён глубокий смысл. В образе Леля Островский и Римский-Корсаков прославили народное искусство и подчеркнули его жизнеутверждающую сущность. Не случайно Лель, единственный из ведущих действующих лиц оперы, охарактеризован почти исключительно песнями - сольными и хоровыми, где он выступает запевалой. Инструментальная сторона в музыкальной характеристике Леля представлена многочисленными пастушескими наигрышами. Иные из них - подлинно народные.
Звучание деревянных духовых инструментов и чаще всего солирующего кларнета (подражание пастушескому рожку) придаёт музыке Леля яркую народную окраску.
Первая песня Леля «Земляничка-ягодка» - протяжная заунывная. В ней Римский-Корсаков с замечательным искусством передал характер и музыкальные особенности лирических народных песен: плавную распевность, часто встречающуюся вокализацию, неполные (без терции) созвучия и унисоны в концах фраз. Большую прелесть и своеобразие придают песне многочисленные «разводы» - наигрыши флейты и английского рожка с их народным тембровым колоритом.
Однако исключительно одноголосная фактура – явление достаточно редкое. Гораздо чаще мы видим другой тип фактуры – мелодию с сопровождением, которые, как правило, дополняют друг друга. Вспомните песню Ф. Шуберта «В путь». В ней звучит не только бодрая мелодия, но и вращение мельничного жёрнова в партии фортепиано, создающего яркое зрительное впечатление.
Песня Ф. Шуберта «В путь» открывает цикл «Прекрасная мельничиха». В нём рассказывается о том, как мельник отправился в путь, о любви молодого простодушного героя - это очередная романтическая история одинокой души. Счастье человека так близко, его надежды так светлы, но им не суждено сбыться, и лишь ручей, ставший с первых минут другом мельника, утешает его, печалясь вместе с ним. Он как бы влечёт юношу за собой в путь. На фоне этого журчания звучит простая, народная по характеру мелодия.
Богатство музыкальных образов позволяет использовать разные приёмы фактуры. Так, в романсе С. Рахманинова «Сирень» рисунок аккомпанемента имеет чисто зрительное сходство с формой цветка сирени. Музыка романса светла и чиста, как юность, как цветение весеннего сада:
Поутру, на заре, по росистой траве
Я пойду свежим утром дышать;
И в душистую тень,
Где теснится сирень,
Я пойду своё счастье искать ...
В жизни счастье одно мне найти суждено,
И то счастье в сирени живёт;
На зелёных ветвях,
На душистых кистях
Моё бедное счастье цветёт.
Писатель Юрий Нагибин в повести «Сирень» пишет об одном лете, которое провёл семнадцатилетний Сергей Рахманинов в имении Ивановка. В то странное лето сирень расцвела «вся разом, в одну ночь вскипела и во дворе, и в аллеях, и в парке». В память о том лете, об одном раннем утре, когда композитор встретился с юной первой своей влюблённостью, он и написал, может быть, самый нежный и взволнованный романс «Сирень».
Что же ещё, какие чувства и настроения заставляют фактуру то сжиматься, то оформляться в пространство, то принимать форму прелестного весеннего цветка?
Вероятно, ответ на этот вопрос следует искать в живом обаянии образа, в его дыхании, красках, неповторимом облике, а главное - в том переживании образа, которое вносит в свою музыку сам композитор. Никогда музыкант не обращается к теме, которая ему не близка и не находит отклика в его душе. Не случайно многие композиторы признавались, что никогда не писали о том, чего не пережили, не прочувствовали сами.
Поэтому, когда зацветает сирень или земля покрывается снегом, когда восходит солнце или струи быстрой воды начинают играть разноцветными бликами, художник испытывает те же чувства, какие испытывали миллионы людей во все времена.
Он так же радуется, грустит, любуется и восхищается безграничной красотой мира и его чудесными превращениями. Свои чувства он воплощает в звуках, красках и рисунках музыки, наполняя её дыханием жизни.
И если его музыка волнует людей, значит, в ней не просто ярко запечатлены образы сирени, утреннего солнца или реки, но угаданы те переживания, которые испокон веков испытывают люди при соприкосновении с красотой.
Поэтому, наверное, не будет преувеличением сказать, что каждое такое произведение, как бы ни были сокровенны чувства, вдохновившие автора, - памятник всем цветам мира, всем его рекам и восходам солнца, всему безмерному человеческому восхищению и любви.
Вопросы и задания:
Что обозначает слово «фактура» в музыке?
Какие образные определения применимы к различным видам фактуры?
Почему в Первой песне Леля из оперы «Снегурочка» Н. Римского-Корсакова используется одноголосная фактура?
Как содержание музыкального произведения влияет на его фактурную запись? Расскажите на примере романса «Сирень» С. Рахманинова.
Третья четверть
Философия фуги
Полифония переводится с греческого как – «многоголосие». Но не думайте, что, если собрались 100 хористов или инструменталистов и поют или играют вместе, это и есть полифония. В полифонии одновременно звучат несколько мелодий и все они равноправны. Величайшим полифонистом был И.С. Бах.
И.С. Бах родился в 1685 году в Эйзенахе в скромной семье городского музыканта. Жизнь его протекала довольно однообразно, тихо в стороне от больших исторических событий. В 1823 году он обосновался в Лейпциге и жил там до конца своих дней.
Особое место занимает церковь св. Фомы. Именно в ней много лет во время богослужения управлял хором и оркестром великий немецкий композитор и музыкант И.С. Бах. Его служба была не лёгкой: помимо управления церковной музыкой, Бах должен был обучать и воспитывать певчих – учеников церковной школы – и каждую субботу сочинять по новой кантате.
И.С. Бах стремился своей музыкой пробудить в людях живые человеческие чувства. Вместе с тем И.С. Баха обвиняли в том, что его музыка слишком сложная и в тоже время слишком народная, что она мешает верующим сосредоточиться в религиозном настроении.
А В.В. Стасов назвал И.С. Баха «Провидцем еще двести лет тому назад тайн и глубин человеческой душевной жизни».
Полифония в творчестве И.С. Баха.
Каждое произведение И.С. Баха – это беседа разных голосов, которые представляют различные индивидуальности. Если одному из голосов нечего сказать, он некоторое время должен помолчать, пока не будет вполне естественно втянут в беседу. Но никто не должен вмешиваться в середину разговора и не должен говорить без смысла и надобности.
В творчестве композитора полифония стала могучим средством для передачи самых сложных эмоций, для выражения самых глубоких идей. Он был подлинным поэтом полифонии.
И.С. Бах Токката и фуга ре минор слушать
Токката (с итал.яз. — трогать, касаться)— инструментальная пьеса быстрого, чёткого движения равными короткими длительностями. Обычно токката пишется для фортепиано или органа, но встречаются также токкаты для других инструментов.
Слушателей поражает в музыке Токкаты то, что за вступительным разделом, похожим на страстную речь человека, начинается взволнованное движение, напоминающее безостановочный поток, который прерывают властные аккорды. В свободной импровизационной манере композитор переходит от одного эпизода к другому: друг друга сменяют пассажи, звучание органа подобно торжественному пению церковного хора, возникают переплетения голосов, много голосов (полифония).
Слово «фуга» по латыне – значит «бег». Фугой называют произведение, построенное на непрерывном развертывании одной музыкальной мысли, которая со строгой последовательностью в установленном порядке проводится всеми участвующими голосами. Фуга – это беседа друзей, где есть общая тема, которую слушают или обсуждают вместе.
Фуга – самая высшая и сложная форма в музыке полифонического склада. И.С. Бах до предела довёл совершенство фуги.
Рассмотрите картину М. Чюрлёниса «Фуга» и, слушая «Фугу ре минор» И.С. Баха, найти общее в строении формы.
Мир образов полифонической музыки
Гармония
Есть ли что-нибудь более прекрасное, чем сила гармонии?
Хотелось бы видеть здесь проявление некоей божественной любви,
узнать её происхождение и установить связь с другими силами,
которыми держится Вселенная.
Птолемей
Что такое гармония в музыке
«Гармония» - одно из самых главных понятий музыкального искусства. Что же оно означает?
Слово «гармония» возникло далеко за пределами музыки. Люди издавна называли гармонией красоту и соразмерность, где бы она себя ни проявляла - в архитектурном ли сооружении, состоянии души или человеческой фигуре.
Древние греки словом «гармония» определяли даже периоды мирной жизни, свободные от войн и потрясений.
В музыке слово «гармония» выражает её основное свойство – благозвучие (благозвучный – приятный на слух). Благозвучие как порядок в царстве звуков, аккордов, ладов – это и есть музыкальная гармония.
Как и всякое искусство, музыка имеет свой собственный «материал». Как цвет в живописи, слово в литературе, мрамор в скульптуре - так звук в музыке есть её ядро, из которого рождается музыкальное произведение. Однако любой произвольный порядок звуков ещё не является признаком гармонии. Послушайте, как звучит случайный набор музыкальных звуков.
Музыка начинается лишь тогда, когда её звуки организуются по определённым законам, которым подчиняется музыкальное произведение.
Великий русский композитор М. И. Глинка о гармонии сказал так: «Дело гармонии дорисовать слушателям те черты, которых нет и не может быть в мелодии». Иными Словами - гармония как бы досказывает мысль, которая заключена в мелодии. Без помощи гармонии музыкальная мысль не может быть высказана полным голосом.
Гармония - одно из выразительнейших средств в музыке, это голоса и аккорды, сопровождающие мелодию. Они составляют с мелодией не только одно гармоническое целое, но поддерживают, дополняют и украшают её звучание.
Гармония ощутима в любом произведении. В самых высших своих проявлениях она воздействует как непрерывно струящийся свет, в котором мы ощущаем отблеск неземной божественной гармонии. Произведения, отмеченные знаком такой «высшей» гармонии, есть у многих композиторов - у Баха и Моцарта, Шуберта и Брамса. В таких произведениях течение музыки несёт печать возвышенного покоя и равновесия.
Одно из таких произведений – Прелюдия до мажор И. С. Баха.
«Такого чуда, как Бах, не знает другое искусство. Уметь очистить человеческую природу так, что она приобретает божественные очертания, вложить духовное рвение в самые обыденные человеческие поступки, преходящему придать крылья вечности, обожествить земное и очеловечить божественное - вот что мог Бах - самое высокое и самое чистое, что дала музыка всех времён ...
Эта музыка - наилучший источник молодости. Она обновляет душу и располагает провести день в безмятежной и доверчивой радости».
(Х. М. Корредор)
Создавая свой цикл прелюдий и фуг, известный ныне всему миру под названием «Хорошо темперированный клавир», Бах ставил перед собой вполне определённую цель: познакомить играющих на клавире со всеми двадцатью четырьмя мажорными и минорными тональностями, многие из которых до того времени не были в употреблении.
«Хорошо темперированный клавир» справедливо считается своеобразной энциклопедией баховских образов. В редком разнообразии камерных форм «Хорошо темперированного клавира» раскрывает Бах большой и сложный мир человека, его художественно-поэтические представления, богатейшую область человеческих чувств.
Бах тонко использовал в прелюдии приёмы, идущие от лютневой музыки XVIII века (для щипковых инструментов характерна фактура из разложенных аккордов), ставшие уже традиционными в клавирной музыке.
Вслушаемся в звучание Прелюдии до мажор. Отчего её музыка кажется такой светлой, такой умиротворённой?
Прежде всего этому способствует характер музыкального течения: негромкий, неторопливый, не содержащий никаких срывов и неожиданностей. Ничто в прелюдии не меняет первоначально избранного движения - ни ритм, ни темп ... Лишь только гармония бесконечно колеблется, мерцает, оборачиваясь то мажорными, то минорными звучаниями, то чуть омрачаясь, то вновь умиротворяясь.
Вопросы и задания:
Что мы называем музыкальной гармонией?
Где, помимо музыки, проявляет себя гармония?
Почему гармонию, как и мелодию, считают главным средством музыкальной выразительности?
Что отличает характер Прелюдии до мажор И. С. Баха? Как проявляет себя гармония в этой прелюдии?
Созвучен ли образ «Сикстинской мадонны» Рафаэля музыке Прелюдии до мажор? Попробуйте объяснить, в чём проявляется эта созвучность?
Два начала гармонии
«Моё убеждение таково,
мажорный лад побуждает к деятельности,
отправляет в широкий мир...
Минорный выражает всё невыразимое и томительное…»
И. В. Гёте
Видео урок Два начала гармонии
В музыке крайне редко встречаются произведения, в которых выражалось бы полностью безмятежное настроение. Гораздо чаще музыкальная гармония построена на противоположности светлого и затемнённого, печального и радостного.
Такое понимание гармонии как единства противоположных начал заложено ещё в мифологии.
В одном из древнегреческих мифов рассказывается, что Гармония была дочерью Ареса - бога войны и раздора и Афродиты – богини любви и красоты.
В своих странствиях Кадм однажды убил змея и вошёл в пещеру, где раньше жил змей, и увидел там девушку неописуемой красоты, узницу змея. Когда Кадм и Гармония выходили из пещеры, Кадм увидел в пасти убитого змея что-то золотое, ярко сверкающее, но не стал подходить ближе.
Вскоре они увидели спускающуюся с неба лестницу, по которой шли Зевс с Герой, Посейдон с Амфитритой и Арес с Афродитой. Вмиг появились столы с яствами, и Зевс объявил, что в награду за подвиг он даёт Кадму в жёны Гармонию. Они зажили счастливо, но однажды, вспомнив прошлое, Кадм рассказал Гармонии о золоте, лежащем у пасти змея. Жена тотчас же пожелала его иметь и послала Кадма к пещере.
У пещеры сидела Афина под видом нимфы и предупредила, чтобы Кадм не брал золото, но тот испугался гнева жены и нашёл под костями змея золотое ожерелье невиданной красоты. (Вариант: ожерелье работы Гефеста было подарено Гармонии в день свадьбы). Когда Кадм принёс ожерелье Гармонии, та решила подарить его Семеле. Вскоре Семела погибла, сгорев в пламени своего возлюбленного Зевса. Потом ожерельем владели по очереди Агава и Автоноя, но и те скоро погибли. На старости лет Кадм и Гармония, потерявшие дочерей, покинули Фивы. «Боги карают меня за убийство змея, лучше б и мне стать змеёй» - сказал однажды Кадм и превратился в змею. Гармония бросилась к нему, обвила его тело руками и тоже стала змеёй. Впоследствии боги перенесли их на острова блаженных.
Соединение коварной и разрушительной силы и силы вечной юности, жизни и любви - такова основа равновесия и покоя, олицетворяемых Гармонией. Поэтому гармония в музыке - искусстве временном, движущемся - почти никогда не предстаёт в своём законченном виде. Наоборот, она достигается в развитии, борьбе, становлении.
Наверное, двойственная природа гармонии и стала причиной того, что гармония музыкальная почти целиком строится на противоположностях. Противоположны светлый мажор и печальный минор; консонанс своим согласным звучанием противостоит диссонансу с его напряжённостью; неустойчивый аккорд стремится к разрешению в устойчивый.
Слово консонанс в переводе с латинского означает согласное звучание, а диссонанс - нестройное, несогласное звучание.
Ни одно музыкальное произведение не может быть построено только лишь на благозвучных сочетаниях. Диссонанс является важнейшим стимулятором развития в музыке. Одна из важнейших особенностей диссонансов заключается в том, что, будучи несогласованными, они как бы лишают музыку ощущения покоя, требуют движения, которое обычно связывается с необходимостью перехода диссонанса в консонанс, его разрешения.
Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. ХТК, том 1, BWV 846 (два варианта исполнения)
Не таким удивительным кажется то, что произведений, подобных Прелюдии До мажор Баха, в музыке не так много. Гораздо чаще встречаются сочинения, в которых гармония выражает стремления и страдания, мечты и надежды, тревоги и раздумья - всё, чем полна человеческая жизнь. И так же как, например, в живописи, где даже самую простую картину невозможно написать одной краской и одной линией, так и в музыке никакой замысел не может быть воплощён только каким-нибудь одним гармоническим средством.
Слушание: Ф. Шуберт. «Серенада» (два варианта исполнения)
Вспомните «Серенаду» Ф. Шуберта. В ней для передачи различных настроений композитор использовал ладовый контраст – контраст мажора и минора, передающий различные оттенки чувств героя.
В способности передавать различные оттенки человеческих чувств, порой прямо противоположные, состоит одно из коренных свойств музыкальной гармонии.
Гармония во все времена опиралась на лады, различные по своему характеру. Уже древнегреческие философы спорили о характере воздействия музыкальных ладов. Они признавали, что изменение даже одного звука лада придаёт ему совершенно иную выразительность.
Вспомним хорошо известные нам мажор и минор, основные аккорды которых отличаются друг от друга одним-единственным звуком! Но как резко отличается характер их звучания!
«Моё убеждение таково, - писал великий немецкий писатель и мыслитель И. В. Гёте, - мажорный лад побуждает к деятельности, отправляет в широкий мир... Минорный выражает всё невыразимое и томительное».
Вспомните Симфонию № 40 В. А. Моцарта - одного из самых гармоничных композиторов. Как естественно в ней гармоническое дыхание, соотношение «света» и «тени», как органично переплетение мажора и минора в их сопоставлении, чередовании, изящной игре!
Соль-минорная симфония встаёт как предвестница скорбных и страстных образов зрелого Моцарта. Резко выделяясь в кругу жизнерадостных симфоний XVIII века, она даже среди произведений Моцарта кажется необычной гостьей. Но именно потому она открывает доступ к затаённым мыслям композитора.
С самого же начала первой части вы, вероятно, ощутите в музыке чуть взволнованную, затуманенную дымкой лирики печаль. Но сразу же контраст - острая драматическая вспышка. А потом опять лёгкая грусть и опять такая же вспышка. Так на протяжении всех четырёх частей симфонии будет то восстанавливаться, то вновь разрушаться душевное равновесие, и мы почувствуем, какой огромной силы эмоциональный заряд был заложен в первой мелодии, открывавшей симфонию.
Во второй части контраст обостряется: сперва словно бы полное спокойствие, а в среднем эпизоде - почти трагическое звучание.
Далее менуэт - традиционный менуэт. Но здесь этот благонамеренный танец аристократических балов наполнен такой взволнованностью и таким драматизмом, какого никогда ещё не знала танцевальная музыка той эпохи.
И наконец финал. Он проносится как стремительный вихрь, полный контрастов - одновременно и лёгкий, словно не знающий никаких препятствий, и ещё более взволнованный, и драматичный, чем менуэт. Вся симфония - словно образ самого Моцарта, вырывающегося из тисков своего времени, устремлённого в будущее...
О красоте этой музыки говорить невозможно - вслушайтесь в неё, и вы все почувствуете сами. Моцарт изложил её так ясно и прозрачно, что не услышать её невозможно!
Моцарт неожиданно раскрыл здесь всю меру своей душевной зрелости, высказал давно накопившийся протест против всего, что сковывало его творческую волю, его ум и воображение, надежды, и сделал это с такой смелостью и прямотой, на какую не решался ни один из современных ему музыкантов. Эта драматическая исповедь вводит нас в мир глубоких душевных противоречий - поэтических взлётов и скорбных выводов, идеалистических мечтаний и бурной жажды деятельности.
Шуман сказал про эту симфонию: «Каждая нота в ней - чистое золото, каждая часть её - это клад» ...
Гармония всегда возникает из противоположностей и противоречий там, где есть любовь. Ведь гармония - подлинная душа искусства, его красота и правда.
Вопросы и задания:
В чём заключается смысл древнегреческого мифа о Гармонии?
Какие два лада составляют основу музыкальной гармонии?
Подумайте, гармонично ли музыкальное произведение, звучащее исключительно в мажоре, содержащее только благозвучные аккорды. Чего в нём не хватает?
В чём выражает себя гармония в Симфонии № 40 В. А. Моцарта?
Красочность музыкальной гармонии
Гармония, прикоснувшись к тайнам человеческой души, сама научилась быть многоликой, изменчивой, текучей. Ей стали доступны самые различные выражения - портретные и пейзажные характеристики, цвета и цветовые сочетания. Гармония проникла в «душу» даже неодушевлённых предметов - деревьев и облаков, морей и озёр, живых цветов и опавших листьев; она стала выразителем этих до сих пор молчавших «обитателей» мира.
Необыкновенной красочности достигла гармония в произведениях, написанных на сказочно-фантастические сюжеты.
Мы уже обращались к сказочным музыкальным образам, составляющим одну из прекраснейших сторон музыкального искусства. Говорили и о великом музыкальном сказочнике, каким был Н. А. Римский-Корсаков, создавший целую галерею причудливых сказочных персонажей, образов, пейзажей. Их захватывающее эмоциональное воздействие связано со многими особенностями музыкальных средств – красочностью гармоний и тембров, выразительностью ритмов и мелодий.
Из былины о Садко
Сказки, легенды, предания разных народов мира хранят имена своих выдающихся музыкантов. Так, в Древней Руси на протяжении нескольких веков слагались былины о новгородском гусляре Садко. В одной из них сказывалось:
В славном Нове-граде
Как был Садко-купец, богатый гость.
А прежде у Садка имущества не было:
Одни были гусельки яровчатые.
Слава о нём рекой лилась по Великому Новгороду:
Звали Садка в боярские терема златоверхие,
В купеческие хоромы белокаменные.
Заиграет он, заведёт напев -
Все слушают гусляра, не наслушаются ...
...Задумал Садко плыть в далёкие моря – насмотреться чудес невиданных, побывать в странах неслыханных да спеть там славу Господину Великому Новгороду.
И сказал он богатым купцам новгородским: «Кабы была у меня золота казна да дружинушка хоробрая, я не сидел бы сиднем в Нове-городе. Не стал бы жить по старине - по пошлине. Не пировал бы день и ночь, не бражничал. Пробегали бы мои бусы-корабли, объезжали бы моря синие. Накупил бы я в краях дальних скатна жемчуга да камней самоцветных и понастроил бы в Нове-городе церквей Божиих с золотыми маковицами. Разнеслась бы тогда по далёким морям, по раздолью земли слава Новгорода».
Рассердились купцы спесивые, не стерпели упрёк: «Не тебе нас корить, не тебе нас учить. Ты гусляр простой, не торговый гость». Насмеялись над ним и прогнали. Опечалился Садко, пошёл на берег Ильмень-озера, ударил в струны звонкие и запел песню-кручинушку:
Ой, ты тёмная дубравушка!
Расступись, дай мне дороженьку.
Услыхало Ильмень-озеро песню дивную, всколыхнулося. Выплыла стая лебёдушек. Обернулись они красными девицами. С изумительным мастерством рисует композитор фантастическую картину: звучит сопровождаемая форшлагами (форшлаг – один из видов небольших мелодичных вокальных и инструментальных украшений) флейт, точно птичьим курлыканьем, певучая мелодия девушек-лебедей.
Слушание: Сцена «Появление лебедей и их волшебное превращение в девушек»
Вышла на берег прекрасная Волхова, дочь царя Морского: «Долетела песнь твоя до глубокого дна Ильмень-озера. Полонили сердце мне твои песни чудные». За песню да за игру дивную посулила Волхова Садку чудных рыб - золоты перья. «Закинешь сеть, поймаешь их, богат ты будешь и счастлив…»
Из глубины озера поднимается Морской царь и приказывает дочерям возвращаться домой. Вмиг обернувшись лебедями и утицами, девы исчезают.
Исполнила Волхова своё обещание. На новгородской площади собрался весь городской люд. Здесь и бедняки, и богатые купцы, и калики перехожие, распевающие божественные песнопения, и скоморохи, потешающие народ шутками и плясками. Сочно и ярко живописует композитор быт средневекового города. Кажется, здесь нет места ничему нереальному. Но нет. Фантастика вновь вступает в свои права, когда Садко отправляется на лов золотых рыбок. Слышится голос Волховы, повторяющей своё обещание: «Закинешь сеть, поймаешь их…»
И вот рыбки пойманы, и тут же они превращаются в слитки золота. «Чудо чудное, диво дивное», - удивляется народ, только что осыпавший Садко насмешками.
Чудо создаёт композитор: на фоне трелей деревянных духовых, струнных и фортепиано слышны зычные голоса меди. Звенящие удары колокольчиков, треугольника, тарелок, пассажи арф – всё это искрится, переливается, блестит, точное настоящее золото.
Слушание: Ария Садко «Месяц золотые рожки» (фрагмент)
Садко выиграл спор с купцами, теперь все товары принадлежат ему, он богат и отправляется в путешествие.
Двенадцать лет путешествует Садко со своей дружиной по белу свету. Но, чувствует, настал час расплаты: стал среди моря корабль. По жребию бросили Садко в море в дань Морскому царю, и пошёл корабль своим путём-дорогою.
Дно морское. Отец Волховы задумал повенчать её с Садко, пышное торжество устроил. Садко величает Морского царя, дальше следует шествие чуд морских, пляска речек и ручейков, пляска златопёрых и сереброчешуйчатых рыбок, и, наконец, общая пляска, в которой участвуют все гости, Садко с Волховой и сам Морской царь.
Слушание: «Пляска златопёрых и сереброчешуйных рыбок»
Слушание: «Шествие чуд морских»
Разбушевалось море, разыгралась на нём буря, топит, ломает корабли… В разгар веселья появляется Старчище – могуч богатырь. Он прекращает пляску, повелевает Подводному царству исчезнуть, Морской царевне – превратиться в реку, а Садко – вернуться в Новгород.
«Шествие чуд морских» из оперы Н. Римского-Корсакова «Садко» - один из примеров необыкновенной красочности гармонии. Рисуя волшебный мир подводного царства – загадочного, невидимого для людей композитор выбирает такие аккорды, которые подчёркивают именно атмосферу загадочности, романтичности, сказочной красоты.
Фрагмент носит название «Шествие чуд морских», то есть указывает на момент движения. При этом движение «чуд» гибко, текуче, замедленно. Это не открытая стихия моря – это неведомые его глубины, не согретые человеческим взглядом.
Плавно скользя перед очами своего владыки, «чуда морские» как будто складывают красочную музыкальную мозаику. К концу «Шествия…» движение успокаивается и замирает, словно унося последние всплески воды. На короткое время музыка застывает в созданной ею картине беспредельной сказочной красоты.
Завершая разговор о гармонии, попробуем ответить ещё на один вопрос: всегда ли гармонична музыкальная гармония? Ведь музыка, уходящая от стройного звучания, отказывающаяся от света и покоя, сама становится другой. При передаче человеческих горестей и страданий в ней появляются напряжённые мелодии, отрывистые ритмы.
Должна ли музыка быть такой? Разве не радость и успокоение цель этого искусства?
Музыка становится дисгармоничной (дисгармония – нарушение гармонии) лишь потому, что бывает дисгармоничной реальная жизнь, в которой не всё только свет и покой, в которой всегда остаются и тревога, и боль, и утраты.
Но эта дисгармония не равнозначна хаосу (хаос – беспорядок, путаница), потому что в музыке сохраняется всё высшее, что несёт в себе искусство, - стремление к свету, благородство замысла, выразительность музыкальных средств. Наконец, в ней сохраняется главное, что присуще подлинному искусству, - его милосердие, безграничная любовь ко всему, к чему оно прикасается. А там, где есть эта любовь, там из противоположностей, из сомнений и вопросов всегда возникает высшая гармония.
Эта гармония – подлинная душа искусства, его красота и правда.
Вопросы и задания:
1. Какой образ создаётся гармонией в «Шествии чуд морских» из оперы «Садко» Н. Римского-Корсакова?
2. Всегда ли гармонична музыкальная гармония? Объясните свой ответ.
Мелодия угадывает нас самих
Запишите тему урока в тетрадь. Ответьте письменно на вопросы. Сфотографируйте и отправьте по эл. почте. burakova@ekb55.ru
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
От адажио к престо
Музыка созерцательного, углубленного характера редко имеет быстрый темп, музыка же веселого или шуточного характера, наоборот, почти никогда не бывает медленной. Вот почему, даже не зная многих музыкальных произведений, мы можем заранее угадать их темп по тому, что известно об их содержании или жанре.
видео урок "От адажио к престо" ссылка
Например, органные хоральные прелюдии И. С. Баха. Как должны они звучать?
Прежде всего, вспомним, что орган был первоначально церковным инструментом и с его звучанием связывались самые светлые и возвышенные образы. Точно так же и хорал возник как церковное песнопение, и лишь со временем некоторые композиторы стали включать мелодии хоралов в свои инструментальные сочинения. Духовная музыка, просветленная, свободная от суеты мира, являет собой царство медленных и величественных темпов, то спокойно-отрешенных, то исполненных затаенной горести, но всегда благородно-сдержанных. «Прекрасное должно быть величаво» - эти слова А. Пушкина в полной мере относятся к данной области музыкального искусства.
Органная хоральная прелюдия «Я взываю к Тебе, Господи» BWV639 фа минор И. С. Баха отличается особой, печальной красотой, свойственной многим произведениям композитора.
И.С.Бах Органная хоральная прелюдия "Я взываю к тебе, Господи"ссылка
Мелодия хорала, изложенная в верхнем голосе, столь выразительна, что напоминает пение. Медленный темп в этой прелюдии предстает как выражение строгости и собранности, глубокой сосредоточенности музыкальной мысли.
Совсем по-иному звучат в музыке быстрые темпы. Быстрые темпы - это мир живых и радостных эмоций, стремительных танцев, движений, душевных порывов.
3авязалась, закипела,
Все идет живей, живей,
Обуяла тарантелла
Всех отвагою своей ...
Эй, простору! Шибче, скрипки!
Юность мчится! С ней цветы,
Беззаботные улыбки,
Беззаветные мечты!
Эти слова из «Неаполитанской тарантеллы» итальянского композитора Дж. Россини. Тарантелла - один из самых жизнерадостных и зажигательных народных танцев Италии.
Быстрый темп - Allegro con brio (быстро, возбужденно) кажется еще более стремительным благодаря непрерывному движению трехдольных ритмических фигур, а также многочисленным подбадривающим возгласам и повторам, особенно ярким в итальянском оригинале: «Frinche, frinche, frinche, frinche, frinche, frinche, mamma mia!»
Однако, как мы уже отмечали, единый темп редко сохраняется на протяжении всего произведения. Только в маленьких пьесах может быть выдержано одно настроение от начала до конца. Гораздо чаще темп чутко следует поворотам и нюансам музыкального развития, то чуть ускоряясь, то замедляясь.
Более крупные произведения вообще, как правило, строятся по принципу контрастного чередования разделов: быстрые части или фрагменты сменяются медленными, что способствует и более глубокому раскрытию музыкального содержания, и большему вниманию со стороны слушателей.
Вспомните, как звучит хор «Поет зима - аукает» из кантаты Г. Свиридова «Поэма памяти Сергея Есенина». Музыкальный темп на протяжении звучания неоднократно меняется, следуя за изменениями поэтического сюжета. Ведь и само стихотворение имеет свою собственную внутреннюю динамику темпа, рассказывая нам о «песнях и плясках» суровой зимы.
Поёт зима - аукает,
Мохнатый лес баюкает
Стозвоном сосняка.
Кругом с тоской глубокою
Плывут в страну далекую
Седые облака.
А по двору метелица
Ковром шелковым стелется,
Но больно холодна.
Воробышки игривые,
Как детки шаловливые,
Прижались у окна.
Озябли пташки малые,
Голодные, усталые,
И жмутся поплотней.
А вьюга с ревом бешеным
Стучит по ставням свешенным
И злится все сильней.
И дремлют пташки нежные
Под эти вихри снежные
У мерзлого окна,
И снится им прекрасная,
В улыбках солнца ясная
Красавица весна.
В начале стихотворения мы слышим, как звенит мохнатый лес, укачиваемый зимним ветром, затем - как кружит во дворе холодная метелица, наконец, как злится и ревет вьюга, стуча по ставням. Усилению злого зимнего образа соответствует нарастание темпа: музыка звучит все быстрее и быстрее.
И лишь на словах «И снится им прекрасная, в улыбках солнца ясная Красавица весна» в музыке наступает успокоение, темп становится неторопливым, принося ощущение весеннего тепла и безмятежности.
Задание
1. Просмотрите видео урок.
2. Послушайте органную прелюдию И.С. Баха
Задание присылать не нужно.
Диалог метра и ритма
Важным временным аспектом в музыке является метр.
Метр - это регулярное и равномерное повторение музыкального рисунка, тогда как ритм относится к специфической организации длительности нот внутри каждой музыкальной фразы.
Пьесы с одним и тем же метром могут иметь абсолютно разный ритм. Например, вальс - это танец на три четверти с тремя ударными долями и с акцентом на первой: РАЗ, два, три, РАЗ, два, три, но это не значит, что в каждом вальсе ритм будет идентичным.
Барабаны и другие ударные инструменты почти всегда используются в поп-музыке для поддержания метроритмической основы, в то же время в классической музыке они чаще используются для пунктуации или подчеркивания ритма, установленного настроенными музыкальными инструментами. Даже без барабанов в классической музыке нетрудно различить метр: вы, как правило, воспринимаете его, постукивая пальцами под музыку. Если отнести метр к равномерному повторению событий, то существует «метр» Вселенной и нашей повседневной жизни. Есть «метр» циклического повторения времен года, месяцев и дней, так же как «метр» жизнедеятельности человека: дыхания, ходьбы, подъема и падения уровня наших гормонов и - наиболее очевидный - биение нашего сердца.
Стремление различить метрический рисунок музыкальной пьесы может зачастую сделать доступным даже самое сложное произведение.
В музыке практически не найдешь произведения, в котором бы метр и ритм полностью совпадали, сливались в неразрывное целое. Гораздо чаще встречаются произведения, в которых взаимодействие метра и ритма вступает в диалог, а порой и в спор, где ритм то и дело пытается преодолеть сдерживающую размеренность метра. В таких сочинениях ритм становится необыкновенно изобретательным: он всячески избегает совпадения с метрическими долями, то перенося их с сильной доли на слабую, то прерываясь акцентами и синкопами, как, например, в знаменитом фрагменте из балета А. Хачатуряна «Гаянэ», получившем название «Танец с саблями».
Своей необыкновенной образной выразительностью эта музыка во многом обязана именно ритму: его бесконечно подвижная игра, изменчивость, непредсказуемость всегда безотказно действуют на слушателя, вовлеченного в живое и яркое эмоциональное сопереживание.
Бывает, что ритму удается - пусть на короткое время - вырваться из ритмических оков. Это не означает, что он начинает действовать сам по себе, вне связи с общей ритмической организацией сочинения. Однако в сознании слушателей, а порой и в памяти многих слушательских поколений какой-нибудь ритмический оборот может стать самым ярким образом, сигналом всего последующего образного развития.
Иногда ритм или даже короткий ритмический оборот может стать основой яркого образа всего музыкального произведения. Таково, например, начало Симфонии №5 Л. Бетховена, которая является очень известным и значительным сочинением.
Вопросы и задания
1. Что такое метр?
2. Послушай "Танец с саблями" А. Хачатуряна. Сделай анализ произведения в тетради.
3. Разучи песню "Новогодние игрушки"
Присылать аудио и видео записи песни не нужно.
Песня "Новогодние игрушки" ссылка
"Новогодние игрушки" минус ссылка
Новогодние игрушки
Запиши тему урока в тетрадь. Ответь письменно на вопросы. Сфотографируй и отправь по эл. почте. burakova@ekb55.ru
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
О чём рассказывает музыкальный ритм
(продолжение темы)
Полонез
Ритм полонеза - ещё одна разновидность трёхдольного размера. Полонез представляет собой торжественный бальный танец-шествие, поэтому в его трёхдольности слышится не лёгкое кружение вальса, а церемонная поступь придворных дам и их кавалеров - полузабытая картина давно ушедших времён.
Полонез - самый древний из польских танцев. В старину его называли «великим» или «пешим» танцем. Слово «полонез» французское и в переводе означает «польский». В давние времена он представлял собой праздничное церемониальное шествие рыцарей и его танцевали только мужчины. Со временем в этом парадном шествии стали принимать участие все гости. Им открывали придворные балы. Длинной вереницей шествовали красиво одетые танцоры, изящно приседая в конце каждого такта. В первой паре выступал хозяин бала с самой уважаемой гостьей.
Кроме придворного существовал и крестьянский полонез - более спокойный и плавный.
В творчестве Шопена мы встречаем разные по характеру полонезы: и лирические, и драматичные, и бравурные, похожие на рыцарские. Особой известностью пользуется Полонез ля мажор (ор. 40 №1). Это торжественное сочинение ярко подтверждает, что свои полонезы, так же, как и мазурки, Шопен писал не для того, чтобы под них танцевали. Это яркие концертные пьесы.
Главная тема полонеза - величественная, ликующе-победная.
Слушание: Ф. Шопен. Полонез ля мажор.
В годы Великой Отечественной войны, когда наши воины освобождали Варшаву, одним из первых было отбито у фашистов здание радиоцентра. И тогда на весь город по радио стали исполнять этот величественный полонез Шопена. Под эту музыку шёл бой за столицу родины, подарившей миру великого гения – Фридерика Шопена.
Великолепные образцы блестящих бальных полонезов созданы русскими композиторами в операх. Во втором действии оперы «Иван Сусанин» («Жизнь за царя») Глинка изображает бал во дворце воинственного польского короля Сигизмунда. Открывается бал полонезом, в котором композитор использует характерные ритмические фигуры. Этими фигурами и фанфарной интонацией вступления он подчёркивает сходство полонеза с маршем.
Болеро
Большой популярностью в Испании пользуется танец - болеро. Это слово произошло от испанского voler- летать. Он более спокоен, с ритмом, напоминающим полонез. Его танцуют в сопровождении гитары и кастаньет, но часто и с пением. Русские композиторы Глинка, Даргомыжский, Кюи, Чайковский писали романсы в ритме болеро. Но особо известно «Болеро» для оркестра французского композитора М. Равеля.
М. Равель с огромной яркостью воплотил традиции музыки болеро в своём произведении. Тонкое, глубинное постижение национального духа этого испанского танца было столь поразительным, что имя Равеля - французского композитора первой половины ХХ века - до сих пор связывается с Испанией.
Так, Н. Заболоцкий, посвятивший своё стихотворение «Болеро» замечательному творению французского мастера, намеренно называет Равеля «испанцем», и это звучит как высшая награда:
Итак, Равель, танцуем болеро!
Для тех, кто музыку не сменит на перо,
Есть в этом мире праздник изначальный -
Напев волынки, скудный и печальный,
И эта пляска медленных крестьян ...
Испания! Я вновь тобою пьян!..
Но жив народ, и песнь его жива.
Танцуй, Равель, свой исполинский танец,
Танцуй, Равель! Не унывай, испанец!
Вращай, История, литые жернова,
Будь мельничихой в грозный час прибоя!
О болеро, священный танец боя!
«Испанец» Равель в этом стихотворении Заболоцкого предстаёт как музыкант, сумевший, подобно истинному испанцу, войти в изначальную стихию испанских народных ритмов, плениться их завораживающей красотой и поднять скромный крестьянский танец на пьедестал общечеловеческого восхищения.
«Болеро» состоит из трёх элементов остинатного ритма, неизменно повторяющейся мелодии и большого оркестрового крещендо – постепенного нарастания звучности путём включения всё новых инструментов. Первое, что мы слышим в начальных тактах, - это ритмическая фигура танца, исполняемая барабаном при лёгкой поддержке пиццикато струнных. Затем солирующая флейта вступает с прихотливо извивающейся мелодией. И до самого конца пьесы и ритмическая фигура, и мелодия переходят от инструмента к инструменту, по мере того, как объём и плотность звучания неуклонно нарастает. В конце играет уже весь огромный, мощный оркестр, а повторение музыки создаёт поистине завораживающий, гипнотический эффект. Мелодия достигает кульминации, раскрываясь в ярком финале.
Слушание: М. Равель. «Болеро».
Вопросы и задания:
1. Расскажите о происхождении полонеза, его характере и ритмических особенностях.
2. В какой опере русского композитора встречается полонез? Назовите автора этой оперы.
3. Расскажите о происхождении «Болеро», его характере и ритмических особенностях.
Запиши тему урока в тетрадь. Ответь письменно на вопросы. Сфотографируй и отправь по эл. почте. burakova@ekb55.ru
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
О чём рассказывает музыкальный ритм
Несмотря на упорядоченность музыкального ритма, именно в музыке он достигает наибольшего многообразия. Ведь, прежде всего ритм придает неповторимый облик музыкальным жанрам, помогает нам уже с первых тактов узнать вальс и полонез, болеро и тарантеллу, услышать торжественную поступь марша и величавую приподнятость гимна. Эти ритмы так характерны, что без труда улавливаются в сочинениях более сложных жанров - симфониях, романсах, ариях; некоторые композиторы говорят, что характерные ритмы порой можно услышать даже в звуках окружающего мира.
видео урок "О чем рассказывает музыкальный ритм" ссылка
Так, И. Штраус - «король вальса» утверждал, что первые такты своего знаменитого вальса «Сказки Венского леса» он уловил в перестуке колёс кареты и только потом записал.
Этот вальс, пожалуй, самый известный из всех вальсов Штрауса. Прекрасное долгое вступление рисует нам картины сельской местности, звуки и дыхание леса. Звучание цитры переносит нас из элегантных салонов Вены в очарование деревенской природы. Музыка этого вальса словно погружает нас в природу, и мы растворяемся в её чудесных звуках. Из всех красок, которыми расцвечивает вальс Штраус, с изысканной простотой он использует звучание цитры. Совсем краткое её появление в конце этого произведения добавляет в общее настроение оттенок щемящей тоски и светлой грусти.
Может быть, поэтому в Австрии, на родине Штрауса, многие его вальсы считаются подлинно народной музыкой - так естественно вырастают их ритмы и мелодии из атмосферы, духа, культурных традиций своей страны.
«Раз-два-три, раз-два-три», - приговаривают танцующие под эту музыку и постепенно перестают сбиваться и спотыкаться.
- Этот танец одному не станцевать – он парный – нужен партнёр.
«Немецкая песенка» считает себя как бы учительницей вальса. Присмотритесь и прислушайтесь к тому, как танцующие притопывают своими деревянными башмаками, как подпрыгивают и кружатся.
«Раз-два-три, раз-два-три», - так танцевали когда-то жители небольших австрийских городков и деревень.
По вечерам они собирались после работы на лужайке и плясали, бойко притопывая. Весело играла нехитрую музыку скрипочка, парни подхватывали девушек и слегка подбрасывали их в танце. И так дошёл этот танец до самого главного города Австрии, её столицы – Вены. А жители Вены все были завзятыми танцорами. Танцевали они и у себя дома, и в гостях, и в танцевальных залах, и просто на улицах города.
Когда деревенский танец «Раз-два-три» пришёл в Вену, жители австрийской столицы посмотрели на него свысока и сказали пренебрежительно: «Ландль», что означало «провинциал», «деревенщина». Ну что это за танец! Башмаки стучат, мужчины женщин подбрасывают, те дружно вскрикивают; попробуй, спляши такой танец на гладком паркете – тотчас шлёпнешься. Разве что и в шутку попробовать. Конечно, не так лихо… Тише, тише!.. Не надо так прыгать!.. Движения помягче, плавнее… А он ничего, этот «лендлер», этот «провинциал». И танец лендлер стал постоянным гостем всех танцевальных залов. Только он сменил маску и превратился в танец, который стали называть вальсом.
Но откуда взялось это название? Может оно «благороднее предыдущего? Ничуть. Есть такое приспособление – вальцы, между которыми плющат и прокатывают металлические пластинки. Эти два валика всё время крутятся и втягивают своим вращением металлическую ленту. Не так ли втягивает, вовлекает в кружение музыка танца? Вот и назвали новый танец словом «вальцен» - «крутящийся», «вращающийся».
Но по-настоящему вальс стал знаменитым, когда на него обратили внимание талантливые композиторы. Ведь танец – это не только изящные движения, танец – это зажигательная музыка, под которую хочется танцевать.
Слушание: И. Штраус. «Сказки Венского леса».
И. Штраус "Сказки венского леса"
Штраус создал жанр большого концертного оркестрового вальса. А в творчестве Шуберта вальс превращался в фортепианную миниатюру, предназначенную для домашнего музицирования или исполнения в небольших салонах. Такие салонные вальсы есть у современника Шуберта, немецкого композитора Карла Вебера, чуть позже появляются фортепианные вальсы Роберта Шумана и Фридерика Шопена.
Вальсы Шопена (их 18) - это лирические миниатюры, рассказывающие о переживаниях человеческой души. Шопен обращался к жанру вальса на протяжении всей своей недолгой жизни. Первый вальс написан в 1827 году, когда юному автору было семнадцать лет, а три последних вальса созданы в 1847 году, за два года до смерти композитора.
Фредерик Шопен
Среди вальсов Шопена есть произведения блестящего, виртуозного характера, а есть тихие, напевные лирические миниатюры. В одном из последних вальсов, знаменитом вальсе до-диез минор, соединились и блестяще-виртуозные, и лирические черты шопеновских вальсов.
В основе вальса три разнохарактерные вальсовые темы. Мягкая, грациозная тема, плавная и лёгкая, открывает вальс. Её сменяет более быстрая, кружащаяся, легкая мелодия. Третья - напевная, медленная тема – рождает ощущение размышлений.
Послушайте произведение Ф. Шопена. Вальс
Ф. Шопен Вальс ссылка
В чём же заключается неповторимое своеобразие ритма вальса? Прежде всего, в его музыкальном размере - 3/4. В этом размере написаны все вальсы мира, не только венские, но и французские, русские, немецкие ... Равномерное чередование одной сильной и двух слабых долей такта сразу же навевает образ плавного кружения, изящного и лёгкого бального танца.
Так же как многообразны музыкальные ритмы, многообразны и музыкальные размеры. Например, размер 3/4, только что названный основным признаком вальса, в той же мере является обязательным и для мазурки, и для полонеза, и для болеро! Однако почему-то, несмотря на общность размера, эти жанры очень трудно спутать друг с другом.
Вопросы и задания:
1. От каких танцев произошёл вальс?
2. Для какого инструмента писал вальсы Шопен?
3. Послушайте и проанализируйте Вальс Шопена
Запиши тему урока в тетрадь. Ответь письменно на вопросы. Сфотографируй и отправь по эл. почте. burakova@ekb55.ru
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
В начале был ритм
В ритме есть нечто волшебное;
он заставляет нас верить,
что возвышенное принадлежит нам.
И. В. Гёте
Мелодия — одно из главных средств музыкальной выразительности. Может быть, самое главное. Правда, Николай Андреевич Римский-Корсаков считал, что самое главное средство выразительности — ритм. Можно с ним не соглашаться, но доказать его правоту очень легко.
Люди произносят слова во времени, то ускоряя свою речь, то замедляя ее. Ведь трудно представить себе человека, говорящего предельно точно, размеренно. Такая речь быстро утомит слушателя, и он плохо воспримет смысл сказанного.
Чередование длительностей, которое в музыке всегда повторяется, называется ритмом. Академик Асафьев назвал ритм пульсом музыкального произведения. Это очень удачное сравнение.
Ритм
Ритм (от. греч. rythmos - мерное течение) - организация музыкального движения во времени, периодическое чередование и соотношение сильных и слабых долей.
Ритм вносит порядок в музыку, выстраивает и согласует звуки во времени, то есть по их длительности. То есть ритм - это согласованность звуков по длительности. Они могут быть различными. Количество ритмических вариантов бесконечно велико, все здесь зависит от фантазии композитора. Вообще ни одна мелодия невозможна без ритма. Как бы ни была совершенна и проста мелодия - ее нельзя даже представить вне ритма.
Не будь ритма, не было бы и мелодии, а остался бы только набор разных по высоте звуков. Хотя ритм без мелодии существует. У многих народов Востока есть танцы, которые исполняются только под ритм ударных инструментов.
Ритм является сильнейшим выразительным средством. От него во многом зависит характер музыки. Ровный ритм делает мелодию плавной и мягкой, прерывистый - придает мелодии взволнованность, напряженность, часто используется в решительной, маршевой музыке. Благодаря ритму мы можем сразу же, даже в незнакомом произведении определить: это вальс, это полька, это марш и т. д. Для каждого из этих жанров характерны определенные ритмические фигуры, которые повторяются в течение всего произведения.
Греческое слово «rythmos» означает мерное течение. Термин этот - не только музыкальный. В нашей жизни все подчинено определенному ритму.
Ритм обнаруживает себя повсюду в окружающем мире. Ритмично чередуются времена года, месяцы, недели, дни и ночи. Ритмичны человеческое дыхание и биение сердца. Ритмичны архитектурные сооружения, дворцы и дома с их симметрично расположенными окнами, колоннами и лепными украшениями.
Ритм (от. греч. rythmos - мерное течение) - организация музыкального движения во времени, периодическое чередование и соотношение сильных и слабых долей.
Ритм вносит порядок в музыку, выстраивает и согласует звуки во времени, то есть по их длительности. То есть ритм - это согласованность звуков по длительности. Они могут быть различными. Количество ритмических вариантов бесконечно велико, все здесь зависит от фантазии композитора. Вообще ни одна мелодия невозможна без ритма. Как бы ни была совершенна и проста мелодия - ее нельзя даже представить вне ритма.
Не будь ритма, не было бы и мелодии, а остался бы только набор разных по высоте звуков. Хотя ритм без мелодии существует. У многих народов Востока есть танцы, которые исполняются только под ритм ударных инструментов.
Ритм является сильнейшим выразительным средством. От него во многом зависит характер музыки. Ровный ритм делает мелодию плавной и мягкой, прерывистый - придает мелодии взволнованность, напряженность, часто используется в решительной, маршевой музыке. Благодаря ритму мы можем сразу же, даже в незнакомом произведении определить: это вальс, это полька, это марш и т. д. Для каждого из этих жанров характерны определенные ритмические фигуры, которые повторяются в течение всего произведения.
Греческое слово «rythmos» означает мерное течение. Термин этот - не только музыкальный. В нашей жизни все подчинено определенному ритму.
Ритм обнаруживает себя повсюду в окружающем мире. Ритмично чередуются времена года, месяцы, недели, дни и ночи. Ритмичны человеческое дыхание и биение сердца. Ритмичны архитектурные сооружения, дворцы и дома с их симметрично расположенными окнами, колоннами и лепными украшениями.
Приходилось ли вам задумываться когда-нибудь, почему маленькие дети так быстро и легко засыпают под звуки колыбельной песни? Почему они тут же начинают приплясывать, если поешь им какую-нибудь музыкальную прибаутку? Ведь ребенок еще не учился ничему и не знает, что на музыку следует как-то реагировать - двигаться, танцевать и т. д.
Наверное, это происходит оттого, что музыкальный ритм наиболее близок природе человека и, воздействуя на нее, способен вызывать ответную реакцию. А любая ответная реакция - это уже диалог, общение человека с внешним миром, первое ощущение единения с ним. Ведь так важно чувствовать себя не одинокой, затерянной в бесконечности песчинкой, а полноправной частичкой мира, живущего и чувствующего так же, как и ты сам.
Порядок, симметрия - коренные свойства ритма. Не случайно мы находим их в самых разнообразных музыкальных произведениях - от нехитрой детской песенки до сложной инструментальной темы.
Послушайте произведение В.А. Моцарта - хор "Волшебные колокольчики" из оперы "Волшебная флейта". Спойте его и вы сразу почувствуете легкость, естественность, соразмерность ритма и мелодии.
Моцарт "Волшебные колокольчики" ссылка
Вопросы и задания:
1. Что такое ритм, каково его значение в музыкальном языке?
2. Почему именно ритм является основой музыки? Могла бы музыка существовать без ритма?
3. Послушайте произведение В.А. Моцарта "Волшебные колокольчики". Сделайте анализ произведения.
Запиши тему урока в тетрадь. Ответь письменно на вопросы. Сфотографируй и отправь по эл. почте. burakova@ekb55.ru
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
Единство музыкального произведения
Музыкальное произведение – сочинение, состоящее из звуков с текстом или без текста, исполняемое голосом или с помощью инструментов.
Музыкальное произведение – это единое целое, как и любое художественное произведение.
Из чего состоит это целое? Какие средства использует композитор, создавая музыкальное произведение?
Композитор в процессе творчества придумывает схему (форму), которая позволяет ему воплотить свою тему (содержание)
Самыми важными и яркими средствами музыкальной выразительности являются мелодия, гармония, ритм, лад, тембр. Поддерживая и обогащая друг друга, они выполняют единую творческую задачу – создают музыкальный образ и воздействуют на наше воображение.
Давайте разберёмся в этих названиях.
1. Мелодия
Когда слушаешь музыку, невольно обращаешь внимание на ведущий голос, главную музыкальную тему. Это звучит мелодия. Греческое слово мелодия состоит из двух корней: melos и ode, что означает «пение песни». Мелодия – это содержание произведения, его стержень. Она передает главные художественные образы.
2. Гармония.
Это слово тоже пришло к нам из Греции и в переводе означает «стройность», «созвучность», «слаженность». Гармония дополняет мелодию новыми эмоциональными красками, насыщает, «расцвечивает» ее, создает фон. Между мелодией и гармонией всегда нерасторжимая связь. Гармония имеет 2 смысла:
а) приятная для слуха слаженность звуков, «благозвучие»;
б) объединение звуков в созвучия и их закономерное последование.
3. Ритм
Ни одна мелодия или картина не может существовать вне ритма. Ритмом в музыке называется чередование и соотношение различных музыкальных длительностей.
Ритм – тоже греческое слово и переводится как «мерное течение».
Ритм обладает огромными возможностями. Это яркое выразительное средство, которое определяет характер музыки. Благодаря ритму мы отличаем марш от вальса, мазурку от польки и т.д. Ритм существует не только в музыке, но и в природе, быту. Мы чувствуем его всегда, потому что он заложен в основе нашей жизни. Ритмично бьется сердце человека, ритмично отстукивают часы, ритмично происходит смена дня и ночи, времен года. Мы ритмично шагаем, ритмично дышим.
4. Лад
Лад в музыке создает настроение. Оно может быть радостным, светлым или, наоборот, задумчивым, печальным. Лад – славянское слово и переводится как «мир», «порядок», «согласие». В музыке лад означает взаимосвязь и согласованность звуков, различных по высоте. Сочетания звуков воспринимаются по-разному. Одни устойчивые, на них можно остановиться или вообще закончить движение. Другие неустойчивые и требуют движения дальше. Самый устойчивый звук лада называется тоникой. Самыми распространенными ладами являются мажор и минор.
5. Тембр
Тембр в переводе с французского означает «окраска звука». Тембр – это отличительный знак каждого музыкального инструмента или человеческого голоса. Любую мелодию мы воспринимаем в определенной звуковой окраске. Человеческий голос тоже обладает своим тембром. В вокальной музыке различают два женских голоса (сопрано, альт) и два мужских (тенора, басы).
Каждый музыкальный инструмент тоже имеет свой тембр, по которому мы его узнаём.
Все эти компоненты музыкального произведения и создают его целостность, каждый композитор применяет их по-своему.
Музыка говорит с нами ярким выразительным языком. И его необходимо знать и понимать. Вот тогда искусство станет для нас близким и доступным. И мы, слушая музыкальные произведения, сможем восхищаться виртуозностью показа отдельных выразительных средств произведения: проникновенной, чувствовать эмоциональность мажора или минора, любоваться красотой гармоний, многоцветной палитрой тембров, неповторимым многообразием ритмических рисунков.
На следующих уроках мы поговорим подробно о каждом компоненте музыкальных произведений, а сегодня послушаем пьесу Г.Свиридова "Тройка" из музыкальных иллюстраций к повести А.С.Пушкина "Метель".
Дебютировал в 1935 году циклом романсов на слова А.С. Пушкина, в которых выявились характерные черты индивидуального стиля Свиридова - яркий методизм, гармоническая свежесть, простота фактуры.
В ряде произведений 40-х годов проявилось сильное влияние творчества Шостаковича. Вокальная поэма «Страна отцов» (1950) и цикл песен на слова Р. Бернса (1955) - первые произведения зрелого периода творчества Свиридова.
Центральное место в творчестве Свиридова занимает вокальная музыка, опирающаяся на поэтическое слово. Интонации народных песен, им используемые, обогатили мелодику.
Послушайте фрагмент произведения Г.Свиридова "Тройка"
Какой же образ нам нарисовала музыка?
- «Птица - тройка» лошадей. Это поэтический символ отчего и почему именно кони?
Это символ России, свободной и независимой, оплот православия. Конек венчал крышу русской избы – символ силы, но доброй, ведь Русь не нападала на врагов, а оборонялась.
Сколько основных музыкальных тем, характеризующих образы, вы услышали? Опишите первую музыкальную тему и пропойте ее. (призывная, несущаяся, фанфарная…)
Опишите вторую музыкальную тему и пропойте ее. (песенная, протяжная, льется…)
Василий Андреевич Жуковский:
Кони мчатся по буграм,
Топчут снег глубокий…
Вот, в сторонке божий храм
Виден одинокий.
Вдруг метелица кругом;
Снег валит клоками;
Черный вран, свистя крылом,
Вьется над санями;
Вещий стон гласит печаль!
Кони торопливы
Чутко смотрят в темну даль,
Воздымая гривы…
Вопросы и задания.
1. Что образует единство музыкального произведения?
2. Назови основные средства музыкальной выразительности.
3. Послушай "Тройка" Г.Свиридова. Сделай анализ произведения в тетради.
В тетради пишем тему урока. Отвечаем на вопросы. Фотографируем. Присылаем по почте.
1 четверть
Музыка объединяет людей
Что-то в музыке…
Первородное, первозданное,
Богатырское и былинное,
Что-то смелое и решительное,
И прямое, как высота,
Что-то самое значительное –
Человечность и доброта.
В. Боков
Сила музыки, о которой мы говорили на прошлом уроке, далеко не всегда разрушительна. Гораздо чаще она направлена на созидание.
Настоящая музыка окрыляет; человек, переживающий её, становится сильнее и даже как будто выше самого себя. По этому поводу Л. Толстой сказал так: «Она переносит меня в какое-то другое, не своё положение; мне под влиянием музыки кажется, что я чувствую то, что я собственно не чувствую, что я понимаю то, чего я не понимаю, что могу то, чего не могу».
Не случайно повествований о созидательной (созидательный – создающий что-нибудь) силе музыки гораздо больше, чем о разрушительной. Мифический герой Амфион одной своей игрой на лире заставлял камни складываться в стены, которые стали стенами древнего города Фивы.
Волшебное действие музыки, способной укрощать все грозные силы земли и морей, описано в знаменитой оде древнегреческого поэта Пиндара.
«Золотая лира, совместное достояние Аполлона и тёмно-кудрых муз. Тебе повинуется пляска, начало торжества; твоих же указаний слушают и певцы, когда ты искусной рукой изливаешь звуки руководящих хором прелюдий. Ты же погашаешь губительную молнию вечного огня. На 3евсовом скипетре дремлет, свесив быстрые крылья, орёл, царственная птица, и ты, лира, окутываешь ему хищную голову черным облаком, погружающим его в сладкий сон, смыкая его вежды (веки). Очарованный твоими звуками, он, нежась, в дремоте плавно вздымает свою спину. Даже сам суровый Арес, далеко отбросив грозное оружие, услаждает сердце песнью: вот как, о лира, твои звуки смягчают сердца божеств».
Волшебные инструменты, заставляющие подчиниться звукам музыки даже сверхъестественные силы, являются «героями» многих сказок различных народов мира. О состязаниях певцов слагаются легенды.
Сюжет основан на древнегреческом мифе. Царь Фригии Мидас был судьёй на музыкальном состязании бога Аполлона и Пана (в ином варианте - Марсия). В ходе состязания Аполлон прибег к нечестному приёму - он перевернул свою лиру и играл на ней в таком непривычном положении. Пан попытался сделать то же самое со своей флейтой и не смог извлечь ни одного звука. В результате победителем оказался Аполлон. Царь Мидас опрометчиво присудил, учитывая малопривлекательный поступок Аполлона, первенство Пану, за что Аполлон наделил Мидаса ослиными ушами, которые тот был вынужден всю жизнь прятать под фригийским колпаком (отсюда выражение: «ослиные уши Мидаса»).
Из всего этого множества вымышленных и правдивых историй мы видим, что в восприятии людей музыка предстаёт как сказочная фея и чародейка, которая убаюкивает и подбадривает, утешает и обличает, радует нас и поддерживает, украшает нашу жизнь.
Как никакое другое искусство, музыка объединяет людей для общих дел и для радостей, для укрепления духа, способного противостоять бедам и тяготам жизни. Под её воздействием невзгоды отступают и терпят поражение, как когда-то потерпели поражение сладкоголосые сирены, погибшие только оттого, что музыка Орфея оказалась более могущественной, чем их собственная.
Это противостояние светлых и темных сил вечно, подобно вечности самого искусства. И когда мы слушаем мессы Баха или симфонии Моцарта, оперы Глинки или концерты Рахманинова, то находим там ту же вечную проблему добра и зла, волнующую людей с тех пор, как они появились в этом мире.
Какой ответ даёт нам музыка?
Слушая её великие произведения, в какие бы глубины печали, скорби и борьбы они нас ни погружали, мы всегда чувствуем главную направленность её устремления: только ввысь, только к свету.
И вот из самой бездны скорби
Бетховен задумал восславить Радость.
Р. Роллан
Послушайте грандиозный финал последней, девятой симфонии Бетховена – величайшее произведение композитора, известное и любимое во всём мире.
Это величайший итог духовного восхождения, воздвижение величественного музыкального храма, в котором идея человечества и человечности достигла поистине грандиозного масштаба. Не случайно в финале симфонии звучат голоса солиста, ансамбля и хора, сообщающие гениально простой «теме радости» силу и мощь людского единения.
История мировой музыки знает немало великих композиторов, творчество которых пережило века, но лишь одного Бетховена люди назвали ТИТАНОМ. Это был не только титан-художник, но и титан-человек, потому что в искусстве, как и в жизни, он преодолевал предрассудки своего времени, поддерживал стремление к свободе народов, просыпавшихся от долгого сна, в который их погрузила история, достойно устранял все препятствия, встававшие у него на пути, и возносился выше всех горестей, которые сопровождали его до последнего часа жизни.
Людвиг ван Бетховен родился в канун славной эпохи, когда Европу, охватила новая идея - идея свержения феодального строя. Эта идея была своего рода ферментом, будившим в народах новые силы и энергию. Художник, умевший возбуждать и вдохновлять души, ставший отголоском бурных событий своего времени, Бетховен считается музыкантом-революционером. И в этом есть глубокая истина, ибо великий композитор раньше других понял, что для того, чтобы человек мог свободно выражать свои мысли и высвобождать зреющие в нём силы для создания нового, свободного и справедливого мира, следует разрушить многочисленные барьеры, разбить множество цепей и распахнуть как можно больше окон - чтобы свет, свежий воздух и счастье вошли даже в самые бедные дома.
Вот о чём говорил Бетховен в своей музыке; он считал, что «искусство - это республика, в которой каждый обязан совершить всё добро, на которое он способен, даже в самых суровых условиях».
Условия, в которых жил Бетховен и в которых он создавал свои замечательные произведения, были поистине суровыми. Он родился в бедной, терзаемой страшной нуждой семье и с большим трудом добился права изучать музыку и зарабатывать себе на хлеб. Самое близкое существо – родной племянник, в которого он вложил столько надежд, разочаровал его своим поведением, а в конце жизни его ждал самый страшный удар, который может постичь музыканта: потеря слуха.
Месяцами и годами он лечился у равных врачей в надежде восстановить слух, но чем чаще становились визиты к знаменитостям, тем суровее звучал приговор.
Любой другой человек пал бы под тяжестью такого несчастья, но Бетховен как подлинный титан преодолел свою боль и отчаяние. «Я хочу научиться мужеству терпения, - записал он в своей тетради. - Если моё тело связано, дух должен победить. То, чего я не могу услышать ухом, должно угадать моё сердце. Я разобью кандалы, которые надела на меня судьба; я хочу петь, петь для всех. О, человек! помоги себе сам, раз тебе дана сила сделать это!»
И титан победил, создав бессмертные произведения, мелодии которых и поныне звучат во всём мире как призыв к вере в человека, к борьбе со злом и братству всех людей.
Эту борьбу и глубокие раздумья человека воплотил он в своей гениальной музыке. Как будто человечество вспоминает всё своё прошлое, подводит его итоги и пытается заглянуть в будущее. Эту грандиозную картину будущего великий мастер рисует нам в финале Девятой симфонии. Для этого композитору оказалось мало средств только музыки. Он ввёл в симфонию слово - оду Шиллера «К радости».
Бетховен Симфония №9, 4 часть фрагмент ссылка
Ода к Радости (фрагмент)
Радость, пламя неземное,
Райский дух, слетевший к нам,
Опьянённые тобою
Мы вошли в твой светлый храм.
Ты сближаешь без усилья
Всех разрозненных враждой,
Там, где ты раскинешь крылья,
Люди – братья меж собой.
Хор
Обнимитесь, миллионы!
Слейтесь в радости одной!
Там, над звёздною страной, -
Бог, в любви пресуществлённый!
Кто сберёг в житейской вьюге
Дружбу друга своего,
Верен был своей подруге, -
Влейся в наше торжество!
Кто презрел в земной юдоли
Теплоту душевных уз,
Тот в слезах, по доброй воле,
Пусть покинет наш союз!
Может быть, в способности наделять людей этой силой, помогать им противостоять отчуждённости и холодному одиночеству и состоит главное значение музыки, всегда идущей от сердца и всегда умеющей найти путь к другому сердцу.
Вопросы и задания:
1. Известны ли вам какие-либо сказки, предания или рассказы о волшебной силе музыки? Расскажите.
2. Как вы понимаете смысл мифа о строительстве города Фивы?
3. Послушайте фрагмент симфонии №9 Л.Бетховена. Сделайте анализ произведения.
Напоминаю схему анализа произведения.
1. Исполнительский состав произведения.
2. Какой склад музыки преобладает в данном произведении?
3. Этническая принадлежность произведения.
4. Характер музыкального произведения. Музыкальный образ.
5. Имя композитора. Название произведения.
В тетради запишите тему урока. На вопросы отвечать письменно в тетради. Фотографируем и присылаем по почте.
Урок 4. Искусство - память человечества
Чем больше узнаёшь музыку, тем больше удивляешься - сколько в ней повторяющихся тем, сюжетов, образов. Как в жизни отдельного человека, так и в жизни всего человечества не бывает ничего лишнего, устаревшего, изжившего себя.
По-прежнему, как и в старые времена, поёт в произведениях композиторов волшебная лира Орфея, происходят сказочные чудеса, вновь и вновь возрождаются древние молитвы.
Над ними время не властно: здесь нет забвения, здесь царствует вечность. И примечательно, что на заре цивилизации, в античной Греции, фантазия людей поставила у истоков всех искусств Мнемозину – богиню памяти.
Существует даже такое предание: вблизи пещеры Трофония (предсказателя человеческих судеб) находились два источника, имеющие названия Лета и Мнемозина. Испивший из первого источника забывал свою жизнь и её тяготы, испивший из второго запоминал всё, что видел и слышал.
Лета и Мнемозина – также имена греческих богинь: богиня забвения Лета, уносит воспоминания о земном и преходящем; богиня памяти Мнемозина даёт человеку великую созидательную силу – увековечить каждое мгновение жизни.
Именно Мнемозина стала матерью всех девяти муз, покровительствующих искусствам, передав им в наследство самую поразительную способность, отличающую искусства и поныне. Это способность наделять бессмертием всё, к чему они прикасаются.
Контуры зверей, начертанные в первобытных пещерах, и лучезарные города – памятники Греции и Италии, полотна живописцев, дающие панораму лиц, костюмов и обычаев, и пламенные стихи, запечатлевшие живой жар сердца какого-нибудь неведомого нам средневекового рыцаря, – всё это неисчислимые чудеса, подаренные нам искусством.
Ушли в небытие столетия, люди и их дела, угасли страсти, но неповторимое ощущение времени, в котором нам не довелось жить, но которое мы помним самой главной памятью, данной человеку, – памятью души.
Послушайте пьесу «Старый замок» М. Мусоргского из известного вам цикла «Картинки с выставки».
М.П. Мусоргский "Старый замок"
Образ средневековой старины дан как воспоминание об ушедшем мире, над которым уже не властно время. Состояние вневременности, вечности передано в музыке с особой статичностью всех её выразительных средств: однообразием ритма, органным пунктом – выдержанной нотой в басу, сохраняющейся на протяжении всей пьесы, несколько отстранённой, уже словно бы внеземной мелодией, звучащей как печальная песня трубадура.
Однако эта музыка, явившаяся к нам подобно призраку, как будто из другого мира, вызывает у слушателя живое сожаление об ушедших временах с их рыцарями и прекрасными дамами, величественными замками и чудесными песнями. И именно в сегодняшнем, тёплом эмоциональном переживании заключено главное доказательство того, что искусство несёт в себе не механическую память, а именно душу времени. Прикосновение к этой душе, как к великой загадке, вновь и вновь вдохновляет поэтов и музыкантов, и они обращаются к вечным темам и образам, «примеряя» их к современности.
Вот почему и сейчас музыканты по всей России собирают исчезающие крупицы народной музыки, запечатлевшие в себе память ушедших веков, создают музыкальные коллективы, возрождающие исполнение забытых духовных песнопений, когда-то составлявших неотъемлемую часть жизни русского человека. Композиторы все чаще обращаются к древним пластам культуры, вводя в свои композиции мелодии, звучавшие много веков назад.
Так столетия ведут свой неторопливый разговор. Это разговор равных: ведь в искусстве, в отличие от других видов деятельности, нет примитивных эпох. Каждая дала свои образцы непревзойдённой силы и величия: и блистательная АНТИЧНОСТЬ, и озарённое духовностью СРЕДНЕВЕКОВЬЕ, и любознательное ВОЗРОЖДЕНИЕ, и гармоничный КЛАССИЦИЗМ, и мечтательный РОМАНТИЗМ. Есть своё величие и у МУЗЫКИ ХХI ВЕКА, ещё пока не имеющей собственного названия, кроме - СОВРЕМЕННОСТЬ.
Э. Гау. Павильонный зал. Государвственный Эрмитаж.
Акварель (КЛАССИЦИЗМ)
Человечеству, как и отдельному человеку, нужна вся музыка - и та, что звучит сегодня, и та, что создавалась в предшествующие века.
Чем больше «миров» открыл для себя человек в искусстве, тем более яркими гранями раскрывается перед ним жизнь. Ведь в сотни раз богаче и драгоценнее каждый её миг, если он озарён светом любви и восхищения всех воспевших его в своих стихах и своих песнях.
Вопросы и задания:
Каким предстаёт старый замок в пьесе М. Мусоргского? Какие средства музыкальной выразительности участвуют в создании музыкального образа?
Можно ли сказать, что прошедшие столетия живут в памяти людей?
Назовите главнейшие культурные эпохи.
Урок 3.
Искусство и фантазия
"Стихия музыки - могучая стихия,
Она чем непонятней, тем сильней.
Глаза мои, бездонные, сухие,
Слезами наполняются при ней.
Она и не видна, и невесома,
И мы её в крови своей несём.
Мелодии всемирная истома,
Как соль в воде, растворена во всём…»
Евгений Винокуров.
Добрый день, ребята!
Мы продолжаем знакомиться с жанровым и стилевым многообразием музыкального творчества отечественных и зарубежных композиторов. Сегодня нам предстоит разобраться в понятиях «искусство и фантазия», «реальность и творческое воображение, в том как они сочетаются, переплетаются, как влияют на музыкальный мир произведений композитора.
Просмотрите видео урок.
видео урок Искусство и фантазия
Рафаэль. Парнас. Аполлон и музы. Группы муз.
Слушая музыкальное произведение, мы обязательно проникаемся теми чувствами. Тем духовным миром, музыкальными звуками, интонацией, выразительными средствами, которые испытывает композитор. Причем каждый слушатель, безусловно, по- своему, индивидуально представит, вообразит, нафантазирует тот внутренний, глубокий смысл и мир музыки,ее автора, который воспримет через созданный внешний музыкальный образ.
Урок 2.
Наш вечный спутник
«Без музыки земля – пустой, недостроенный дом, в котором никто не живёт», – сказал немецкий поэт Л. Тик. Музыка образует целый мир человеческой жизни, который рождается вместе с человеком, растёт, становится богаче, содержательнее, оказывает влияние на его характер, поступки и облик. Каждый помнит песни своего детства – песни бабушки и мамы, песни которыми встречает и провожает нас школа; каждый помнит, как «звучат» праздники: ведь своя музыка есть у дней рождения, у проводов зимы или встреч Нового года. Она бывает весёлой, шуточной, а бывает волшебной, таинственной, как бы приоткрывающей завесу над чудесами жизни, в которые так хочется верить. Музыка никуда не уходит от человека, она всегда с ним – и та, совсем далёкая, детская, и та, что пришла вместе с юностью, помогала взрослеть, любить и думать.
Послушайте музыку. И. Брамс. Симфония № 3. III часть. Фрагмент (слушание).
Вопросы и задания:
Послушай произведение Брамса Симфония №3.
Что вам хотелось бы делать под эту музыку?
Что таится в этой музыке за внешней простотой и ясностью?
Урок 1.
Музыка души
Тысячи лет существует музыка на Земле, и тысячи лет люди снова и снова пытаются ответить на этот вопрос.
Почему музыка волнует и трогает?
Почему к ней, как к солнечному свету, тянутся не только люди, но и животные, и даже растения?
И почему именно с музыкой связывает человек свои представления о прекрасном?
Желая выразить высшую прелесть мира, говорят: «музыка природы», «музыка души» ...
Послушайте стихотворение Евгения Винокурова. Как вы понимаете слова «музыка души»?
Есть внутренняя музыка души…
Она как память о полузабытом,
Она как дальний шум. Не заглуши
Её с годами буднями и бытом!
Она таится в глубине, светя
Порой в случайном слове, в слабом жесте.
Её имеют многие. Дитя
Лишь обладает ею в совершенстве.
В этом стихотворении Е. Винокурова «музыка души» предстаёт как особый внутренний свет, чистый и незамутнённый, как драгоценный талант, который надлежит беречь от разрушающей монотонной повседневности. Музыка зарождается в душе и проникает в душу другого человека.
Произведение Доги из фильма «Мой ласковый и нежный зверь» называют самым известным в мире кино-вальсом, «самым красивым вальсом о любви в мире». В рейтинге музыкальных шедевров 20-го века ЮНЕСКО он удостоен четвертой строчки.
Глубокие чувства детства раскрыты в песне Максима Дунаевского «Цветные сны»из т/ф «Мери Поппинс, до свидания!», которую предлагаю вам послушать и разучить.
Если мы попытаемся ответить на вопросы: в чём состоит воздействие музыки на душу человека? Почему она то радует или печалит, то возвышает, а почему подчас оставляет равнодушным?
Ответив на эти вопросы, мы лучше узнаем не только музыку, но и самих себя: ведь музыка не живёт вне человека, она всегда несёт в себе частицу его души. И какова музыка, волнующая нас, таковы и мы сами: сколь бы различны ни были наши характеры, привычки, внешний облик, в главном мы можем оказаться не такими уж непохожими.
Все мы умеем любить, радоваться и восхищаться. Как раз об этом – о нашей похожести друг на друга – и напоминает музыка. И та, что живёт в душе каждого из нас, и та, которая, пробуждая уснувшие чувства, возвращает человека к самому себе.
Домашнее задание:
Назовите примеры музыки разного характера и расскажите, чем они вам близки.
Выучите песню М. Дунаевского «Цветные сны» (можете исполнять под фонограмму)
Послушайте и посмотрите «Вальс» Е. Доги в исполнении певицы Зары, фигуристов Т. Навки и А. Жулина (на сайте учителя). Какие чувства вызывает в вас эта музыка?
Прочтите повесть А. Чехова «Драма на охоте»
Найдите и выпишите в тетрадь одно из высказываний о воздействии музыки на человека, указав автора.
история народа в творчестве р. композиторов
Народная музыка американского континента
Народное искусство Древней Руси. Русская духовная музыка. Духовный концерт
Народное искусство Древней Руси
Перечень вопросов, рассматриваемых по теме:
- народное искусство Древней Руси;
- противопоставление фольклора и церковной музыки;
- древнее музыкальное искусство после Крещения Руси;
- духовная музыка М. С. Березовского.
Тезаурус
Идол – статуя, изваяние, которым язычники поклоняются как божеству.
Скоморохи – это странствующие актёры, бывшие одновременно певцами, танцорами, музыкантами, акробатами и авторами большинства исполнявшихся ими драматических сценок.
А капе́лла – это пение без музыкального сопровождения.
Унисон – это одновременное звучание двух или нескольких звуков одной высоты или одинаковых звуков в разных октавах.
Многоголосие – это склад музыки, основанный на одновременном сочетании в музыкальном произведении нескольких мелодических голосов.
Обязательная литература:
1. Сергеева Г. П. Музыка. 6 класс: учеб. для общеобразоват. организаций.// Г. П. Сергеева, Е. Д. Критская. – 9-е изд., перераб. – М.: Просвещение, 2019. – 168 с.: ил. – ISBN 978-5-09-071652-9.
Дополнительная литература:
1. Большой толковый словарь русского языка / Под ред. С. А. Кузнецова. Первое издание. – СПб.: Норинт, 1998. Публикуется в авторской редакции 2014 года.
2. Большая советская энциклопедия: [в 30 т. ]/ гл. ред. А. М. Прохоров – 3-е изд. – М.: Советская энциклопедия, 1969–1978.
Теоретический материал для самостоятельного изучения
Древние славяне до Крещения Руси были язычниками. Они думали, что природные явления: дождь, грозу, засуху, жару и холод, вызывают на земле боги. В честь этих богов они совершали обряды: пели песни, танцевали, играли на музыкальных инструментах. Чтобы поклоняться этим богам, славяне изготавливали идолов. Идол – это статуя, изваяние, которой поклоняются язычники как божеству.
До сих пор популярностью пользуется языческий праздник – день Ивана Купалы. В ночь накануне праздника было принято купаться или мыться в бане, прыгать через костёр, плести венки, искать папоротник. День этот отмечается летом и посвящён летнему солнцестоянию. В древности люди по большей части были неграмотными, не умели писать и читать, песни и сказания передавались из «уст в уста». Старшее поколение передавало младшему, а младшее – дальше, своим детям. Такое устное народное творчество называется фольклор. Существовало два типа артистов: певцы-сказители и скоморохи.
Певцы-сказители аккомпанировали себе на гуслях. Образы самых известных гусляров, Баяна и Садко, встречаются в творчестве русских композиторов: Баян в опере Глинки «Руслан и Людмила», «Садко» в одноимённой опере Н. А. Римского-Корсакова.
В противовес серьёзным сказителям выступали скоморохи. Это странствующие актёры, бывшие одновременно певцами, танцорами, музыкантами, акробатами и авторами большинства исполнявшихся ими драматических сценок.
Их выступления были связаны с праздниками, гуляниями, часто они поднимали острые темы в своих выступлениях. Обычно их изображают с музыкальными инструментами: гуслями, дудками, гудками и бубнами.
Николай Андреевич Римский-Корсаков изобразил скоморохов в балетном фрагменте в опере «Снегурочка». Благодаря скоморохам на Руси развивались литературные жанры: эпос, поэзия, драма.
Другое направление в музыке Древней Руси появилось в связи с эпохальным событием – Крещением. Произошло Крещение Руси в 988 году.
Киевский князь Владимир Святославович провозгласил христианскую веру. Красота богослужения христиан, увиденная в Греции, поразила его послов. После этого языческие традиции стали уходить на второй план, скоморохи были подвержены гонению. Их высылали из городов, отбирали музыкальные инструменты.
Древнее церковное пение было одноголосным и без сопровождения. Такое пение без сопровождения называется «а капелла». Нот в привычном понимании не существовало. Мелодия обозначалась специальными значками. Они назывались «знаменами». Отсюда и пошло название знаменного пения.
Знаменный распев – это сплав византийской культуры с русскими народными традициями. Один из известных распевов: «Покаяния отверзи ми двери».
Знаменный распев – это музыка сосредоточения, погружения. Звучит величественно и строго. Голоса звучат в унисон.
Унисон – это одновременное звучание двух или нескольких звуков одной высоты или одинаковых звуков в разных октавах.
С XV века появляется многоголосная церковная музыка.
Многоголосие – это склад музыки, основанный на одновременном сочетании в музыкальном произведении нескольких мелодических голосов.
В семнадцатом веке на русских музыкантов стала оказывать влияние музыка Западной Европы. Старая культура одноголосного знаменного пения стала вытесняться новой, многоголосной.
Вершиной многоголосного церковного пения считается духовный концерт. Этот жанр появился на Руси в XVIII веке.
Один из наиболее известных и значимых духовных концертов «Не отвержи мене во время старости» написал Максим Созонтович Березовский. Концерт написан на текст одного из псалмов Давида из Ветхого Завета. Это музыка звучит «а капелла», то есть без музыкального сопровождения. Инструментами здесь выступают голоса самих хористов. Красота архитектуры и иконописи храмов, вместе подобными образцами духовной музыки производят поистине потрясающее впечатление на слушателей.
Таким образом, на Руси закрепилось два музыкальных течения: светская музыка – всё многообразие русского народного творчества: лирические и плясовые, частушки и плачи, обрядовые и исторические песни. А после Крещения Руси появилась и стала развиваться духовная музыка, сначала одноголосная, а затем и многоголосная, постепенно вбирая в себя интонации русских лирических протяжных песен. Вершиной духовной многоголосной музыки стал духовный концерт.
Духовный концерт появился в XVIII веке. Самые известные создатели русских хоровых концертов – Максим Созонтович Березовский и Дмитрий Степанович Бортнянский. Оба они учились композиторскому мастерству в Италии. К сожалению, многие произведения этих композиторов были найдены спустя годы после их смерти, а часть безвозвратно утрачена.
Д. С. Бортнянский был продолжателем идей М. С. Березовского и перенял у него полифоническую технику, гармонию и образный строй концерта. Некоторые его хоровые концерты праздничные и торжественные, другие проникнуты лиризмом и возвышенностью. Сегодня духовные концерты Д. С. Бортнянского и М. С. Березовского можно услышать в исполнении лучших хоровых коллективов России
Примеры заданий из Тренировочного модуля
№1. Как называется одновременное звучание двух или нескольких звуков одной высоты или одинаковых звуков в разных октавах?
Варианты ответа: унисон; ксилофон; многоголосие; аккомпанемент.
На уроке речь шла о многоголосии и унисоне. Исходя из определения, указанного в вопросе следует, что правильный ответ – унисон. Так как звучание нескольких звуков одной высоты – это не многоголосие. Ксилофон – это музыкальный инструмент, аккомпанемент – это музыкальное сопровождение к сольной партии голоса или инструмента.
№2. Кто является основателем русского духовного концерта?
Варианты ответа: Березовский; Чайковский; Глинка; Мусоргский.
На уроке упоминался лишь один композитор – Максим Созонтович Березовский.
Комментарии